ANZA MACABRA
José Sacristán y
Mercedes Sampietro bailan
al son de Strindberg
BALLET DE LA ÓPERA
DE LEIPZIG
Apoteosis alrededor de Berlioz y Beethoven
LART DE LA FUITE
Danza para la huida
MAYUMANA
Baile urbano, visual y rítmico
para celebrar la diversidad cultural
YO ME BAJO EN LA PRÓXIMA ...
¿Y USTED?
La sombra de Marsillach es alargada
TRES SAINETES PICARESCOS
Barbieri y los inicios
de la zarzuela moderna
HISTORIA DE UN T
EN BLANCO Y N
NAVIDAD
HANS CHRISTIAN AN
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Editorial
El Teatro Cuyás no puede más que
celebrar desde un sentimiento de gratitud
la confianza que el público grancanario
le ha dispensado en este inicio
de temporada. Sin duda ha sido
éste el más óptimo comienzo de campaña
de cuantas hemos compartido
desde que este espacio de vida y representación
fue inaugurado en mayo
de 1999. El seguimiento mayoritario
de las obras programadas en la cartelera
viene a demostrar la saludable
sintonía existente entre los espectadores,
legítimos usuarios del teatro, y
las líneas de gestión y modelos de
explotación por los que este Cabildo
ha optado, que se traduce finalmente
en una oferta de indudable calidad
artística y variedad en sus múltiples
manifestaciones escénicas.
Todos y cada uno de los espectadores
de este teatro centenario son el Cuyás.
Todos constituimos parte de este éxito
inicial con el que prosigue consolidándose
la idea de un espacio concebido
desde lo público; una plataforma
de difusión de cultura; diálogo yentendimiento
humano a través de las
artes escénicas como marco de referencia.
El afán de este teatro es seguir creciendo
y mejorando con las exigencias
que plantea la sociedad, su público.
Un teatro atento y generoso a las
demandas de sus espectadores es un
espacio vivo, capaz de transformar
sus dinámicas para adaptarlas a las
exigencias de sus usuarios. La relación
entre el público y el teatro casi siempre
suele articularse como un deseable
viaje de ida y vuelta que aspira a
ser compartido y vivido entre ambos
agentes.
En este nuevo número de la revista
La Luna del Cuyás iniciamos una
serie que nos retrotrae al origen de
este espacio que impulsó en 1890 el
empresario de origen catalán, Salvador
Cuyás y Prats. Una emocionada
revisión sobre la historia de este edificio
en la que concurre la memoria
y el recuerdo de numerosos testigos
de las distintas etapas de ha experimentado
en sus 113 años de existencia,
así como sobre la naturaleza de
los espectáculos que han ocupado su
arena y su escenario: desde las riñas
de gallos, números circenses y luchadas
populares, a la llegada de los in-
01vidables títulos de la industria de
Hollywood, pasando por las revistas
musicales y compañías de ópera que
a su paso camino de América se detenían
en la isla para ofrecer sus funClOnes
.
La Luna del Cuyás
Edita Teatro Cuyás
Calle Viera y Clavijo s/n
35002 Las Palmas de Gran Canaria
Tel928 43 21 80 Fax 928 43 21 82
i nforateatroc uyas,com
www.teatrocuyas.com
Director
Manuel Gutiérrez
Director Adjunto
Gonzalo Ubani
Coordinadora de Redacción
Yolanda Saaved ra
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Dirección de arte y Maquetación
La Peluquería
Imprenta
San Nicolás
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Sumario
Imagen de portada: August Strindberg
04 Ballet de la Ópera de Leipzig
Apoteosis de La danza aLrededor de BerLioz y Beethoven
06 L'Art de la fuite
La bomba de reLojería que cada uno escondemos
08 Mayumana
Trascender Los Límites de Las artes escénicas
10 Yo me bajo en la próxima ... ¿Y usted?
Sinsabores de pareja
12 Tres sainetes picarescos (Ópera Cómica de Madrid)
Fe de erratas: En el reportaje dedicado al espectáculo QUÉ ASCO DE AMOR
(páginas 12 y 13 del número JO de LA LUNA DEL CUYÁS),
figura como fotógrafo Miguel Ángel Hernández.
El nombre correcto es Miguel Ángel Sánchez.
Breves entremeses marcados por eL hispanismo de F. Asenjo Barbieri
14 Danza macabra
Demoledora farsa de la vida conyugal
16 El Teatro Cuyás: historias de un espacio centenario
Primera entrega de una serie que indaga en la memoria
sentimentaL deL teatro
20 3 Andersen 3
Hans Christian Andersen visita eL taller de CLaudio y Expósito
22 Avance Enero-Febrero 2004
04 ARRIBA TELÓN / DANZA
BALLET DE LA ÓPERA DE LEIPZIG
Visiones sobrenaturales de Berlioz y Beethoven
La compañía alemana ofrece un programa centrado en la Sinfonía Fantástica
de H. Berlioz y la sinfonía nO 7 de L. van Beethoven
El Ballet de la Opera de Leipzig está
considerado una de las mejores compañías
de danza de Europa. Sin duda se ha
convertido en la más prestigiosa e
importante de Alemania, tras la llegada de
Uwe Scholz en 1991. Durante sus muchos
años como coreógrafo, Scholz ha creado un
repertorio de más de cien ballets. Su
repertorio musical, sin olvidar a sus
compositores favoritos (Mozart, Wagner y
Stravinsky), abarca desde el barroco hasta
colaboraciones con compositores modernos
como Udo Zimmermann y Pierre Boulez.
Scholz , que se retiró de los escenarios como
bailarín para ocupar en 1982 la plaza de
primer coreógrafo residente del Ballet de
Sttutgart desde la muerte de John Cranko,
posee un talento que es apreciado en todo
el mundo, como muestran sus propuestas
creadas para la Opera de Viena, la Scala de
Milán, el Ballet de Stuttgart, los Ballets de
Montecarlo, el Nederlands Dans Theater
de Jirí Kylián, entre otros. Además de su
trabajo meramente coreográfico, Uwe
Scholz ha logrado acumular experiencia
como ayudante de producción junto a
Lovro von Matacic y Hans Neuenfels, y de
ayudante de dirección teatral con
Hansgünther Heyrne.
La visión de Uwe Scholz acerca de la
interpretación ideal de la danza no se limita
a un simple logro de la perfección, sino en
desarrollar la habilidad de los bailarines
para transmitir una idea a través del lenguaje
corporal. Scholz se ha entregado en cuerpo
y alma a esta idea, como director artístico
y coreógrafo, y ha creado para su compañía
un repertorio multiforme que presenta
nuevos retos para sus más de 50 bailarines.
Con piezas clásicas como La bella dunniente,
la Sinfonía Clásica del Ballet de Leipzig o
The Great Mass, Scholz ofrece tanto a su
troupe como al público una suerte de balletteatro
eternamente cambiante. Desde el
punto de vista estilístico se coloca con
frecuencia a Scholz en la categoría de
neoclásico, aún cuando sus coreografías
presentan elementos que varían desde la
danza clásica hasta la danza-teatro.
El Ballet de Leipzig es una de las pocas
compañías grandes del Ballet Alemán, con
MLLET DE LA ÓPERA DE LElPZle
Director: Uwe Scholz
Slnfonla nO 7 de L van Beelhoven
y Sinfonia Fantástica op. 14 de H. Bertioz
Dfa 31 de octubre (20.30h •••
1 (20.3Gb .• Y 2 de noviembre (19.00h ••
I
1
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 24
,. Anfiteetro bajo 21
111' Anfiteatro alto 18 re Anfiteatro 15
L. van Beethoven y H. Berlioz
19
17
14
12
17 12
15 10.50
13 9
10.50 7.50
más de 50 bailarines procedentes de 20 países
distintos. Poco después de que Uwe Scholz
se hiciese cargo de la compañía de ballet de
la Ópera de Leipzig, bautizó a la compañía
como Leipziger Ballet, es decir, el Ballet de
Leipzig, desde entonces estrechamente ligado
al estilo específico coreográfico de Scholz,
así como a la gran tradición de la ciudad en
música sinfónica.
UNA SINFONíA LLENA DE INTERESANTES REFERENCIAS MUSICALES
La Sinfonía Fantástica de Héctor Berlioz marcó en su momento
un hito importante en la historia del género sinfónico. La
trascendencia del op. 14 ya se puso de relieve en su estreno en el
año 1830 en Paris, donde provocó vivas discusiones y causó gran
impresión, entre otros, en F. Liszt. La Sinfonía Fantástica está
inspirada en la agitada y pintoresca vida del propio Héctor Berlioz,
que en aquellos tiempos amaba desesperadamente a una joven
actriz irlandesa.
En esta singular obra, el compositor francés rompe los esquemas
formales tradicionales y plantea una sinfonía plenamente narrativa,
en la meior vena romántica , y llena de interesantes referencias
musicales. Una característica de esta Sinfonía (yen general de sus
obras) es su significado poético. Esta técnica del motivo del recuerdo
semántico que Berlioz traspasó de la ópera a la música instrumental
fue de gran relevancia para la música programática del siglo XIX.
Los contrastes de esta sinfonía, su complejidad y sus elementos de
sueño y pura fantasía, la afinidad hacia lo extravagante y la ironía
(estos elementos caracterizan los .Iados oscuros del romanticismo)
producen imágenes asociativas en el espectador y le llevan a un viaie
en la búsqueda de sí mismo, igual que el héroe solitario de la sinfonía.
LA APOTEOSIS DE LA DANZA
Esta sinfonía es la apoteiJ5is de la danza misma. La célebre
declaración de Richard Wagner ha consagrado la sinfonía en
La Mayor, op.92 de 1. van Beethoven como la apoteosis de la
danza y. por otra parte, ha atraído la atención por su
determinante carácter rítmico. Esta fórmula ha dado lugar a
numerosas ambigüedades pero no se puede imaginar una
comparación más justa. Es importante tener presente que el
término danza es aquí considerado en un sentido dionisíaco,
como la mayor realización del hombre, de su belleza, de su
alegría de vivir y de su energía.
La obra fue creada en 1812, en la época en que Napoleón
consiguió sus más grandes victorias y cuando la mitad de Europa
estaba bajo su poder. Apareció en una época sacudida por
grandes acontecimientos, como una visión del último triunfo
de la libertad. Su estreno, en diciembre de 1813, algunas semanas
después de la Batalla de las Naciones de Leipzig, fue acogido
con entusiastas aplausos.
Puede decirse que la Sinfonía Fantástica es un apasionado pasaje
autobiográfico puesto en música. El punto de arranque para la
creación de la obra fue el amor de Berlioz por la actriz Harriet
Smithson, quien interpretaba sensacionalmente a la Ofelia del
Hamlet de W. Shakespeare. En lugar de hacer una tradicional y
directa declaración de amor, Berlioz compuso la Sinfonía Fantástica,
subtitulada Episodios en la vida de un artista, en la que describe
sueños, fantasías, celos, un crimen, el cadalso y un delirante y
demoníaco aquelarre. En esta parte, quizás la más famosa de la
sinfonía, Berlioz utiliza (como muchos otros compositores
anteriores y posteriores) la melodía del Dies irae de la misa de
difuntos del canto llano, un tema utilizado para describir la muerte,
el infierno y lo diabólico. En su tiempo, la Sinfonía Fantástica de
Berlioz fue criticada por su forma heterodoxa y por sus afanes
narrativos, pero al mismo tiempo, muchos analistas reconocieron
en ella una obra de genio que habría de revolucionar el pensamiento
sinfónico de su época y de épocas posteriores.
06 ARRIBA TELÓN / DANZA HOY
I:ART DE lA FUITE
Cuando no existe escapatoria,
mejor ensillar eL caballo de Las emociones
Rasmus Dlme, Max Cuccaro y el Colectivo Refug producen este montaje de danza-teatro
en el que participan cinco bailarines que se enfrentan a situaciones límite
Estrenada en mayo de este mismo 2003 en
el Kulturhuset de Estocolmo (Suecia), la
pieza de teatro-danza, l' art de la fuite (El
arte de la huida), que estrenan en España
los creadores Rasmus Olme, Max Cuccaro
y Refug-collective, con la colaboración de
Última vez, se adentra en los mecanismos
de defensa individuales que cada uno de
nosotros nos permitimos activar ante las
situaciones más adversas. El ciclo Danza
Hoy del Teatro Cuyás retoma la propuesta
de uno de los grupos más reveladores del
panorama de la danza de Canarias, El Ojo
de la Faraona, que ha operado en esta
ocasión como coproductor de esta obra
junto al Ministerio de Cultura sueco, el
proyecto Dance Web Europa y el
Kulturhuset de Estocolmo.
Tras su estreno en el escenario del Cuyás
en una única función que tendrá lugar el
día 9 de noviembre, esta pieza que
interpretan los bailarines Juan Benítez,
Matilde Demarez, Gemma Higginbotham,
Harold Henning y Rasmus Olme, girará
por la Maison de la Culture Bourges
(Francia), Lovaina (Flandes) y el KVS
Bottelarij de Bruselas.
Según el bailarín canario Juan Benítez, esta
pieza de teatro-danza trata de la huida.
Sobre nuestro mecanismo de defensa,
justamente en las situaciones en donde no
tienes opciones de elegir, y nos vemos forzados
a averiguar la salida. Puede decirse que es
una especie de pequeño diamante en bruto;
como una bomba de relojería que cada uno
de nosotros escondemos.
¡; Art de la fuite, que cuenta con escenografía
de Isabel Lhoas y Christophe Orly, quien
también firma el diseño de la iluminación;
música original de Igor Paszkiewicz y
vestuario de Isabel Lhoas, es la segunda
creación del proyecto Refug-collective que
dirige el bailarín y coreógrafo sueco Rasmus
Olme, que anteriormente ha trabajado en
compañías como Win Vandekeybus/ Ultima
Vez, Sam Louwyck / Les Ballets C. De la B.
y El Ojo de la Faraona de Carmelo
Fernández y Juan Benítez. Olme invitó en
esta ocasión al dramaturgo y actor italiano
Max Cuccaro (formado al amparo del teatro
metafísico de Grotowski y la danza Bhuto)
para dirigir conjuntamente este espectáculo
que fue gestándose en el Teatro de KVS/ de
Bottelarij (Bruselas), El hueco del ojo
(almacén de creación de El Ojo de la
Faraona) yen el Kulturhuset (Estocolmo),
donde se estrenó el 22 de mayo de 2003.
¡; Art de la fuite es el primer proyecto que
acoge la asociación sin ánimo de lucro sA,
que surge del sello Ultima Vez. SA acoge en
Bruselas a jóvenes coreógrafos con
reconocida trayectoria artística y les ayuda
a realizar la compleja labor de la producción,
financiación, venta y distribución de sus
espectáculos. La elección de los artistas se
efectúa siguiendo criterios cualitativos
relacionados con su potencial artístico. Con
el fin de encontrarles acomodo en los
circuitos internacionales, sA acoge L'Art de
la fuite con la ayuda de la Comunidad
Flamenca, Comisión Comunal Flamenca
de la región de Bruselas y el Programa
Cultural 2000 de la Unión Europea y la
Dirección General de Cultura del Gobierno
de Canarias, a través de Socaem.
CICLO DANZA HOY
L'ART DE LA FUITE
Creación de Rasmus Ólme y Max Cuccaro
Día 9 de noviembre (20.30 h.1
Precios en euros Único
Patio de butacas 12
1" Anfiteatro bajo 12
1" Anfiteatro alto 12
2'0 Anfiteatro 12
n
!l
."..
1"
UNA NIÑA VUELA
HACIA EL VAcío
Alguien ha sido enterrado vivo; estoy en el
tribunal acusado de homicidio. Insisto en mi
inocencia, resisto, solo con mi cobardía. Dame
un poco más de tiempo, sólo cinco minutos,
justo el tiempo para cerrar mis ventanas. Una
niña está de pie en el bordillo de la ventana,
se da la vuelta mientras agita su mano para
despedirse de mí, volando hacia el vacío.
Vamos, dice. Te prometo no morirme antes
de que vuelvas. Estoy apoyado contra la silla,
con mis uñas enterradas en la madera. No
me permito sentarme. ¿Qué me queda por
hacer? Estas manos que tiraban perlas a los
cochinos, y ahora tiran pan a las palomas.
Ensillo el caballo de mis emociones.
EL OJO DE LA
FARAONA
En su labor de difusión y producción de los
nuevos lenguajes de la danza en Canarias,
El Ojo de la Faraona ha acogido hasta la
fecha diferentes proyectos de creadores
nacionales y europeos, con el fin de generar
ámbitos de encuentro y oportunidades para
aquellos trabajos que se impulsan fuera de
las islas. Durante este año se han presentado
diferentes espectáculos que han sido
mostrados al público en el espacio de
creación que el citado grupo posee en un
antiguo almacén de empaquetado de
plátanos de la zona de Arucas, El hueco del
ojo: Oiga Mesa, Segi Faustino, Mónica
Valenciano y su Compañía Bailadero, Bea
Fernández y La vana gloria, Africa Navarro
y Rasmus Olme, de Refug-collective, son
algunos de estos creadores.
En ese mismo marco se han organizado
paralelamente cursos y talleres de formación
para los profesionales. Este proyecto acoge
en residencia a creadores locales que
también han tenido la oportunidad de
presentar sus trabajos como Gregario Viera,
Inma Marcos, Carmelo Fernández, Raquel
Ponce o Juan Benítez, entre otros. Otra de
las iniciativas importantes de dicho grupo
es la mantenida en colaboración con el
Colectivo +0, con una propuesta interesante
alrededor de la música electrónica y
conciertos, sesiones de Dj y VideoJ. Incluso
artistas plásticos y del medio audiovisual han
presentado sus trabajos en El hueco del ojo.
08 ARRIBA TELÓN / MÚSICA
MAYUMANA
Que el ritmo no pare
Como el mismo Israel, la sorprendente y excéntrica compañía hebrea combina en su espectáculo
lo antiguo con lo moderno, Oriente con Occidente y el caos con el orden
Cuando Boaz Berman y Eylón Nufar
crearon Mayumana aspiraban a crear un
espectáculo que fuese capaz de combinar
elementos de casi todas las artes escénicas.
Después de dieciocho meses de agotadores
ensayos en un sótano de Tel Aviv, durante
los cuales los exigentes Berman y Nufar
contrataron y despidieron a docenas de
potenciales miembros de la banda, esta
singular formación se presentó en 1998 en
el Festival Israel, una especie de vitrina
anual de carácter internacional que ofrece
nuevas propuestas en el contexto de las
artes escénicas.
Además de inspiración creativa, Berman y
Nufar solicitaron a los artistas de Mayumana
mucha destreza y aptitudes. Entre ellas se
encontraba la de leer partituras, desarrollar
la coordinación, practicar yoga y danza,
trepar rocas, digerir mala comida o dominar
técnicas de percusión y masaje. Los diez
músicos que finalmente eligieron tienen
antecedentes que incluyen conocimientos
de danza africana y flamenca, ballet clásico,
jazz y música popular.
Berman, que nació en Israel y estudió
percusión afrocubana en Nueva York, y
Nufar, que nació en Nueva York y estudió
música oriental y danza del vientre en Israel,
reflejan el cosmopolitismo que subyace en
el Israel moderno.
Como cada miembro del grupo proviene de
un campo artístico diferente, explica Berman,
debemos conducir a todos a un nivel común:
convertir a los bailarines en percusionistas,
a los percusionistas en actores, a la gente en
intérpretes, a los individuos en un conjunto.
El lema que llevó a Berman y Nuphar a
poner en marcha Mayumana fue el de
convertir en música casi cualquier
movimiento, según señalan.
MAYUMANA
Dlas 26 y 27 (20.30 h):
28 Y 29 (20.00 h Y 22.30h).
Y 30 (18.00 h Y 20.30 h)
de noviembre
Dias 26 Y TI de noviembre
Precios en euros Único
Patio de butacas 22
1" Anfiteatro bajo 19
1" Anfiteatro alto 19
2" Anfiteatro 12
Dlas 28, 29 Y 30 de noviembre
Precios en euros Único
Patio de butacas 25
1" Anfiteatro bajo 22
1" Anfiteatro alto 22
2" Anfiteatro 15
1
1
Diez músicos-bailarines-virtuosos, cinco
chicos y cinco chicas, son los protagonistas
de este crescendo de percusiones asombrosas
que van haciendo aflorar de forma natural
y espontánea lo que llevan dentro, afirma
Berman, porque tampoco queremos contar
una historia con todas las escenas, sino que
haya libertad de interpretación en cada
bailarín cuando crea. Todo el aporte personal
que otorga cada artista en su llegada a la
compañía es siempre bienvenido y, por eso,
LA DESTREZA QUE CAUSA
FUROR EN TODO EL MUNDO
El nombre Mayumana proviene de la
palabra hebrea meyumanut, que significa
destreza, habilidad o pericia. Desde su
nacimiento en 1996, Mayumana ha viajado
por todo Israel, Europa y América,
disfrutando de su portentoso espectáculo
más de un millón de espectadores. Los
ENERGíA, RITMO Y
HUMOR INTELIGENTE
Mayumana es una fiesta del ritmo, Y hay que
descubrirse ante el enorme talento de los diez
artistas que lo ejecutan. EUos son la columna
vertebral de un espeaáculo cuidadlsimo en
su producci6n, con unas luces extraordinarias
r un vestuario desenjildJuJo r eficaz, lo mismo
que la escenografta.
UuIio BI'IMI- ABe)
el espectáculo va acumulando un poco de la
travesura y locura de nuestros miembros,
puntualiza Berman. Al igual que la sociedad
en la que actúa, Mayumana no resulta fácil
de describir. Se trata de un espectáculo que
cautiva a la audiencia con su apertura y que
ofrece imágenes en constante cambio que
se refieren a las raíces y al complejo
dinamismo de la realidad israelí. Mayumana
creadores de este peculiar y atípico grupo
son la gimnasta neoyorquina, corredora de
fondo, especialista en música ambiental,
fotografía, cinematografía y danza del
vientre, Eylon Nuphar, y Boaz Berman,
quien de niño se pasaba el tiempo
golpeando instrumentos caseros. Tras
Son actores, danzarines, músicos, payasos,
mimos; juegos de luces, decorados, sorpresas:
está en escena todo el teatro, menos la voz
(Edurillfln TlegIIn -R PAISl
Un baile r una música que no derrochan en
medios, pero si en potencia, en flexibilidad,
en humor r en juegos.
(20MIWIUS)
alude a lo secular y a la religión, la simpleza
y la complejidad, la armonía y el desorden.
Sus presentaciones incluyen una gran
variedad de situaciones que inspiran
asociaciones libres, muchas de ellas
humorísticas. No debe sorprender que en
medio de una función se utilicen
instrumentos musicales improvisados,
aparezca una danzarina del vientre o que
aletas de natación se transformen en una
cabina telefónica. Como el mismo Israel,
Mayumana combina lo antiguo con lo
moderno, Oriente con Occidente y el caos
estudiar percusión afro-americana en Nueva
York, formó parte del equipo de lucha
tailandesa israelí, y grabó algunos trabajos
junto a músicos como David Broza o Gidi
Gov.
Sobre el escenario, 10 bailarines fogosos que
animan una danza urbana visual r rItmiaI,
adornada con un espectacular montaje de
luz r sonido.
(RMUIIIIO)
Su tríptico es energfa, ritmo r un humor
inteligente que parte del multitalento de todos
sus integrantes.
con el orden. Sobre todo, Mayumana mezcla
deliciosamente la cultura mediterránea con
el sentimiento universal que irradian el
conjunto y su puesta en escena.
10 ARRIBA TELÓN /TEATRO
YO ME BAJO EN LA PRÓXIMA. • •
Yo me bajo en la próxima ... ¿ Y"usted?, escrita
por el dramaturgo, director y actor Adolfo
Marsillach, fue estrenada hace veintitrés
años por José Sacristán y Concha Velasco
en el madrileño Teatro de la Comedia.
Desde entonces, esta simpática obra en la
que una pareja nos narra las diferentes
etapas de su vida, desde la infancia a la
madurez, relacionándolas directamente con
momentos históricos de la España
contemporánea, en concreto desde la
postguerra hasta los años ochenta, no ha
dejado de representarse con éxito en
infinidad de teatros de España y
Latinoamérica.
Planteada como un cóctel explosivo, con
un ingrediente añadido indispensable -
los temas musicales y las canciones más
populares de la época-, el montaje que llega
al Teatro Cuyás con el actor navarro Pedro
Osinaga y Ié:\. actriz Mélida Molina
(recientemente pudimos admirar sus dotes
interpretativas en el celebrado Tío Vania
de Anton Chejov) como protagonistas,
está dirigida por un director conocido por
el público grancanario, Francisco Vidal (El
príncipe y la corista, Un marido de ida y
vuelta y El señor Badanas).
La pareja en cuestión decide divorciarse y
repasa su vida desde que el instante en que
se conocieron hasta la actualidad. La historia
va salpicándose con conversaciones en las
que se recogen los conflictos y sinsabores
que han ido jalonando la vida de ambos,
todo ello planteado en clave de humor.
El propio Marsillach se encargó de revisar
y reactualizar este texto durante sus últimos
días, en un trabajo que llevó a cabo junto
al propio Osinaga. La obra, que aborda las
anécdotas vitales de una pareja criada en
una sociedad que acababa de abandonar
una guerra, ya se ha convertido, a pesar de
su corta edad, en todo un clásico de nuestra
dramaturgia nacional. La vida familiar de
toda una generación de españoles, la
educación y el sexo aparecen diseminados
por el texto que Marsillach estrenó en 1982,
un año que marcó un antes y un después
en la vida de este país. Sin duda, Yo me bajo
en la próxima ... ¿ Y usted? posee el encanto
de la ternura de lo próximo y lo primario
en el mejor sentido. Junto a los actores
Pedro Osinaga y Mélida Molina interviene
Antonio Galindo, el pianista que completa
el reparto e interpreta las canciones que el
actor canta a lo largo de la obra.
¿Y USTED?
YO ME BAJO EN LA PRÓXIMA ..• ¿ Y USTED?
de Adolfo Marsillach
Días 4 (20.30 h.J,
5 (19.30 h. Y 22.30 h.J
Y 6 (19.30 h. Y 22.30 h.J
de diciembre
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 17
1" Anfiteatro bajo 14
1" Anfiteatro alto 12
2do Anfiteatro 10
14
11
10
8
12
10
8
7
8.50
7
6
5
ARRIBA TELÓN / ENTREVISTA
PEDRO OSINAGA:
LOS AUTORES DEBERíAN ESCRIBIR MÁS COMEDIAS
El actor admite que todos los trabajos que afrontó Marsillach
han marcado una pauta en la escena nacional
El actor navarro Pedro Osinaga regresa a Las
Palmas de Gran Canaria tras una prolongada
ausencia. Aún recuerda cuando hace varias
décadas visitó la isla con su montaje Se infiel
y no mires con quién, con el que permaneció
en la cartelera peninsular la friolera de once
años. Osinaga prosigue con esta pieza de
Marsillach el tránsito desde el vodevil de
origen británico hacia la comedia autóctona
que ya iniciara hace dos años con la obra de
Jardiel Poncela Una noche de primavera sin
sueño. Yo me bajo en la próxima ... ¿ y usted? es
un montaje que, a juicio del actor, interesa al
público porque trata los conflictos de pareja yeso
propicia que tanto los hombres como las mujeres
se identifiquen con este texto que Marsillach,
antes de su fallecimiento, revisó y revitalizó con
algunas escenas nuevas, que en vez de acontecer
en los años cincuenta han pasado a desarrollarse
en los sesenta, setenta y ochenta. Mi papel, por
ejemplo, no tiene mucho que ver con el que
interpretó Pepe Sacristán. Para Osinaga Yo me
bajo en la próxima ... ¿ Y usted? tiene aspectos
muy interesantes que van desde el propio proceso
de construcción de la comedia original, al
tratamiento de los temas. Creo que series
televisivas de éxito como Cuéntame o El Club de
la Comedia, son deudoras de esta pieza de
Marsillach escrita en 1982.
El actor cree que el montaje responde al
pulso vital de los espectadores que vivieron
la historia sentimental del franquismo y
postfranquismo, y que si tiene moraleja,
ésta podría ser que haga lo que haga contra
el destino, el ser humano no puede luchar.
Admite que no me gusta vivir del pasado,
MARSILLACH: TAN LEJOS, TAN CERCA
Fue un animal de teatro. Un hombre
polifacético, inteligente y trabajador, que
combinó con rara habilidad una gran
popularidad y un rigor irreprochable.
Adolfo Marsillach (Barcelona, 1928) falleció
a los 73 años en enero de 2002.
Marsillach sentó las bases de las compañías
públicas teatrales que empezaron a funcionar
con la llegada de la democracia, y desde sus
ideas socialistas, mantenidas pese a los
desengaños, aceptó los encargos de fundar
el Centro Dramático Nacional (1978) y
dirigir el Instituto Nacional de las Artes
Escénicas y la Música (1989-1990), antes de
llegar a la Compañía Nacional de Teatro
Clásico.
El teatro es un juego y yo reivindico mi
derecho a jugar, dijo en septiembre de 1987,
al estrenar Antes que todo es mi dama, una
comedia de enredo de Calderón de la Barca.
Actor, director y autor teatral, su prolífica
e intensa carrera ha abarcado también el
cine, la televisión, el periodismo o la
literatura.
Como actor fue Tartufo o Sócrates en el
teatro o Ramón y Cajal en televisión y en el
cine. Como director estuvo al frente de
montajes que hicieron época (Yo me bajo en
la próxima, ¿ Y usted?, Mata Hari ... ), al tiempo
que ponía en escena desde el repertorio
pero sí echar la vista atrás de cuando en
cuando para darme cuenta de lo que he
vivido, disfrutar más del presente y mejorar
el futuro.
A su compañera de reparto, Mélida Molina,
la define como una excelente actriz, y al
director de esta producción, Francisco Vidal,
con el que nunca antes había trabajado bajo
sus órdenes, aunque sí como compañero de
interpretación, como un magnífico profesional
que sabe siempre captar la idea y esencia de
los autores. Se considera un actor con mucha
suerte: Nunca he notado esa crisis del teatro
de la que siempre se ha hablado, advierte. Lo
que existe es crisis de textos. Los autores, que
los hay estupendos, deberían escribir más
comedias.
El motivo fundamental de su éxito lo resume
en menos palabras: Soy un labrador que recoge
lo que siembra. Y si Dios me da salud y el
público me aguanta continuaré con mi labor
de actor y sembrador. Queramos o no
queramos, los actores somos encasillados por
el público yeso es normal. Yo estoy encantado
de que me consideren un actor de comedia
porque en ella me encuentro a gusto y cómodo,
dice Osinaga.
clásico hasta los autores contemporáneos.
Marsillach volvería a subirse a las tablas en
sus últimos años de vida con un clásico
moderno, ¿Quién teme a Virginia Wolf?, de
Edward Albee, en compañía de Nuria Espert.
Pionero de la televisión en España, alcanzó
una gran popularidad en los años sesenta
y setenta con series como Silencio se rueda,
Fernández punto y coma o La señora García
se confiesa, que dirigió e interpretó.
Frecuentó poco el cine, aunque escribió
algunos guiones e intervino como intérprete
en películas como Maribel y la extraña
familia, El tulipán negro y La Regenta. Pocas
gentes del teatro han recibido tantos
premios por parte de sus compañeros de
profesión, de la crítica y del público. Entre
las distinciones más recientes sobresalen el
Premio de Honor de la Sociedad General
de Autores y Editores, que le fue concedido
en Sevilla en abril de 2000.
12 ARRI BA TELÓN / ZARZUELA
TRES SAINETES PICARESCOS
Los tonos alegres y ligeros de F. Asenjo Barbieri
El músico madrileño fue partidario de las corrientes italianizantes de
nuestra zarzuela y los nuevos aires europeos que terminarían por revalorizar el género
BARBIERI Y el GÉNERO CHICO
ANDRÉS RUIZ TARAZONA
El comienzo de la zarzuela moderna se sitúa
hacia 1850 con algunas obras grandes, en
tres actos, de la generación en la que figuran
músicos tan importantes como Barbieri,
Inzenga, Hernando, Oudrid, Gaztambide
y Arrieta.
Aquel grupo de compositores quiso hacer
frente a la ópera italiana imperante en
Madrid. No sólo empleando textos en
castellano sino con obras grandes, en dos,
tres y hasta cuatro actos, que pudiesen
competir con aquélla. En cierto modo la
idea venía de París, donde Offenbach, Lecoq,
Hervé, Planquette, Verney, hacían triunfar
la opereta a la vez que Rossini, Donizetti,
Bellini y finalmente Verdi, imponían su ley.
En esa primera etapa de la zarzuela moderna
y durante la década de los 70, con los bufos
de Arderius (imitación de los Bouffes
Parisiens del pasaje Choiseul), las obras
tenían gran duración. Pensemos, en el caso
de Barbieri, en Robinson, El tributo de las
cien doncellas o Sueños de oro.
Eso ha llevado muchas veces a la convicción
de que la zarzuela grande floreció
especialmente en esta época y que el llamado
género chico, es decir, las pequeñas zarzuelas
en un acto, fue algo más tardío. Se iniciaría
más o menos en 1880, con La canción de la
Lola de Chueca, por ejemplo, y tendría una
o dos décadas de oro para perder fuerza
según se adentraba en el siglo xx.
En líneas generales esto no deja de ser cierto,
pero del mismo modo que podemos hallar
antecedentes del género grande antes de
1850, en obras de Carnicer, Saldoni, Gomis,
Basili, Genovés, Eslava, etc., también hay
piezas que podríamos incluir dentro del
género chico antes de 1880. Mucho antes
incluso, pues aquí la tradición es mayor. Se
remonta a la tonadilla escénica, en la
segunda mitad del siglo XVIII, primer
intento de oponer un género español a la
creciente influencia lírica italiana. Es un
hecho evidente que el auge de la zarzuela
en el siglo XIX coincide con el nacionalismo
musical en buena parte de Europa. Las
zarzuelas, en especial las del género chico,
incorporan gran cantidad de ritmos y
danzas del acerbo tradicional español:
pasacalles, alboradas, boleros, fandangos,
seguidillas, ritmos ternarios comunes en el
siglo XVII y parte del XVIII, cadencias y
ornamentaciones derivadas de la melodía
popular, etc.
Barbieri, que conocía como pocos nuestra
lírica, no dudó en cultivar desde el comienzo
de su carrera el género chico. Basta recordar
la pieza bipersonal Gloria y peluca, dada a
conocer en Madrid el9 de marzo de 1850
en el Teatro de Variedades de la calle de la
Magdalena; la protagonizaron Adelaida
Latorre y Francisco Salas, este último
personaje decisivo en la implantación de la
nueva y brillante etapa de la zarzuela, hasta
el punto de permitir que se alzase en 1856
el teatro que lleva su nombre. Más de una
treintena de zarzuelas en un acto nos ha
dejado Barbieri desde la citada Gloria y
peluca (1850) hasta El señor Luis el tumbón
(1891), su última obra escénica.
En el programa titulado Tres sainetes
picarescos, podremos escuchar tres breves
entremeses. El libreto de dos de ellos ha
sido adaptado por su director de escena,
Francisco Matilla; son los dos escritos por
Mariano Pina. El libreto de Luis Orona,
figura clave, como Salas, en el resurgimiento
decimonónico de la zarzuela, has sido
prácticamente reescrito por Matilla a partir
de la idea original del escritor andaluz,
respetando siempre los cantables. Eso ha
TRES SAINETES PICARESCOS
de Francisco Asenjo Barbieri
Ópera Cómica de Madrid
Dirección escénica de Francisco Matilla
Olas 7 y 8 de diciembre
(20.30 h.1
Precios en euros Inicial T. Verde
Patio de butacas 22 18
1" Anfiteatro bajo 18 14
1" Anfiteatro alto 15 12
2" Anfiteatro 12 10
T.Azul
15
13
10.50
8
i
T
T. Blanca
11
9
7.50
6
permitido a Matilla dar actualidad a las
obras sin perder su carácter de época ni la
gracia de buena ley de sus autores.
El primer sainete se titula El hombre es débil
y se estrenó el 14 de octubre de 1871 en el
Teatro de la Zarzuela de Madrid
protagonizado por la Srta. Velasco (Tecla),
el Sr. Miró (Luciano) y José Escriú (Pascual).
El autor del libro fue el comediógrafo y
político madrileño Mariano Pina y Bohigas
(1820-1880), autor también de la célebre
zarzuela de Hernando Colegialas y soldados
(1849). Su hijo Mariano Pina Domínguez
fue también un conocido periodista y
comediógrafo. Cuando Barbieri pone
música a El hombre es débil, ya era el autor
de Jugar con fuego, Los diamantes de la corona
y Pan y toros. Su madurez había quedado
demostrada el año anterior con Robinson,
zarzuela bufa de gran formato.
Con El hombre es débil obtuvo un gran éxito
y alguno de sus números se hicieron
célebres, en especial el vito Por el vicario
con su sotana y la habanera Te llevaré a
Puerto Rico, cantados por Tecla y por
Luciano, ambos plagiados por el gran
violinista Pablo Sarasate en Habanera Op.26
(1881), dedicada a su colega Leopold Auer.
El hombre es débil consta de cinco números
musicales: Un breve preludio seguido de la
graciosa canción de Tecla La que vive en la
cocina; el dúo entre Tecla y Pascual Por tu
talle sandunguero, un poco rossiniano (La
Cenerentola) ya la vez muy característico
de Barbieri. Tecla inicia el célebre vito y
Pascual responde con otra melodía para
unirse ambos al final de nuevo en el vito.
Francisco de Goya: Las jóvenes ° La carta.
El nO 3 se inicia con el dúo entre Tecla y el
señorito Luciano Mil veces ha dicho. Después
de la palabra ultramar se inicia la ya citada
habanera Te llevaré a Puerto Rico,
popularizada en el mundo por Sarasa te. El
n° 4 es un terceto entre los personajes de la
obra en el que volvemos a recordar al
Rossini de La Cenerentola, tan querido por
Barbieri.
La mazurca Mi dignidad, iniciada por
Pascual, anticipa la de La Verbena de la
Paloma. La obra finaliza con una repetición
de la habanera. Del vito se realizaron
versiones pianísticas por otros autores.
El entremés Los dos ciegos se estrenó en el
Teatro Circo de Madrid el 25 de octubre
de 1855. En la capital no tuvo buena
acogida, pero en otros puntos de España
gustó, sobre todo por la actuación de
Vicente Caltañazor en el papel de Jeremías.
Se inicia con un preludio cuyo comienzo
es una alegre polca, transformada luego
en un pasaje sombrío en el que el
contrabajo describe una triste melodía.
Sigue una romanza patética, con
contrabajo obligado, pero humorística en
su comienzo al separar la palabra transeunte
y por las repeticiones al final en nada
igualara.
Sigue el dúo Córdoba la sultana, que
entonaron Becerra y Caltañazor en el
estreno. Ambos cantaron también los
tanguillos que constituyen el n° 3 de la obra,
acabada por los dos ciegos con la canción
sevillana A tu ventana.
En cuanto a El niño, es otro entremés de
Mariano Pina. Se estrenó en el Teatro de
la Zarzuela de Madrid el 15 de junio de
1859, protagonizado por Elisa de
Zamacois (Paca), y Vicente Caltañazor
(Félix). El barón y la baronesa fueron
Francisco Calvet y Dolores Fernández.
Consta de cinco números, el primero es
la seguidilla de Paca. El nO 2 es el dúo
entre Felix y Paca Ya estoy en la grata
celestial mansión, iniciado por el tenor
que también entona la triste polca Quien
de tu mirada, repetida por la soprano. El
dúo termina con la mazurca Ya comienzo
a respirar.
El nO 3 es un aire de gallegada que aparece
en muchas zarzuelas, como El señor Joaquín
de Caballero y otras. El nO 4 es un cuarteto
hilarante por lo esperpéntico de la
situación. Lo inicia el barón (barítono)
con un vals y continúa con carácter
rossiniano.
La obra finaliza con el breve y alegre
pasacalle Siguiendo la costumbre, en el que
Félix se limita a pedir al público no que le
aplauda, sino que no le silbe. Lo hispánico
de Barbieri asoma aquí y allá, haciendo
justicia a aquel soneto de Joaquín Dicenta
dirigido a él, donde le decía entre otras
cosas:
Cuando se oyen sonar ws hechiceros acordes
de tu música bendita
parece que es España quien se agita
en sus tonos alegres y ligeros ...
UNA PRODUCCiÓN DE MÁS
DE SETENTA ZARZUELAS
Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894),
compositor y musicólogo español, está
considerado como una de las figuras más
destacadas de la música española que
contribuyó a crear un género autóctono de
ópera cómica. Nació en Madrid y tras
abandonar los estudios de medicina, entró
en el conservatorio de su ciudad natal,
donde estudió composición con Ramón
Carnicer, partidario de la corriente
italianizante, además de clarinete con Broca,
piano con Isaac Albeniz y canto con Baltasar
Saldoni. Al quedar huérfano de padre, tuvo
que ganarse la vida con distintas actividades
como pianista de café o clarinetista en una
bandas militar, hasta que sucesivos éxitos
en el mundo teatral le permitieron dedicarse
a la enseñanza y a la composición.
Fue nombrado profesor de armonia y de
historia de la música del Conservatorio de
Madrid, institución a la que legó más tarde
su importante biblioteca. También fue
miembro de la Academia de Bellas Artes de
San Fernando. Hombre de gran cultura y
amigo del escritor español Marcelino
Menéndez y Pelayo, fue cofundador de la
Sociedad de Bibliófilos Españoles. Barbieri
realza con frecuencia el casticismo nacional,
frente a las tendencias italianizantes de otros
músicos de su época. Trabajador infatigable,
funda una sociedad de conciertos a través de
la cual hace escuchar música europea y crea
una revista llamada lA EspaiJa Musiall desde
donde defenderá sus nuevas ideas, apostando
por los nuevos aires europeos y, en especial,
por la música wagneriana. Coetáneo deArrieta
y Gaztambide, se unió a ellos para revalorizar
el género de la zarzuela.
Aunque también compuso mustca
instrumental, lo más importante de su obra
está sin duda en el teatro. Entre sus más de
70 zarzuelas destacan Jugar con Fuego (1851),
Pan Y Toros (1864), Y sobre todo El BarberiUo
de Lavapiés (1874), donde refleja el
costumbrismo musical madrileño que
evolucionó luego hacia el género chico.
Aparte de las ya mencionadas, podrfamos
destacar: El Hombre es .Débil; Los Diatnantes
de la Corona; El Diablo en el Poder; El Marqués
de Carava,a¡; El Rapto de las Sabinas; De
Getafe al Paraíso; El SeIior Luis, El TUmbón;
El Testamento Azul; Un día de Reinado, en
colaboración con Inzenga y Gaztambide; El
Rey Federico; Por seguir a una Mujer y
Tramoya.
14 ARRIBA TELÓN / TEATRO
DANZA MACABRA
Perturbadora crónica de un baiLe entre dos
José Sacristán, Mercedes Sampietro y Juan Gea forman el angustioso trío de la obra con
la que August Strindberg se pronuncia sobre la crisis del individuo y los convencionalismos sociales
Mercedes Lezcano dirige el primer
Strindberg que se representa sobre el
escenario del Teatro Cuyás. Danza macabra,
que cuenta en su reparto con los actores
José Sacristán, Mercedes Sampietro y Juan
Gea, será otro de los montajes que se
añadirán a la ya extensa lista de proyectos
en los que ha colaborado el Teatro Cuyás.
La obra, que urde la continua crisis del
individuo a través de la complicada vida de
un matrimonio que lleva 25 años de vida
compartida, nos muestra la interrelación
de tres personajes con la que August
Strindberg nos posiciona no sólo como
espectadores, sino como individuos, ante
la imperfección de la vida y la existencia.
José Sacristán
Strindberg se mantiene neutral entre los
dos esposos -Edgar (José Sacristán) y
Alicia (Mercedes Sampietro)- y Kurt (Juan
Gea), el tercer protagonista, que
manifiesta hacia ambos cónyuges una
infinita compasión. Los esposos son dos
desdichadas personas que viven en una
isla al margen de la sociedad, que no se
relacionan, que no son aceptados por su
entorno. Nos encontramos ante el
matrimonio de dos fracasados: él, incapaz
de conseguir un ascenso en el ejército, y
ella, olvidada de todos, tras abandonar
una carrera teatral muy modesta, pero
intensa y vital. Son personas que se hallan
al límite; al borde del precipicio. Tras
veinticinco años de vida en común,
apenas Alicia y Edgar tienen nada que
comunicarse; sólo reproches; están
muertos.
Es cuando aparece Kurt, un amigo común
cuya presencia en el espacio neutro que se
ha instalado entre ambos esposos es recibida
como un soplo de vida nueva. Cada uno de
los cónyuges encuentra en él un interlocutor
a quien confiar sus angustias. El infierno
arrastra implacablemente a Kurt, que se ve
envuelto entonces, contra su voluntad, en
una incómoda y confusa vorágine de
miserias. El juego macabro que despliegan
como estrategas ambos para atraer los favores
de Kurt les mantiene vivos y unidos. Pero
cuando el visitante abandone la isla, ellos
seguirán allí juntos, esperando otra víctima,
detestándose y unidos por un sentimiento
que acaso va más allá del odio. Se necesitan;
están hecho el uno a la medida del otro.
ENTREVISTA
MERCEDES LEZCANO
ME IMAGINO A STRINDBERG EN UNA PLAYA FOTOGRAFIANDO OBSESIVAMENTE NUBES
La directora define Danza macabra como una obra expresionista que expresa la confrontación
por el poder entre hombres y mujeres en el seno de una sociedad enferma
Danza macabra, del atormentado
escritor sueco August Strindberg, será
el tercer montaje que dirija tras Mujeres,
de Mercé Rodoreda, y Otoño en familia,
de James Saunders. A juicio de Mercedes
Lezcano: Enfrentarse a este texto
expresionista que muestra de forma
demoledora y demencial la relación
conyugal ha sido un reto, explica la
directora que ha contado para la
interpretación de esta obra escrita por
el autor de La señorita Julia, Inferno o El
pelícano, con tres grandes actores como
son José Sacristán, Mercedes Sampietro
y Juan Gea. Siente admiración por
Strindberg, el precursor de buena parte
de la modernidad de nuestro presente
teatro: Su personalidad sensible, idealista
y desequilibrada siempre me ha
emocionado y cautivado. Se enamoró de
tres mujeres, dos actrices y una escritora,
aunque sus matrimonios fueron un
fracaso. El enfrentamiento que el escritor
y pintor mantiene es con todo lo
establecido por la farsa burguesía de la
época. La simbiosis que existe entre su
producción literaria y su vida íntima es
enriquecedora. Se pasó -como él mismo
admitió- desde su infancia buscando a
Dios, y a quien en cambio encontró fue al
diablo, señala.
Mercedes Lezcano cree que tras la
genialidad que se percibe en las obras
de Strindberg se encuentra su
desasosiego vital. Desciende a los
abismos y extremos del ser humano
cultivando su yo, no como culto, sino
como fin supremo y último de la
existencia. Danza macabra fue escrita
por el dramaturgo sueco fallecido hace
noventa años, tras su pronunciada
crisis vivida al concluir su novela
autobiográfica Inferno, un libro que se
convirtió en una patética caricatura de
sí mismo y de sus cuatro años de
residencia en París. Es cuando
Swedenborg le enseña que sus problemas
con las mujeres no son más que una
manifestación más de la imperfección
de la vida. He querido demostrar que
Strindberg no es un misógino sin más;
que reconoció que el fracaso matrimonial
era consecuencia de las luchas del poder
por el microcosmos y de la culpa
compartida entre hombres y mujeres,
verdugos y víctimas a la vez de esa
sociedad enferma.
Por eso Strindberg es actual y
contemporáneo. Siempre existirán
desavenencias conyugales y luchas de poder
entre los seres humanos. La valiente
aproximación que hace Francisco Melgares
del texto también ha contribuido a esa
modernidad, porque ha evitado los
meandros que para llegar hasta el drama
proponían otras versiones precedentes a
esta, añade Mercedes Lezcano, quien
aguarda que el público no se vea superado
por el descenso angustioso a la realidad
matrimonial de Edgar y Alicia que
propone Danza macabra; a ese tragedia
de naufragio individual producido por
culpa de los convencionalismos sociales.
Cada actor es muy diferente, y el director
siempre debe ser muy maleable para
percatarse del material con el que trabaja.
A Sacristán, Sampietro y Gea les he brindado
libertad para que no se sintieran prisioneros
ni del texto ni de la dirección, comenta
Mercedes Lezcano. En este montaje los
sentimientos se expanden con más violencia
que en mis dos anteriores direcciones. El
espacio escénico lo he concebido de manera
distinta a como siempre se ha hecho con
Danza macabra, que situaba a los personajes
en un lugar cerrado y asfixiante. Hemos
trabajado con la idea de una isla y una playa,
sobre cuya arena se ubican muebles. Me
imagino a Strindberg en esta playa
fotografiando obsesivamente nubes,
concluye.
EL TEATRO CUY ÁS
Relato sentimental alrededor de un edificio
El hechizo escénico se ha apoderado de la leyenda de esta singular construcción
impulsada en 1890 por el empresario de origen catalán, Salvador Cuyás y Prats
El nuevo circo, de planta poligonal, fue proyectado completamente de madera de tea
y pinsapo por el arquitecto Laureano Arroyo, con capacidad para 1.700 y 2.000 espectadores,
según fueran los espectáculos de tipo dramático o ecuestre
En 1908 la ciudad asistió atónita al desmoronamiento del lignario Circo Cuyás
debido a un voraz incendio causado por la inflamación de unas cintas
en su cabina de proyección
FERNANDO BETANCOR
Sobre el escenario del Teatro Cuyás
discurrirán, a lo largo de esta recién
inaugurada quinta temporada,
numerosos, heterogéneos e
interesantes montajes artísticos.
Actores, actrices, bailarines, músicos,
técnicos, directores y productores nos
harán olvidar nuestras ajetreadas
existencias y nos trasladarán a otros
mundos soñados, a otras realidades
fantásticas. Esa magia teatral de la que
en pleno año 2003 somos ilusionados
protagonistas, no es nueva en el
recinto de la calle Viera y Clavijo. El
hechizo escénico se apoderó de este
lugar en la última década del siglo
XIX.
En aquellos años decimonónicos la
ciudad de Las Palmas de Gran
Canaria contaba con una cartelera
de espectáculos que incluía el teatro,
la zarzuela, los conciertos, las
variedades (acrobacia, revista,
ilusionismo ... ), las peleas de gallos,
las luchadas e incluso los modernos
Vista parcial de Triana y la calle Cano en 1893
espectáculos visuales (ciclorama,
panorama, kinetoscopio,
cinematógrafo ... ) Esa actividad de
ocio y esparcimiento se desarrolló
desde 1845 en el Teatro Cairasco de
Figueroa.
La escena de este emblemático
espacio teatral -situado donde hoy
se erige el Gabinete Literario- sería
sustituida a partir de 1890 por la del
Teatro Tirso de Molina. El coliseo
-rebautizado con posterioridad con
el nombre del literato Benito Pérez Galdós- fue reservado
para albergar las grandes representaciones de ópera o
dramáticas, así como los conciertos que la Sociedad
Filarmónica ofrecía a sus socios. El resto de los
espectáculos -de marcado carácter popular- tuvieron
su escenario más habitual primero en el Circo Gallera
de Santa Bárbara, en plazas públicas o en terreros
improvisados, y más tarde en el recinto construido en
la prolongación de la calle Cano por iniciativa de Salvador
Cuyás y Prats.
Este teatro-circo, que debe su denominación a aquel
empresario de origen catalán, inició su trayectoria en
la década de 1890. Comenzó siendo un modesto terrero
de lucha delimitado por una simple valla en el que tenían
lugar variadas actividades entre las que se contaban desde
enfrentamientos de lucha canaria hasta representaciones
de compañías de acróbatas, pasando por riñas de gallos
y peleas de carneros. El éxito obtenido entre la población
grancanaria animó a Cuyás y Prats a transformar aquel
antiguo terrero en un gran edificio de madera donde
poder ofrecer a su público montajes de mayor
envergadura en unas condiciones adecuadas.
El Circo Cuyás, en tanto que edificio construido, fue
inaugurado en 1898. La construcción de este local en la
capital grancanaria no puede ser considerada un hecho
aislado. Por el contrario, edificios similares fueron erigidos
a fines del siglo XIX y principios del XX en gran parte de
las ciudades españolas, tomando como modelo los
madrileños Circo Price y Príncipe Alfonso. Si bien, la
fuente de inspiración primera de todos los casos
mencionados hay que buscarla en el circo situado en los
Campos Eliseos de París, proyectado en 1840 por Jacques
Ignace Hittorf.
Con estos antecedentes, en 1898 Salvador Cuyás y Prats
encargó al arquitecto Laureano Arroyo y Velasco el diseño
Cira! -c.t ... ''-in .. __ ,_ ..... ~ .....
.•. .. _ .. -,D-. S- a_\vaé_loP la.o,....¡.... ,•. .!.'.li t.. ... 001'- loa.-
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\~ 51 ,,,,"".,.,.',., -- .~ .....
-"'~""-....,
. """':-"":-IPlanta
general del Circo-Teatro Cuyás
de un proyecto que, sin lugar a dudas, remite a aquellos
otros circos parisinos y madrileños.
El nuevo circo, de planta poligonal, fue proyectado
completamente de madera de tea y pinsapo, y con una
gran sencillez exterior debido a que se encontraba oculto
tras unas viviendas que el citado empresario poseía en
la línea de la calle. Interiormente constaba de un
escenario, situado frente a la puerta de acceso principal,
y de una pista central circular -que podía transformarse
en patio de butacas- en torno a la cual se distribuían los
3 anillos concéntricos correspondientes a las sillas de
pista, los 34 palcos y las localidades de graderíos, donde
se situaban 1.700 espectadores cuando funcionaba como
circo-ecuestre, y 2.000 en el caso de que tuviera lugar
una representación dramática. La decoración interior,
ANUNCIOS
GRAN LUCHADA
Para e. domlaso 20 de. comeDte ea
e. Circo de Caru
La JUDla organizadora d.. eat. luchada,
cu10 produtlo le dacina:1I alivio de lo.
IOldadol dfl B.hlloa a.¡iuDal allmero 2,
que rf,reafn a e.ta ciudad eafermos () h .. -
ricio. JlrDC'JdeDt .. d4 l.. ,UII1'II de Cuba
1 Filipina., hacf pablico que tomarao parte
eo la mi.ma lodol 101 afumado. atlfta.
de u~o 1 otto par&ido.
Dado el c.bjelo humlailario de e61" elpetUculo
que tonto "rlda fa esla Idl,el
d. esperar que la concurrencil Ifra nuraero.
i.imo 1 IU producto hlbu de correlpender
I1 101'le fio • que le d •• tibl, &aalo
per aqu~lIa circ:uo,taacia como perque el
duello del Circo 1 lo. IUI·h.dor", hlD rehUlldo
fllpontaneemente loJa I'fmuoeroodo,,_
quedando reducido. IUI SastOl a lo.
que .e ori¡ineo coo l. veoid. de lo. lut·h.do
.... d. 1 .. dfma. ¡ti •• que serao .. li.r ••
cho. per la Junla.
Loa preclo. aDa loa "pleDtl:
Ptaa
Entrada coa lIiel.to Sill.. 2'60
Id. . . id. Somb... \'SO
Id.. • • id. Sol. . 1'.
Sold.d,,. '1 nido.. O' SO
La luchada d.,. priDCipio a 1 .. doce del
di ••
La. Palma. de Grao Caaaria, Dicirmbre
15 de lag,.
dominada por el blanco cremoso con
detalles en rojo, estaba centrada en
la boca del escenario que, flanqueado
por dos tríadas de columnas de
inspiración clásica similares a las que
servían de soporte estructural del
edificio, presentaba S tondos
enmarcados por cuarterones
represen tando posiblemente
personajes del mundo teatral o
literario.
El público acogió de buen grado el
esfuerzo realizado por Cuyás y Prats
acudiendo diariamente a las sesiones
programadas. El éxito alcanzado
posibilitó que las mejoras del local no
se hicieran esperar, llevándose a cabo
reformas en el palco escénico
consistentes en la incorporación en la
boca y fondo del escenario de sendos
telones pintados por Francisco Suárez.
Este tipo de modificaciones estaban
Salvador Gllyás y Prats
dirigidas a ofrecer en las mejores
condiciones posibles los espectáculos
teatrales, ecuestres o de variedades -
a los que habría que sumar a partir
de 1903 las mágicas sombras del
Séptimo Arte- actividades escénicas
más habituales programadas por la
empresa, ya que el tradicionalismo de
gran parte de la población de la
ciudad, impedía que tuvieran cabida
en el recién inaugurado Teatro Tirso
de Molina.
A finales de 1905la apertura del Café
Novedades, instalado en uno de los
departamentos del teatro-circo
constituyó un apoyo recreativo. En él
los asistentes al espectáculo podían
distraerse en los entreactos jugando
al billar o al tiro de salón,
contribuyendo a dar forma a un área
de esparcimiento que giraba alrededor
del ya popular Teatro-Circo. Aunque
Cubierta de madera levantada tras el incendio de 1908
la apertura del nuevo café fue un
hecho importante, el acontecimiento
que merece ser destacado es que a
partir de diciembre de 1905 las
estrellas del celuloide quedaron
instaladas de manera casi permanente
en el local de Viera y Clavijo, aunque
siempre alternándose con espectáculos
de variedades y dramáticos, con los
que el cine mantuvo en estos años un
cordial entendimiento.
El peligro que suponía la habitual
proyección de películas en un local
de madera no pasó inadvertido para
los técnicos municipales, obligando a
sus propietarios a contratar personal
contra incendios cada noche de
función cinematográfica.
Posteriormente, en conformidad con
el Real Decreto publicado en febrero
de 1908, hubo de ser construida una
cabina de proyección de ladrillo
refractario, hierro y zinc con la
finalidad de alejar el más leve peligro
de incendio.
A pesar de todo, los esfuerzos y
reformas llevados a cabo fueron en
vano. A los pocos meses el Circo
Cuyás fue pasto de las llamas. Así,
la noche del 16 de junio de 1908 se
desencadenó un penoso siniestro a
causa de la inflamación de las
cintas. El fuego partió de la cabina
de proyección cuando se llevaban
a cabo las pruebas para la función
del día siguiente. La población de
la ciudad asistió atónita al
desmoronamiento del lignario
Circo Cuyás, convirtiéndose el
acontecimiento en protagonista de
apasionadas estrofas, como las
publicadas en La Careta, quien hace
referencia al mismo, vinculándolo
con los acontecimientos políticos
del momento, en los siguientes
términos:
" ... El incendio del circo fue causado
por una inflamación, probando
una película en el cinematógrafo
Gaumont.
El nuestro lo causó un ideal santo,
la hermosa División; su patriótico
en un momento ... "
Por tanto, paradójicamente, el
cinematógrafo que había dado tanto
celebridad al Circo Cuyás sería el
origen de un desafortunado siniestro
con el que concluiría la primera etapa
de la historia del primigenio edificio.
Ahora bien, ese mismo fuego sería el
principio de un nuevo período en el
que el Séptimo Arte se convertiría en
el verdadero protagonista.
20 TEATRO INFANTIL
3 ANDERSEN 3
Profetas de Mueble Bar divierte a los más pequeños en el taller
del creador del cuento contemporáneo, Hans Christian Andersen
Profetas de Mueble Bar recupera la vigencia de la obra de Hans Christian Andersen,
considerado como el creador del cuento contemporáneo, en la oferta escénica destinada
a los más pequeños que se desarrollará en el patio del Teatro Cuyás, coincidiendo con la
época navideña. 3 Andersen 3 es un montaje de pequeño formato, que recoge la
representación, entre otros, de los cuentos El ruiseñor, El patito feo y El duende y el
abacero. En el taller de Claudio y Expósito, dos personajes populares que han servido a
esta compañía canaria para articular buena parte de sus propuestas infantiles, se producirá
el encuentro mágico de la fantasía y el teatro. Son personajes que rompen continuamente
la cuarta pared y nos permiten crear ilusión teatral a la vista del público, explica Juan Ramón
Pérez, miembro de Profetas. Buena parte de la dinámica del trabajo de este grupo que
integran también Carmelo Alcántara y Fernando Navas, es acercar a los más pequeños
las historias universales a través del teatro y sus claves.
En el desordenado taller de Claudio y Expósito, además de surgir las historias de Andersen,
los niños conocerán cómo se construyen los personajes, las escenografías y se diseñan los
vestuarios en los montajes teat rales; cómo un cuento y sus palabras se convierte en
representación. Magia y fantasía estarán al servicio de historias poderosas en contenidos.
Apostamos por el alto nivel literario de los textos escogidos y la claridad expositiva, entre
otras cosas porque creemos que el teatro para niños no debe nunca estar reñido con la calidad,
señala Carmelo Alcántara.
Su último montaje infantil, la trilogía Érase que se era ... , ha sido disfrutado por más de
ochenta mil espectadores. Todo un reto en una comunidad que no se caracteriza
precisamente por mantener una regular oferta teatral infantil en los pocos teatros que
operan en los distintos municipios canarios. En efecto, existe un déficit preocupante de
espectáculos y formatos infantiles en el circuito teatral de las islas. Es una incongruencia de
las políticas culturales de nuestras administraciones, porque nunca hay que olvidar que los
niños serán los espectadores del futuro; aquellos que dentro de unas décadas serán capaces
de mantener viva las programaciones y las producciones locales. La oferta teatral para el gran
público no está al mismo nivel de calidad y frecuencia que para el infantil. En algunos países
europeos el teatro es una asignatura obligatoria o una actividad optativa, que permite a los
críos una actitud más crítica y reflexiva ante las manifestaciones del arte.
Según Juan Ramón Pérez, Profetas de Mueble Bar, tiene con Andersen una especie de
pasión confesable. Dentro de la literatura universal se le considera el creador del cuento
contemporáneo. Con él se libera al autor de toda la tradición precedente y se inicia la conquista
de los nuevos lenguajes, más poderosos y mágicos.
El grupo, que representó en octubre pasado sobre el escenario del Cuyás su montaje didáctico
para escolares, Historia de las tablas, ofrecerá en el patio exterior dos funciones diarias de
3 Andersen 3, de cincuenta minutos en horario de mañana y tarde, del 20 al 30 de diciembre.
Ahora preparan la segunda entrega de Historia de la tablas JI, que se estrenará en marzo,
y que analiza el recorrido del teatro desde el Siglo de Oro hasta las corrientes de vanguardia
de nuestros días, e itineran su nuevo espectáculo, Farirorafaifo (Con tu propio lote), una
cabaretera, fresca y delirante obra en clave de music-hall, que fue clave en los años de la
movida madrileña.
NAVIDAD EN EL CUVÁS
3ANDERSEN 3
Proletas del Mueble Bar
Patio del Cuyás
Del 20 al 30 de diciembre
Precio ún ico: 1 €
ANDERSEN,
UN REVOLUCIONARIO DE
LA LITERATURA INFANTIL
Hans Christian Andersen nació en 1805 en adense (Dinamarca)
y vivió una infancia de pobreza y abandono. Desde muy pequeño
tuvo que dejar los estudios y comenzó a trabajar con títeres y
teatro. A los 14 años se fugó a Copenhague. Trabajó para Jonas
Collin, director del Teatro Real, que le pagó sus estudios. Aunque
desde 1822 publicó poesía y obras de teatro, su primer éxito fue
Un paseo desde el canal de Holmen a la punta este de la isla de
Amager en los años 1828 y 1829, un cuento fantástico que imita el
estilo del escritor alemán E. T. A. Hoffman. Su primera novela, El
improvisador o Vida en Italia (1835), fue bien recibida por la
crítica, y publicó un libro con cuatro cuentos de hadas. Viajó por
Europa, Asia y Africa y escribió muchas obras de teatro, novelas
y libros de viaje. Sus más de 150 cuentos infantiles le han
significado como uno de los grandes autores de la literatura
mundial. Su obra abrió nuevas perspectivas tanto de estilo como
de contenido, por su innovador empleo del lenguaje cotidiano
y expresiones de los sentimientos e ideas que previamente se
pensaba que estaban lejos de la comprensión de un niño. En una
época en que las historias infantiles eran exclusivamente morales
y didácticas, él revolucionó el género con el humor, la anarquía
y la tristeza de la gran literatura. Expresó las emociones más
primarias y dolorosas con un extraordinario control estético. El
resultado rivalizó con todo lo que produjeron los grandes
escritores románticos que fueron sus contemporáneos. Entre sus
famosos cuentos se encuentran El patito feo, El traje nuevo del
emperador, La reina de las nieves, Las zapatillas rojas, El soldadito
de plomo, El ruiseñor, El sastrecillo valiente y La sirenita. Sus
cuentos han sido traducidos a más de ochenta idiomas y han
sido adaptados a obras de teatro, ballets, películas y obras de
escultura y pintura. Este admirado escritor nació el 2 de abril y
por eso ese día se celebra el Día Internacional del Libro Infantil
y Juvenil. Falleció en 1885.
22 AVANCE
ENERO-FEBRERO 2004
Por amor al arte
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Compañia Nacional de Danza
Nacho Duato
¡SE QUIEREN!, de Muriel Robin y Pierre Palma
Días 9, 1 O Y 11 de enero
¡Se quieren! es una comedia de origen francés escrita por Muriel Robin y Pierre Palma, donde se repasa, en doce escenas independientes,
diferentes momentos de la vida de pareja. Esteve Ferrer dirige a Amparo Larrañaga e Iñaki Miramón, que encaran a ocho parejas
sentimentales diferentes, cada una de ellas con sus peculiaridades y circunstancias, pero a las que todas se les da de perlas el arte de
discutir.
COMPAÑíA NACIONAL DE DANZA
NACHO DUATO
Días 23, 24 Y 25 de enero
Espíritu inquieto en el mundo de la danza, Nacho Duato sorprende, emociona, despierta envidias y ovaciones. El valenciano presenta
las coreografías Nasciturus, de Yoko Taira; Cuarteto nO 8, de Orjan Andersson con música de Dmitry Shostakovich, y Tabulae, del propio
Duato y música de Alberto Iglesias.
NO ES ... CORDERO, QUE ES ... CORDERA, de León Felipe
Días 30 y 31 de enero y 1 de febrero
Basada en la obra Noche de Reyes, de William Shakespeare, esta obra que León Felipe estrenó en 1953 en su exilio mejicano, es un canto
a la libertad de los sentimientos en lo que se destaca el gozo de una vida en libertad, sin más ataduras que la realización plena de los
sentimientos. Lo real se mezcla con el sueño y la tierra se confunde con el cielo en este cuento tradicional, dramático y poético que
dirige Salvador Collado.
LA CENA DE LOS IDIOTAS, de Francis Veber
Días 4,5,6, 7 Y 8 de febrero
La cena de los idiotas, escrita por Francis Veber, se estrenó en París en 1993. A nuestra cartelera llegó a principios del 2001 de la mano
de Paco Mir, miembro de Tricicle, quien dirige esta adaptación que ha sido uno de los grandes éxitos de la escena francesa, tanto en
cine como en teatro, de los últimos años. La divertida parodia narra, a través de la acumulación imparable de desatinos y de circunstancias
imprevistas, la desesperación de un ejecutivo obligado a lidiar durante una velada con un estrafalario invitado.
LA BELLA AURORA, de F. Lope de Vega
13, 14 Y 15 de febrero
En lugar de utilizar la mitología como fábula y aprovechar la anécdota como trama argumental, la compañía Noviembre Teatro, bajo
la dirección de Eduardo Vasco, ha penetrado en la profundidad de la visión mítica para construir desde ella un universo dramático
personal, que comparte con el mitológico su trascendencia y el común uso del lenguaje de los símbolos y las imágenes de Lope de Vega.
POR AMOR AL ARTE, de Neil Labute
Días 20,21 Y 22 de febrero
Tras casi cinco años alejado del teatro, dedicado casi exclusivamente al cine, Gerardo Vera regresa con Por amor al arte, una adaptación
de la obra de Neil Labute, The shape of things, que se estrenó en Londres en la temporada 2000-2001 con gran éxito. LaBute ofrece un
sobrio análisis sobre el amor y la amistad en individuos que rayan los treinta, eludiendo crear la típica comedia romántica en la que
un hombre utiliza todas sus artes para seducir a una mujer, y decantándose por alterar el orden de las cosas. Sus protagonistas son
Maribel Verdú y Juanjo Artero, entre otros.
EL LIBERTINO, de Eric-Emmanuel Schmitt
Días 27,28 Y 29 de febrero
Por primera vez se traduce al castellano y se representa en un escenario español esta obra de Eric-Emmanuel Schmitt que gira en torno
a la vida de Denis Diderot, el impulsor de La Enciclopedia, en la que se nos muestra, en clave de comedia y mezclando ficción y realidad,
las contradicciones del filósofo y sus relaciones con las ,mujeres que le rodearon. El montaje, producido por el Teatro de la Abadía,
sorprende por el derroche de inteligencia que se percibe tras sus diálogos brillantes, el vigor de los personajes y el irónico humor de
las situaciones.
Tarjeta Blanca
Para ser titular de la Tarjeta Blanca
es necesario acreditar que es usted
jubilado o pensionista mayor de
65 años y que sus ingresos
-mensuales no son superiores al
salario mínimo interprofesional
(451,20 euros). La Tarjeta Blanca
supone un descuento aproximado
del 50 % sobre la tarifa inicial.
Carné Joven Euro 26
Presentando el carné joven
Euro 26 junto con el DNI, se
aplicará un descuento
aproximado del 30 % sobre la
tarifa inicial.
HORARIO DE TAQUilLA
de 11.30 h. a 13.30 h.
Y de 17.00 h. a 20.30 h.
Teléfono: 928 432181
Oficinas: 928 432 180
ítnta telefónica de entradas
902405504
Tarjeta Azul
Para ser titular de la Tarjeta Azul
es necesario comprar un mínimo
de 10 entradas simul-táneamente,
para diferentes espectáculos.
Inmediatamente se beneficiará de
un descuento aproximado del 30%
yrecibirá una tarjeta personal que
le permitirá adquirir posteriormente
entradas con el mismo tipo
de descuento.
Tarjeta Verde
Para ser titular de la Tarjeta Verde
es necesario comprar simultáneamente
un mínimo de cinco
entradas para cinco espectáculos
diferentes. Inme-diatamente se
beneficiará de un descuento
aproximado del 20 % con respecto
a la tarifa inicial y recibirá una
tarjeta, personal e intrasferible, que
le permitirá adquirir entradas con
el mismo descuento a lo largo de
la temporada vigente.
LA PÁGINA DEL CUVÁS 23
Las condiciones de uso de
las tarjetas son las siguientes:
Tienen carácter personal e intransferible; su vigencia
es anual (de temporada en temporada); deberán
mostrarse en la taquilla en el momento de efectuar la
adquisición de las entradas junto con el DNI, Y podrán
ser solicitadas en la entrada de los espectáculos. El
teatro se reserva el derecho a modificar los porcentajes
de estos descuentos y a presentar espectáculos no
sujetos a éstos. Los descuentos serán aplicados en el
momento de efectuarse la compra; en ningún caso
después de haberse emitido la entrada.
Desempleados Carné Universitario Precios de grupos Jubilados y pensionistas
mayores de 65 años
Presentando el DNI junto con
la tarjeta de desempleo de la
ACE, se aplicará un descuento
aproximado del 30% sobre la
tarifa inicial.
Presentando el Carné de
Estudiante Universitario de la
ULPG, junto con el DNI, se
ap licará un descuento
aproximado del 30% sobre la
tarifa inicial.
Existen condiciones especiales
para grupos concertados a
partir de 14 personas.
Presentando el DNI se les
aplicará un descuento
aproximado del 20% sobre la
tarifa inicial.
• En el momento de retirar las entradas,
rogamos compruebe la fecha, hora, importe
y numeración de sus localidades.
• No se admiten cambios ni devoluciones
de las entradas.
• El Teatro no garantiza la auten'ticidad de
las entradas que no hayan sido adquiridas
en los puntos oficiales de venta.
• Se ruega MÁXIMA PUNTUALIDAD.
Una vez comenzada la representación, y
en función de sus características, el Teatro
se reserva la posibilidad de retrasar o
prohibir la entrada en la sala.
• Se prohíbe entrar con comida y bebida
en la sala, así como con animales, excepto
perros guía. En este caso se aplicará la
normativa vigente.
• En atención a los artistas y al público,
se ruega eviten cualquier tipo de ruido
durante la representación, tanto en el
interior de la sala como en los vestíbulos,
pasillos y escaleras.
• Se ruega desconectar los teléfonos
móviles, alarmas o cualquier otro tipo de
señal acústica en el interior de la sala.
• El Teatro se reserva la posibilidad de
establecer un cupo máximo de venta de
Los días de espectáculo la taquilla localidades por persona y espectáculo.
permanecerá abierta hasta la hora
• No está permitido fumar en el interior
del Teatro.
• Está terminantemente prohibido
cualquier tipo de filmación, grabación o
realización de fotografías (con o sin flash)
en el interior de la sala.
• En espectáculos con pausa, conserve la
contraseña.
• El Teatro dispone de espacios habilitados
para minusválidos, situados en el patio de
decomienzo del mismo. • El Teatro se reserva la posibilidad de butacas.
modificar el aforo en virtud del tipo de
Una hora antes del inicio de espectáculo programado.
cada función no habrá venta
anticipada.
• Las entradas de foso (filasAyB) se pondrán
a la venta discrecionalmente por el Teatro,
• Existen hojas de reclamaciones a
disposición de los espectadores.
.---____________ -, sin la anticipación del resto de localidades,
• Se prohíbe la entrada en el recinto con
cualquier objeto que la organización
considere peligroso .
RECOGIDA DE ENTRADAS
DE VENTA TELEFÓNICA
en función de las características técnicas y
artísticas de cada espectáculo.
A partir de una hora antes del • Las localidades del Teatro Cuyás están
espectáculo. Imprescindible subvencionadas por el Cabildo de Gran
presentación del D.N.!. Canaria. Ninguna reventa de las mismas
L-____________ .J está autorizada por el Teatro.
v
www.teatrocuyas.com
Deseamos que nuestra dirección electrónica infolilteatrocuyas.com se convierta en un instrumento en el que queden reflejadas cuantas sugerencias y comentarios
desee formular a este teatro. No dude en transmitirnos sus inquietudes sobre nuestra programación, servicios, modalidades de tarjetas, sistema de venta de
localidades, etcétera ... Esperamos su colaboración.
Si usted recibe en su domicilio información del Teatro Cuyás. a partir de ahora también recibirá La Luna del
Cuyás. revista del Teatro Cuyás. Si no es así o ha cambiado de dirección, le rogamos cumplimente el siguiente
formulano y lo entregue al personal de sala, o bien lo remita por correo o e-mail a Las siguientes direcciones:
TEATRO CUYÁS . Calle Viera y Clavijo s/n . 35002 Las Palmas de Gran Canaria· infolateatrocuyas.com
NOMIR. y APELLIDOS.
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DIRECCI6NI
POILACI6Na C.P.:
TILé,o 01 ._----------------------------E---M--A--IL--. -------------------------------~------------------------------~-
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