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Pronto se cumplirán cinco años de la apertura del Teatro Cuyás, con una lectura poética del
inolvidable Paco Rabal. Con la fragilidad y el titubeo de una criatura recién nacida este espacio
escénico se ha ido fo~ando a través de sus inevitables errores y de sus indudables aciertos, y ha
aprendido en estos años de singladura a situarse en
Desde La Lu na correspondencia y en respuesta a lo que la sociedad
canaria le exigía,
Efectivamente, no estábamos solos, y no podemos
incurrir en la petulancia de pretender imponer un proyecto desconociendo nuestro entorno. Antes
bien, el Teatro Cuyás ha sido consciente de lo mucho que tenía que aprender de todos los que,
durante muchos años, han ido creando con sacrificio y tesón de supervivientes eso que genéricamente
invocamos como las artes escénicas. Servir de voz y de tablas a los que carecían de una infraestructura
escénica como el Cuyás, nos ha afianzado en la idea de que los espacios culturales tienen un
primer e ineludible compromiso con la sociedad de la que surgen y los transforman en un conducto
a través del cual emergen proyectos e iniciativas que de otra forma quedarían frustrados. El binomio
espacio/creación está en la base de la legitimidad en que cualquier proyecto, más aún cuando es
iniciativa pública, debe sustentarse.
Esta dimensión no deja de lado nuestro compromiso con la cultura universal, que ha sido un
referente sin excepción en una sociedad permeable y tolerante, en cuyas señas de identidad se
involucra una mentalidad expansiva, de búsqueda y de trascendencia más allá de nuestra significación
geográfica.
No alcanzará plenamente el Teatro Cuyás sus propuestas, si no es en el camino de crecer en su
espacio físico con los proyectos de ampliación actualmente en curso. El espacio anexo, prioritariamente
encaminado al mundo infantil/juvenil, y al pequeño formato; la sala multiuso que completa el
módulo ubicado en la calle peatonal de Pérez Galdós, y un horizonte a medio y largo plazo, en
donde la ciudad y la isla recuperen, ya rehabilitados, los teatros Pérez Galdós y Guiniguada, nos
debe trasladar a una etapa en donde el Cuyás se asiente con más desenvoltura en su campo
natural, que es el teatro, la danza y en general, las actividades escénicas y musicales de formato
medio. De esta manera confío en que el Cuyás acabe siendo el espacIo referencial, fiexible y
comprometido, que marque continuamente el fiujo y refiujo entre la creación artística canaria y
las propuestas de la universalidad que nos ha tocado vivir.
Aceptando la validez del aserto que señala que el primer activo de cualquier empresa son sus
recursos humanos, el Teatro Cuyás es una verificación generosa de esta idea. Hubiese sido imposible
cubrir esta etapa inicial, que lo ha convertido en uno de los puntos de referencia de la nueva
actividad escénica de nuestro país, sin el concurso de la capacidad, la imaginación, el trabajo y el
sacrificio del equipo que encabeza Manuel Gutiérrez, que se ha desempeñado con una absoluta
profesionalidad. Me complace observar la naturalidad, el fácil acceso y la empatía con que ha
gestionado el espacio, poniéndolo al servicio de los operadores culturales, marcando un estilo de
gestión que sin lugar a dudas está en línea de futuro. Los pasajeros que desembarcaremos en el
próximo puerto sabemos que el barco queda en buenas manos, y sólo podemos experimentar
sensaciones de inmenso agradecimiento.
Gonzalo Angulo González
Consejero de Cultura del Cabildo y Presidente de la Fundación Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
La Luna del Cuyás
Edita Teatro Cuyás . calle Viera y Clavijo s/n . 35002 Las Palmas de Gran Canaria Tel 928 43 21 80 Fax 928
4321 82 E-mail info@teatrocuyas.com Web www.teatrocuyas.com Director Manuel Gutiérrez Director
Adjunto Gonzalo Ubani Cordinadora de Redacción Yolanda Saavedra Jefe de Redacción Francisco
M, Lezcano Fotografía T xefe Betancort, Productores de espectáculos y Archivo del Teatro
Depósito Legal G.C.880-200 I Dirección de arte y Maquetación ~ Imprenta San Nicolás
d»
Cabildo de
Gran Canaria If~IR~ ~ORQUESTA
FILARMÓNICA
DE GRAN CANARIA
Sumario
04 La noche de Sabina Un cuento de hadas 05 Músicas
del Mundo Marruecos: El patrimonio musical árabe del
Cercano Oriente 06 Las bicicletas son para el verano
Conmovedoras historias de un pat io de vecinos en una
ciudad sit iada 08 Yamato El latido de los tambores del
Japón 10 París 1940 Flotats en la vertical del infinito
14 El príncipe y la corista Amoríos imposibles en la
corte 16 Béjart Ballet Lausanne La compañía
del pol ifacético y renovador genio llega al Cuyás
La noche de Sabina
El regreso del musical mágico
Arístides Moreno ha compuesto las canciones añadidas al texto de Ignacio
del Moral, en este montaje para todos los públicos que dirige Quino Falero
El montaje musical, creado por La
Luciemaga Producciones, que se presentó
el pasado mes de diciembre en
el Cuyás, La noche de Sabina, de Ignacio
del Moral, se despedirá del público
canario sobre el escenario del citado
teatro, antes de iniciar su gira peninsular.
El musical de ambiente urbano en el
que la magia interviene para hacer
infinitas las sensaciones de los públicos
de todas las edades, está dirigido por
Quino Falero, y cuenta con un libreto
de una quincena de canciones compuestas
por el cantante Arístides Moreno.
La obra se desarrolla en un espacio
único, evocador y transformable: una
azotea de un edificio en un viejo barrio
de cualquier ciudad. Es la azotea de
Sabina. una adolescente huérfana que
vive la edad del tránsito entre lo infantil
y el mundo adulto, acompañada de su
abuela sorda y un gato tiñoso.
La jovencísima Nati Vera encama a
LAS CANCIONES DE ARíSTIDES
Sabina, la princesa de los tejados, a la
que acompañan los actores A lejandro
Naranjo (Gerardo); Blanca Rodríguez
(Ermengarda); Salvador Morales
(Edelmira); Carmen Sánchez
(Críspula) y Luifer Rodríguez (Colombófilo).
Los músicos del
que interpreta las melodías en
to son Rafael Santana, a los teclados;
Paco Marín, en la guit arra; Santiago
Miranda, en el bajo y Suso Vega, en
la batería.
Obertura. Presenta el espacio y ubica al espectador en el universo mágico de la noche
Insultar. Reivindica el insulto como forma de comunicación.
Algo bueno para hacer. Valora lo relativo que puede llegara ser lo políticamente correcto.
Cuando estés aquí. Un sueño de libertad a los ojos de una adolescente.
Tu pide por esa boca. Opciones para ser feliz.
El conjuro. Las brujas cantan y bailan.
La princesa del tejado. Una forma poética de entender lo cotidiano.
La policía inteligente. Describe las cualidades necesarias para ser un agente de la ley.
Cada uno nace para una cosa. Reflexión sobre la aceptación de los valores individuales.
La vampiresa. Un retrato de Vanesa, la mala del musical.
El disimulo. Un tema coral.
La conocí en la autoescuela. El primer amor de la adolescencia
Llévame contigo. Siempre es reconfortante que alguien piense en ti.
Siempre voy a pensar en t i. La línea que divide la apariencia de la realidad es muy estrecha.
Sabina. Canción coral sobre una niña con los pies en la tierra y la cabeza llena de sueños.
UNAS BRUJAS BONDADOSAS
05 ARRIBA TELÓN ITODAMÚSIC~
Custodios del patrimonio musical árabe del Cercano Oriente
Fue en El Cairo de finales del siglo XIX y principios del XX, en sus palacios, sus salones, cafés y jardines,
donde el arte del Moqélm conoció su renacimiento: la Nohdo. Esta gran tradición se extiende gracias al
apoyo de Khédive IsmaTI (1863-1879) y de sus descendientes, así como al genio de un nutrido grupo de
cantantes, compositores, instrumentistas y poetas. La salvaguarda y el desarrollo del patrimonio musical
árabe del Cercano Oriente es el trabajo de la cantante Aicha Redouane y del percusionista y etnomusicólogo
Habib Yammine.
Ambos fundan el ensemble AI-Adwélr; formación instrumental, tradicionalmente denominada tokht shorql,
imprescindible para el acompañamiento del canto y la interpretación del repertorio instrumental según
el estilo del Moqélm. Su quehacer es hoy en día un modelo a seguir para los músicos dedicados a la
investigación e interpretación de este repertorio. El ensemble AI-Adwélr que actuará en el Teatro Cuyás
está integrado por Redouane, que se ocupa del canto y la dirección musical, y Yammine, del rigg; además
de Salah el-Dine Mamad (gélnOn) y Tammam AkJdrí ('oud).
ÉXTASIS
Composición original de Aicha Redouane y Habib Yammine. Creación y estreno en el Théatre de la Ville
de Paris (temporada 2002-2003). No hay encuentro sin alegría ni fiesta sin embriaguez! Aicha Redouane
y Habib Yammine ofrecen al público la mejor cosecha de la poesía y de la música árabe de oriente próximo.
Rélh, rohlq, khomr; qohwo, sohbél', mudélm, musc, kofour, son algunos de los muchos sinónimos que utilizan
los poetas báquicos y místicos para cantar al vino. Esta nueva creación musical ofrece una primera ronda
de los más bellos muwoshshoh - cantos arábigo andalusíes dedicados al vino, a la taberna y a los comensales
-. Moqélm tras moqélm, Aicha nos transporta al universo de la Khomriyyo (Elogio del vino) de Ibn al-Farid
(1 181-1235), el más bello poema jamás escrito acerca de la simbología mística del vino, y de Ya saqí' de
Nabulsí' (siglo XVIII), verdadero himno a la alegría de la borrachera. De estos poemas, de su rítmica y de
la musicalidad de sus versos, surge la inspiración de Aicha Redouane y Habib Yammine para la composición
de nuevas expresiones musicales.
Aicha Redouane
Desde la tradición Thomozight (bere bere) del Medio Atlas marroquí al arte vocal del Moqélm árabe del
próximo oriente, A'lcha canta todos los estilos que adornan su atípico devenir musical. Abandona la
arquitectura para consagrarse en cuerpo y alma a la tradición del Moqélm, y de manera autodidacta cimenta
su formación como cantante y tañedora de qélnOn. El año 1993 marca una inflexión en su carrera tras
un gran éxito en el Théatre de la Ville de Paris, un primer CD producido por Ocora Radio France y
premiado con un Choc de la Musique y un Diapason d'Or. Su segundo CD, producido por el Institut du
Monde Arabe de Paris, ha sido recomendado por la revista C/ossico.
Habib Yammine
Músico y etnomusicólogo de origen libanés, Habib Yammine es autor de una tesis
doctoral sobre la música de las tribus yemeníes. Es asimismo profesor en la
Universidad Paris VIII. Percusionista especialista en ritmos árabes,
transmite su arte a través de los conciertos y clases magistrales que
imparte en diferentes instituciones musicales.
Las bicicletas son
Ecos de un tiempo que nos ubicó a
la izquierda o a la derecha
Luis Olmos dirige el
magistral y enternecedor
texto de Fernán-Gómez
que exhuma los avatares
de la Guerra Civil desde la
cotidianeidad doméstica
de un patio de vecinos
en el Madrid sitiado
No ha llegado la paz,
ha llegado la victoria
Muchos españoles recordarán la
frase con la que concluye la película
de Jaime Chávarri, Las bicicfetas son
para el verano. Pero la gran mayoría
ignorará, o simplemente no pudo
oírla desde un escenario, que la
célebre sentencia escrita por Femando
Fernán-Gómez para definir la
entrada de las tropas franquistas en
Madrid pertenece a una de las obras
teatrales más importantes del los
últimos años del siglo pasado y con
la que el autor y actor ganó el Premio
Lope de Vega en 1977. Luis Olmos
ha recuperado el texto y después
de su exitoso estreno en Madrid
hace más de veinte años, la ha convertido
en una excelente y entemecedora
producción teatral que no
deja indiferente a nadie.
El montaje rememora los avatares
de la Guerra Civil desde la cotidianeidad
de un patio de vecinos del
Madrid sitiado. Las bicicfetas son para
el verano es una obra conmovedora
sobre el dolor. sobre la peripecia
vital de unas víctimas a las que se
les arrebató su dignidad, sobre la
tolerancia y la intolerancia. Un rico
y complejo mosaico de personajes
en el que la confrontación actúa
siempre como telón de fondo, se
desenvuelven con sus penurias íntimas
entre lo dramático y las pinceladas
de humor desesperado, provocando
en el espectador un inevitable
acercamiento y complicidad.
La contienda, que envuelve toda la
acción y llega al escenario a través
de las experiencias que los protagonistas
viven y comparten con sus
familiares y vecinos, no se ve nunca;
existe porque nos lo advierten tristemente
los personajes a través de este
soberbio texto, y porque los sonidos
de los obuses y los aviones que oímos
son los que nos la hacen sentir. El
drama sí se percibe en cambio en
los dieciséis cuadros escénicos que
integran la arquitectura dramática de
este alegato de Femán-Gómez contra
la guerra: desde los conflictos familiares
a la penuria económica de una ciudad
sitiada, pasando por el desamparo
ante la violencia, la exasperación y el
miedo. Olmos ha buscado una puesta
en escena sencilla y sincera, evitando
lo superlluo, con un espacio casi diáfano
y conceptual diseñado por Daniel
Bianco que, lejos de resultamos frío,
nos envuelve gracias a una luz que lo
concentra, expande y funde de manera
sugerente y variada, según las situaciones
y las transiciones escénicas. La
ambientación sonora de Yann Diez
Doicy es otro de los aciertos del
montaje: composiciones originales se
alteman con himnos y sonidos de la
época, a los que se suman los diferentes
efectos especiales que se repiten.
Gerardo Malla, Gloria Muñoz, Julián
González. Lucía Quintana, Sandra
Ferrus, Enriqueta Carballeira, Julián
Ortega, Charo Soriano, Cote Soler.
David Llorente, Pedro G. De las
Heras, Marta Poveda, Susana Hemández,
Luis G. Gámez yVirginia Méndez,
integran el competente elenco artístico
de Las bicicfetas son para el
verano, un reparto coral que aglutina
a varias generaciones de actores
jóvenes y veteranos, desde aquellos
que atisbaron los obuses de la guerra
hasta los que nacieron en plena
democracia.
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amato
El latido del espíritu de Japón
Realmente asistimos a un viaje de lo semilla a lo plenitud, un emocionante
recorrido durante el que el milagro del teatro va cobrando formo ante los
ojos curiosos y asombrados del espectador, mientras Louis Jouvet modelo,
indago, descubre.
Juan Ignacio García Garzón
ABe
Uego el momento de catarsis y el espectador no diferencio
o Jouvet de Flotots, 01 teatro de lo década de los años
40. del actual. El patio de butacas absorto y encantado,
asiste 01 deliberado proceso de creación teatral como si
se hubiese colado en un ensayo. Flotots en un acto de
sincera intimidad se pregunto para qué sirve el teatro.
Lo respuesto no se hoce esperar: "el acto octoral es un
acto de amor"
Presenciarón, en un escenario casi
desnudo, la crónico minucioso y
exaltante de lo construcción de un
personaje plasmado con uno
austeridad total, bressoniana,
jouvetiono, y cómo poco o poco
ese durísimo empeño se transmuto
ante sus ojos en un insólito cruce
entre función de magia e
indagación detectivesca
Marcos Ordóñez
Babelia-EI País
11
El prí~cipe
la corista
y
Terence Rattigan combina el sexo y la alta política
OLVIDÉMONOS DE MARILYN MONROE y LAURENCE OLlVIER
VICENTE MOLlNA FOIX
Traductor al castellano de la versión
El recuerdo de la bonita película El príncipe y la corista no debe hacer olvidar la base de la que
partió el actor y, en ese caso también realizador, Laurence O livier: una brillante comedia de
Terence Ratt igan estrenada en el teatro Phoenix de Londres el año 1953. Han pasado casi
cincuenta años de aquella representación (en la que el propio O livler encabezó un reparto que
tenía, entre otras luminarias, a Vivien Leigh y Martita Hunt), alguna monarquía europea ha pasado
a la historia, y alguna otra ha vuelto a reinar. Pero lo que no ha pasado es la vigencia de esta pieza
maestra en la que Rattigan combina el sexo y la alta polít ica, la sátira cortesana y el amor romántico,
el delicado trazo de todos sus personajes y la agudeza mordiente de los diálogos.
Rattigan, como Priestley o Noel Coward, está volviendo más y más a los escenarios de todo el
mundo. En esta función de hoy Rattigan se nos presenta como gran señor de la comedia, pero
no hay que olvidar que también fue un magnífico dramaturgo, con títulos como La versión de
Browning, dos veces llevada al cine, Mesas separadas (que en la pantalla encarnaron Deborah Kerr,
Rita Hayworth y Burt Lancaster), o El chico de los Winslow, recientemente filmada por David Mamet.
Un autor, por tanto, muy seguido y aprovechado por Hollywood.
Olvidémonos ahora, sin embargo, cuando va a subir nuestro telón, de ·Marilyn Monroe, Laurence
Olivier y el technicolor. Un estupendo equipo de profesionales escénicos y grandes actores ofrece
esta inteligente, tierna, ácida y divertida comedia que yo he querido poner en castellano con toda
fidelidad y un gran disfrute en mi trabajo de traductor.
Francisco
Vidal Hay que romper con
la pereza del público
El director de escena y actor
señala que El príncipe
y la corista es un texto
prodigioso de alta comedia
Es uno de los directores
teatrales de moda en España.
Se define como un ser receptivo
y curioso al que le interesa
aquellos proyectos escénicos
que lo acerquen 01 ser humano
desde lo inteligencia y el sentido
del humor. Francisco Vidal aspira
a modular su pulso vital y
creativo con el modelo de los artistas
del Renacimiento. Ahora tendemos o
especializamos sólo en uno materia
y o olvidarnos de todo lo demás. Eso
nos convierte en analfabetos
funcionales y en ciudadanos fácilmente
manipulables. En mi mente siempre
estoy creando nuevos proyectos: ahora
mismo podría convencer o treinta
productores distintos para acometer
treinta montajes diferentes, subraya.
Entre sus directores favoritos sitúa
a Mario Gas, y sólo entiende el teatro
si hay en él vida: puedo crear uno
obra intelectualmente perfecto, que si
01 espectador no le insPira vida y no
es teatral en mejor sentido de lo
palabra, no me cautivo. Hoy que
indagar en lo visceralidad, en los
sentimientos y en los ritmos.
Vidal define el montaje El príncipe y
lo corista como uno historio de amor
imposible entre uno mujer ingenuo y
generoso y un hombre de educación
prusiano que llego o convertirse en un
niño o través del amor. Igual que existe
Lo fierecilla domado, de Shakespeare,
esto pieza podríamos denominarlo
como El mocho domado, de Rattigan.
El texto es un prodigio entrañable de
alto comedio. Confiesa que siempre
tuvo claro que el papel principal de
esta sátira cortesana debía
interpretarlo Emilio Gutiérrez Caba,
y que también se convirtió en un
reto localizar a la actriz que debía
protagonizar a Marina, la corista del
cabaret Coconut Moría Adanez, que
va camino de convertirse en lo actriz
de lo próximo década, tiene eso magia
y ese encanto.
El director y actor, que se ha
convertido en un asiduo de la
cartelera del Cuyás (Los alegres
comadres de Windsor, El Señor
Badanas, Un marido de ido y
vuelto), advierte que se planteó
la dirección de esta obra con el
objeto de llegar al público por el
camino de lo entrañable. Rattigan
es un gran dramaturgo que ha
firmado también otros grandes
éxitos como Lo versión de
Browning, Mesas separados y
El chico de los Winslow, y en
El príncipe y lo corista nos
explica que lo mujer es capaz
de dominar siempre 01 hombre
con lo astucia y el amor.
Francisco Vidal opina que el
guión de la obra de teatro de
Rattigan, estrenada en 1953
en el teatro Phoenix de
Londres, es mejor que el de lo
versión cinematográfico que
dirigió Laurence Olivier. Lo
historio termino diluyéndose en
el filme porque se planteó para
que se lucieran Marilyn Monroe y el
proPio Olivier.
A Francisco Vidal le fascina el
espectador que se intereso por el ser
humano, aquel que tiene curiosidad y
se emociono en lo butaco. El visceral
y primitivo, ese que sólo es analista
intelectual, me intereso menos, asevera.
No creo que existo en España crisis
de público. Lo que hoyes que romper
con lo pereza del público, que parece
incapaz de poder realizar un mínimo
esfuerzo mentol desmotivado por lo
pernicioso comodidad que le
proporciono el control de lo tele o
través del mondo o distancio.
Un laboratorio donde se metaboliza el
cosmopolitismo y la fusión de culturas
del maestro de Marsella
La compañía del genial coreógrafo Maurice Béjart ofrecerá en el Cuyás dos programas
que incluyen obras estrenadas entre la década de los sesenta y la actualidad
Es de la opinión que el artista
es como Orfeo; su obra sigue, y si
mira hacia atrás, Eurídice desaparece.
Su nombre, Maurice Béjart, un coreógrafo
cuyo arte coherente y
renovador no sólo ha marcado la
evolución de la danza en el último
siglo, sino que ha sabido conquistar
un vasto público sin renunciar a una
escritura contemporánea de lenguaje
complejo.A los 17 años creó sus
primeras coreografías, aunque no
fue hasta los 27 que empezó a considerarlas
como medianamente buenas.
Acompañado de un repertorio
de música amplísimo que transcurre
de Boulez a Wagner, pasando por
Stravinsky o Jacques Brel,la trayectoria
de este francés nacido en
Marsella hace 76 años, ha estado
mareada por dos constantes: la sensualidad
y el amor como fuente de
inspiración y su cosmopolitismo
cultural, con el que se ha acercado
a las formas de expresión de las
distintas civilizaciones.
Escritor, escenógrafo y director de
cine, Béjart (hijo del filósofo Gaston
Berger) inicia a principios de los
noventa su etapa más innovadora,
que supone no sólo un cambio en
los diseños de sus montajes, sino
una auténtica ruptura. Decidió abandonar
las grandes producciones y
reducir el tamaño de su mítica compañía,
la Escuela de Ballet de Béjart,
para encontrar la esencia de la
interpretación. Debutó como bailarín
adquiriendo un bagaje clásico hasta
descubrir el expresionismo coreográfico
con Birgit Cullberg en Suecia,
hasta que en 1955 pudo realizar con
los Ballets de /'Etoile su primera obra,
Sinfonía para un hombre solo.
Béjart ha construido desde entonces
sus ballets de acuerdo con los
principios más clásicos y un vocabulario
base que no admite ni piruetas
ni arabescas. Tras sus primeros éxitos
con sus magistrales La consagración
de la primavera (1959), Bolero
(1961) Y Pájaro de fuego (1970), el
coreógrafo encaminó su labor coreográfica
imprimiéndole un mareado
gusto por la diversidad cultural,
etapa de la que surgen obras como
Bakti, Golestan, Kabuki, Dibouk o
Pyramide. La transformación en
1987 del Ballet del Siglo XX, creado
en 1960 con el que consiguió éxitos
en giras realizadas por todo el
mundo, en el Béjart Ballet Lausanne,
posibilita con un grupo más reducido
de excelentes artistas y bailarines,
la creación de numerosas coreografías:
Ring um den ring, Le madarin
Merveillex, King Lear,A propos de Scheherazade,
Mutationx, Le Presbytere, La
route de la soie, Le manteau, EnfantRoi,
Lumiere y Tokio Gesture, entre
otras muchas.
Ama a las personas que escapan al
discurso geométrico de la vida, y
tiene claro que la vida y la ficción
van unidas. Por eso, en el movimiento
perturbador de la danza, busca
el ritmo de la ficción .A Béjart
le gusta que lo descubran
por sus gestos.
Los gestos en su ballet irradian el
espacio-tiempo de recuerdos de
un hombre sin tierra. Para él, el
ballet juega con el espacio y el
tiempo, igual que el cine, un arte al
que ama y definió como la escultura
del siglo Xx. La obra de Béjart -el
universalista que se convirtió al
islam- es la de un hombre cosmopolita;
un símbolo de tolerancia
ante la ilusión y la crueldad de la
vida.
En 1997, estrena Le presbytere, con
música de los británicos Queen y
Elton John, y un año más tarde,
Béjart emprende un ciclo de frenéticas
giras: Italia, Francia, Bélgica
y ... Rusia. Después de una ausencia
de 20 años, retornó al Bolshoi de
Moscú, con Mutationx, en la que
pone en escena a un grupo de
supervivientes de un desastre nuclear.
El pasado año impulsó la Compañía
Juniors, con el nombre de Compagnie
M, y estrenó La Madre Teresa
y los hijos del mundo, cuya premiere
tuvo lugar en el Théatre du Beaulieu
de Lausanne.
TRES FUNCIONES, DOS PROGRAMAS DISTINTOS
La compañía de Béjart presentará siete coreografías distintas en el Teatro Cuyás, que se repartirán en los dos
programas que tendrán lugar el viernes y sábado (días 18 y 19) Y el domingo (día 20). Los dos primeros días el
repertorio estará integrado por las piezas Siete danzas griegas, con música de Mikis Theodorakis; Juan y Teresa (música
española tradicional); Adagietto, con música de G. Mahler y el Bolero de M. Ravel. El último día, el Béjart Ballet Lausanne,
cerrará su actuación en Gran Canaria con un programa compuesto por las coreografías Concierto de violín y Pájaro
de fuego, ambas con música de 1. Stravinsky, y Brel y Barbara, con música del inolvidable cantante belga.
El pájaro de fuego
El pájaro de fuego es el ave fénix que renace de sus cenizas. Es el pájaro de la
vida y la alegría, inmortal, cuya fuerza y esplendor son indestructibles, eternos. La
creación recupera los dos elementos principales de choque: stravinsky comó músico
ruso y músico revolucionario. La danza es la expresión abstracta de esos dos
elementos siempre presentes en su música; un sentimiento profundo de Rusia y
una cierta ruptura con la tradición musical, que se traducen en una violencia rítmica,
inusual, y que incita a la creación. El pájaro de fuego es el ave fénix que renace
de sus cenizas. El poeta, como revolucionario, es un pájaro de fuego.
Esta coreografía fiJe inspirada
por la música Concierto en Re
para violfn. compuesta por
Strovinsky. en 1931. La versión
musical utilizada por la
compañfa corresponde O lo
grabación de la Orquesta
Sinfónica de Boston. bajo la
dIrección de S. Ozawa. SttoYinsky.
a quien conocí personalmente
en 1959. constituyó para mí
una revelación con su
Consagración de la primavera,
y luego. creación tras creación,
nunca dejó de estar en el
repertorio de la compañía.
es un extracta
de muette, eS!JedláculO
estrenado eh Bruselas en
1981, con rrretivo del adiós
a Maurice Huisf'11Pn,
director de/1eatro ~yal
de la MoftfWie, y
cofundador del Ballet *1
Siglo XX.
BA TELÓN I DANZA
Pas a deux
LA PARTITURA DE LA PASiÓN
Maurice Béjart ha reinventado, a su manera, el universo de la danza, y otros,
siguiendo sus pasos, han impreso su marca en este arte, desde Regine Chopinot
hasta Jean-Claude Gallota, pasando por Dominique Bagouet y Angelin Preljocaj.
Estos son algunos de los conceptos que el coreógrafo defiende sobre la pasión,
la danza y la figura del bailarín.
El pos Q deux es casi siempre el momento a la vez más dramático y más lírico, donde la acción se origina y se
desata, donde el juego entre el amor y la muerte -que es la base de toda la dramaturgia- alcanza el punto
culminante. Un pos Q deux es la unidad a través de la dualidad, la fuerza que nos presiona a ser el otro; quizás
sea el paraíso perdido.
El bailarín y el artista
El bailarín es como una partitura; cuando alguien nuevo llega a mi escuela, reconozco inmediatamente si es un
buen bailarín; creo que si uno no se sabe mover en los gestos de la vida cot idiana, no sabrá hacerlo en la escena.
El artista vive en la dualidad; es un ser contradictorio. De una parte, se manifiesta la necesidad del calor humano,
de estar rodeado de gente; de otra, la necesidad de soledad.
El espacio y el tiempo
El tiempo es más real que el espacio, porque el espacio es el lugar donde los fenómenos se producen, mientras
que el tiempo está en nosotros y nos angustia.
Sus espectáculos
En ellos, la realidad y lo imaginario están confundidos como un matrimonio perfecto de ambos: Japón, Egipto,
India ... pasado, presente y futuro. La danza me ha permitido comunicar con personas con las que nunca lo habría
hecho, porque la danza es el lenguaje universal, te pone en contacto con gente de todos los rincones y razas.
Danza clásica y moderna
Hay que evitar las fronteras entre el clásico y el moderno para no matar la danza. Que la danza sea africana,
india, moderna, tenga infiuencias Graham o Balanchine, lo contemplo como una posibilidad total. Sin el conjunto
de sabiduría de ambas corrientes no se llega a nada.
I
Tarjeta Blanca
Para ser titular de la Tarjeta
Blanca es necesario acreditar
que es usted jubilado o pensionista
mayor de 65 años y
que sus ingresos mensuales no
son superiores al salario
mínimo interprofesional
(433 '45 euros) . La Tarjeta
Blanca supone un descuento
aproximado del 50 % sobre la
tarifa inicial.
Ouos descuentos
• Carné Joven Euro 26
Presentando el carné joven Euro
26 junto con el DNI, se aplicará
un descuento aproximado
del 30 % sobre la tarifa inicial.
• Desempleados
Presentando el DNI junto con la tarjeta
de desempleo de la ACE, se aplicará un
descuento aproximado del 30% sobre
la tarifa inicial.
Tarjeta Verde
Para ser titular de la Tarjeta Verde
es necesario comprar simultáneamente
un mínimo de cinco
entradas para cinco espectáculos
diferentes. Inmediatamente se
beneficiará de un descuento
aproximado del 20 % con respecto
a la tarifa inicial y recibirá una
tarjeta , personal e intrasferible,
que le permitirá adquirir entradas
con el mismo descuento a lo largo
de la temporada vigente.
Presentando el Carné de
Estudiante Universitario de la
ULPG, junto con el DN 1, se
aplicará un descuento
aproximado del 30% sobre la
tarifa inicial.
Las condiciones de uso de las tarjetas
son las siguientes:
Tienen carácter personal e intransferible;
su vigencia es anual (de temporada en
temporada); deberán mostrarse en la
taquilla en el momento de efectuar la
adquisición de las entradas junto con el
DNI, y podrán ser solicitadas en la entrada
de los espectáculos. El teatro se reserva
el derecho a modificar los porcentajes de
estos descuentos y a presentar
espectáculos no sujetos a éstos. Los
descuentos serán aplicados en el
momento de efectuarse la compra; en
ningún caso después de haberse emitido
la entrada. No se admitirán cambios ni
devoluciones de las entradas.
• PrecIos de grupos
Existen condiciones especiales para
grupos concertados a partir de
14 personas.
• Mayores de 65 años
Presentando el DNI se les aplicará
un descuento aproximado del 20%
sobre la tarifa inicial.
Si usted recibe en su domicilio información del Teatro Cuyás, a partir de ahora también recibirá La Luna del Cuyás, revista
del Teatro Cuyás. Si no es así o ha cambiado de dirección, le rogamos cumplimente el siguiente formulario y lo entregue
al personal de sala, o bien lo remita por correo o e-mail a las siguientes direcciones:
TEATRO CUY ÁS . Calle Viera y Clavijo s/n ' 35002 Las Palmas de Gran Canaria· info@teatrocuyas.com
NOMBRE y APELLIDOS:
PROFESiÓN:
DIRECCiÓN:
PO BLACiÓN: c.P.:
TELÉFONO: E-M AIL:
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