I
Lo saben todo de ti
El ilusionista Anthony Blake
07 La Celestina
de la obra mae anola del siqlo
10 Fabrica / Cluster III
lo Ventura cierra su trilogía
danza moderna
12 El invierno bajo la mesa
Un cuento que denuncia el maltrato a los inmigrantes
los prejuicios y los abusos de poder
15 Pulcinella Vendicato
mble Cappella de Lia Pie
17 Línea de fuga
Philippe Genty combina actores, bail
-Jí-í.i-f v.911"
fKÍ''*¿Ít¡:
20 Avance Junio-Julio
04 ARRIBA TELÓN / ESPECIAL
LO SABEN TODO DE TI
¿QUIÉÍ4 CONTROLA NUESTRAS VIDAS?
El ilusionista Anthony Blake propone al público un sorprendente espectáculo
interactivo diógido por Esteve Ferrer, en el que demuestra el poder
y la ddlkVfoé
¿Estamos realmente a salvo del Gran
Hermano? ¿Los números de identificación
de nuestro DNI, teléfono móvil o tarjeta de
crédito son sólo eso, números? ¿Es posible
seguir el rastro de nuestras íntimas
curiosidades en la red? ¿Nos controla el
Estado de Derecho? El famoso jnago y
mentalista Anthony Blake intenta 'despejar
algunas de estas inquietantes incógnitas en
su décimo espectáculo, Lo saben todo de ti,
que llega al Teatro Cuyas bajo la dirección de
Esteve Ferrer y con guión de Miguel Murillo
(Premio Lope de Vega 2002). El montaje del
popular ilusionista, que fue estrenado en
Barcelona, propone a los espectadores en el
transcurso de una intrigante hora y medi;
una vivencia irrepetible e inexplicable
alrededor del poder y la capacidad de 1
mente.
El propio Ferrer, del que ya hemos podido '
disfrutar direcciones sobre el escenario del
Teatro Cuyas como Aquí no paga nadie
Fashion, feeling, music, ha comentado
propósito del encargo de dirección recibido
por Anthony Biabe que la única ansia qu<
tengo siempre al empezar un nuevo proyecte^
es la de no defraudar al público y la de no
traicionar mi concepto de lo que debe ser un
espectáculo teatral, que se resume en una sola
palabra: magia. La magia del teatro. Y Bláke^
es un autor que ha mezclado en Lo saben todo
de ti los ingredientes secretos para elaborar
una pócima mágica; como un mago ha
recreado una ficción y la ha convertido en
realidad, y el público, a sabiendas del misterio
que impregna casi toda la función, juega y se
deja sorprender.
a .
i
LO SABEN TODO DE TI
Anthony Blake
Dirección: Esteve Ferrer
Días25|20:30h.),26|19:30h.)
y27(20:30h.)deMarzo
Patio de butacas
1er Anfiteatro bajo
1er Anfiteatro alto
LO SABEN TODO DE TI | ES, EN DEFINITIVA. UNA OBRA DE INTERACCIÓN. DE
SORPRESA Y DE INCÓGNITAS EN LA QUE EL ASOMBROSO JUEGO DE
DEDUCCIÓN DE ANTHONY BLAKE NOS SUMERGE EN UN MUNDO DE MISTERIO.
El mentalista ha considerado al público como
parte fundamental de su montaje. La sala
queda en penumbra y Blake hace su aparición
en medio de una escenografía sencilla donde
el color negro lo envuelve todo. Con una
banda sonora que invita al escalofrío, el
ilusionista se dirige al espectador
planteándole numerosos interrogantes y
reclamándole su participación activa sobre
el escenario. Blake intenta demostrar en Lo
saben todo de ti que nos controlan; que los
grandes grupos y consorcios económicos y
políticos que conviven en la sociedad
moderna y tecnificada de hoy, pueden
registrar cada uno de los movimientos de
nuestras discretas vidas a través de
sofisticados e inteligentes sistemas de
espionaje electrónico.
Objetos comunes e insignificantes de la
cotidianidad esconden los códigos y
mecanismos por los que estos grandes
controladores pueden seguir nuestro rastro.
Desde hace unos años Anthony Blake se ha
esmerado en la observación tenaz y la
búsqueda de conclusiones no convencionales
a muchas casualidades. Una observación que
le ha permitido encontrar una explicación
razonable a los hechos y detectar infinidad
de pistas de ese posible sistema espía, que el
mentalista asemeja con la poderosa Red
Echelon, también denominada la gran oreja.
Con diversas preguntas y el desarrollo de
ejercicios, Blake invita al público a un gran
juego mental de deducción en el cual suceden
cosas sorprendentes. Ayudado por soportes
audiovisuales y sistemas interactivos que van
sucediéndose sobre una pantalla de nueve
metros cuadrados, el ilusionista se convierte
en una especie de intermediario que nos
demuestra como nuestras respuestas a
determinadas preguntas han sido
previamente planeadas por elbs; que nuestras
preocupaciones más ocultas las conocen
desde hace tiempo y que los números que
nos identifican aportan más información
sobre nosotros de la que inocentemente
podemos llegar a imaginar. Tanto el
planteamiento interactivo como los efectos
visuales y sonoros del montaje impregnan a
todos los espectadores. Además, para
demostrar su poder, el mentalista utiliza una
mini cámara que muestra con más detalle
todo lo que sucede en el escenario.
06 ARRIBA TELÓN / ESPECIAL
ENTREVISTA
ANTHONY BLAKE
Hago magia con los pensamientos del público
/
El mentalista e ilusionista Anthony Blake
(lose Luis González Panizo) es autor de
varios libros (Tu poder mental y Tu poder
intuitivo) que versan sobre el poder de la
mente, y ha presentado en sus dos décadas
dedicadas al espectáculo nueve propuestas,
entre las que se encuentran Magic ofthe
mind (1983), D-mente (1990) o Espíritu
(2002). Considerado el año pasado como
el mejor mentalista con el premio
internacional Dunninger, que otorga la
Psyshic Entretainers Association, Blake
opina que Lo saben todo de ti es más que
un show; es un montaje que provoca
sensaciones de perplejidad en el espectador,
que posee un desarrollo dramático siguiendo
un guión escrito por Miguel Murillo, y que se
inspira en las incertidumbres que penden de
la existencia de la Red Edición, que controla
todos nuestros rastros electrónicos a través de
sistemas inteligentes de espionaje global,
justificados en aras de la supuesta seguridad
internacional. Cualquier acción que
realicemos, por insignificante que sea
—comprar con nuestra tarjeta i1e creaito,
enviar un mensaje de texto con nuestro móvil,
consultar un correo electrónico o leer un
código de barras-, son pistas más que
suficientes para que nos encuentren en
cualquier momento. La evidencia es que
estamos controlados. Gracias que el espionaje
electrónico no puede captar nuestras
sensaciones, sentimientos ni sueños, se
consuela.
Su espectáculo de una hora y media de
duración en cierto modo es inclasificable,
como lo es su propia posición sobre el
escenario. En un momento determinado soy
más actor que mentalista, y en otras fases del
montaje, esto)' más cerca del ilusionista. Es
una mezcla de trabajos muy interesante.
Todos los números de Lo saben todo de ti se
han transformado para ponerlos al servicio
de un texto magníficamente bien escrito.
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Según Anthony Blake, el público posee todo
el protagonismo en este montaje. Sin público
yo no podría realizar ninguna de estas
demostraciones. Cada persona que sale al
escenario me ayuda a confirmar que mi teoría
es cierta. Todo el teatro trabaja conmigo. Al
público le aguardan muchas sorpresas. Con
respecto a sus anteriores entregas, Lo saben
todo de ti introduce algunas novedades: la
arquitectura dramática, el planteamiento
escénico, la dirección teatral y la composición
musical. Es el mejor espectáculo que he
realizado en los últimos años, añade.
Anthony Blake presiente que pronto hará
algo grande. Me quedan muchos retos porque
todavía me queda mucha carrera por delante.
Mi último reto importante fue acertar el
número del gordo de la lotería de Navidad.
Tiene que volver a producirse otro reto de
estas características en dos o tres años. Su
especialidad la define de la siguiente
manera: El mentalismo que yo practico es
magia de la mente, es decir, hago magia con
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ilusión. Blake quiere demostrar que la magia
también puede entrar por derecho propio
en el teatro. El último gran espectáculo que
se monta en España se estrena en la década
de los cuarenta. La magia se populariza y
gana entonces espacio en los shows de
televisión, cuando no en los cabarets y en los
pubs. El lugar natural de la magia es el teatro,
sitio del que nunca hubo de salir.
Para Blake, el poder de la mente posee los
límites que cada uno desee imponerse; el
cerebro es un músculo más ¡le nuestro cuerpo
que hay que trabajar. Debemos desarrollar
nuestra intuición entrenando nuestros cinco
sentidos. La intuición se basa en tres pilares:
información, autocoufianza y capacidad de
decisión.
ARRIBA TELÓN/TEATRO
LA CELESTINA
HISTORIA DE UNA MUJER DE CARNE Y SANGRE
El ingenio de Robert Lepage y el talento de Nuria Espert se unen para crear
un ambicioso montaje que coproduce el Teatro Cuyas en el que se reactualiza
sin prejuicios el clásico de Fernando de Rojas
El innovador director teatral canadiense
Robert Lepage (del que se pudo ver en el
año 2000 en el Teatro Cuyas su plástico e
hipnótico montaje La cara oculta de la
luna), se ha atrevido con una de las obras
de referencia de la dramaturgia clásica
española de todos los tiempos, La
Celestina, de Fernando de Rojas.
Protagonizada por Nuria Espert, la
innovadora versión de Lepage, que
coproduce el Teatro Cuyas junto a la
productora canadiense Ex-Machina, el
Teatre Lliure, el Forum Barcelona 2004, la
Generalitat Valenciana y el Consorcio
Salamanca 2005, aproxima al público a una
Celestina sensual y luminosa, lejos de la
andrajosa imagen que la gran mayoría de
propuestas han formulado de la vieja
alcahueta y la furia obstinada de sus
conjuros.
En realidad se trata de una nueva versión
francesa de La Celestina que ha escrito el
poeta Michel Garneau, quien se ha
aplicado en depurar numerosas tramas
textuales con el objeto de dotar a la obra de
Fernando de Rojas de un lenguaje directo y
enérgico, que respeta la modernidad
original de la misma. Traducida al
castellano por Alvaro García Meseguer, la
versión de Garneau, encargada a éste por
Lepage hace una década, se inicia con la
muerte de Melibea llorada por sus padres,
que enfatiza así la importancia del tema y
la suerte de la pareja.
Como es habitual, Robert Lepage rodea
esta historia, que se desarrolla entre las
oscuridades de la Edad Media y las
claridades humanísticas del Renacimiento,
de una poderosa y subyugante maquinaria
escénica y una arquitectura teatral pulcra y
formidable, diseñada para la ocasión por
Cari Fillion.
LA CELESTINA
de Fernando de Rojas
Dirección: Robert Lepage
Con Nuria Espert
Días 22 y 23 (20:30h.) y 24 (19:00h.) de Abril
Patio de butacas
1er Anfiteatro bajo
Paredes de madera que suben y bajan, que
se desplazan a uno y otro lado, y que sirven
para crear los distintos ambientes y lugares
que solicita la tragicomedia, y en los que
Lepage encierra oprimiendo a sus
protagonistas: Calixto vive en su casa de
soltero con sus criados; Melibea en el hogar
familiar con sus padres y doncellas, y
Celestina y las suyas en el burdel de allá
cerca de las tenerías, a la orilla del río. Con
la simulación de ese laberinto móvil de
obstáculos, Lepage subraya la frustración
de la consumación de los deseos y sus
escollos insalvables en una sociedad
enferma y codiciosa. El director canadiense
ha jugado también con colores y texturas,
así como con un vestuario ejemplar e
impecable, para resaltar la enorme
sensualidad que impregna la obra, cuyos
cambios de escena van unidos a los
movimientos en muchas ocasiones
acrobáticos de los actores. Celestina vive en
la casa del deseo, en un lugar prohibido,
junto a un río que fluye, en contraposición
a los pozos estáticos de las familias
pudientes como la de Melibea; donde los
ricos no se aventuran si no es a través de
criados, de intermediarios.
i2a- T teatre lliure
La Celestina que interpreta la actriz Nuria
Espert está más cerca de la figura de la
hechicera que de la bruja, porque Lepage
deseaba una alcahueta de carne y sangre.
Una mujer, ante todo. Con seis oficios,
como dice Rojas: labrandera, perfumera,
maestra de hazer afeytes y de fazer virgos,
alcahueta y un poco hechicera. Inteligente y
pagana, esta hembra renacentista, a su
manera, se convierte en el nervio de la
función en la que también figuran otros
diez intérpretes.
Una producción de:
en coproducción con:
08 ARRIBA TELÓN / TEATRO
LA PRIMERA GRAN NOVELA EUROPEA
La Celestina se considera como La primera novela europea,
como una obra maestra española del siglo XV, tan original como
profunda. Su trama se desarrolla a partir de la historia de un
joven noble que contrata los servicios de Celestina, una vieja
alcahueta, para que le ayude a seducir a una doncella.
De lo más que se arrepiente la protagonista
del inmortal libro del descendiente de
judíos conversos, Fernando de Rojas, es de
haber desperdiciado, en su ya remota
juventud, unas pocas oportunidades en las
que habría podido gozar. Ahora, en su
vejez, su verdadero disfrute consiste en
proporcionar placer a otros. El personaje
de Celestina es una de las grandes
creaciones de toda la literatura universal, y
tiene lugar asegurado junto a sus dos
compatriotas, Don Quijote y Sancho
Panza.
Algunos consideran que Fernando de
Rojas, por miedo a la Inquisición,
enmascaró su heterodoxia con una
discutible finalidad moral. En España no
fue prohibida la obra hasta el siglo XVIII,
según Torrente Ballester, por influencia de
las corrientes religiosas jansenistas.
Inicialmente fue recibida como un
exemplum ex contrariis, como una obra
edificante, en la que el dramaturgo se
aseguró de castigar a los amantes y de
poner fin a los seres perversos. Ved lo que
puede pasar si los jóvenes se entregan al
desenfreno, propone Rojas, quien escribió
que esta Tragicomedia de Calixto y Melibea
está compuesta en reprehensión de los locos
enamorados vencidos en su desordenado
apetito. La Celestina es una obra sobre
judíos y conversos, sobre el poder del
dinero y la codicia, sobre el enfrentamiento
de los mundos de los criados y el de la
familia de Melibea, temas eternos y por
ello actuales. La influencia del
neoplatonismo renacentista de Petrarca y
el humanismo en esta pieza maestra,
inciden en una visión del hombre
moderno.
Esta obra clásica española, la más grande
de las anteriores a Cervantes, se editó en
Burgos en 1499 y en Sevilla en 1501, en
dieciocho actos bajo el nombre de
Comedia, y más tarde Tragicomedia de
Calixto y Melibea, aparece con cinco actos
más, entre el catorce y el quince, en la
edición de Sevilla de 1502. La edición de
Toledo de 1526 incluye el llamado Acto de
Traso. Escrita en castellano elegante y culto
o popular según los personajes que hablen,
tanto por su riqueza idiomática como por
su profundo realismo, constituye una
creación excepcional, cuyo éxito dio lugar a
ochenta ediciones en el siglo XVI.
UN ENCUENTRO QUE SE GESTA
EN EL TEATRO CUYAS
En noviembre del año 2000 el genial
director canadiense Robert Lepage,
considerado uno de los enfant terrible de la
escena internacional, presentó en el Teatro
Cuyas su excelente montaje La cara oculta
de la luna. De incógnito, una gran actriz y
directora como Nuria Espert, ocupó su
butaca en el mencionado espacio escénico
para disfrutar de la pirotecnia visual de
aquel delicado poema sobre la soledad del
hombre en que se convirtió la obra. Espert
y Lepage se encontraron en Las Palmas de
Gran Canaria aquel año, y cenaron juntos
en un restaurante cercano al teatro. El
director lo cuenta en el texto que ha escrito
para el dossier de La Celestina: la revelación
llegó un día como suele llegar: por
casualidad. En el marco de otro proyecto de
trabajo con doña Nuria Espert, de repente
me sentí fulminado. ¡Tenía frente a mí, de
pie, a La Celestina. Unos días más tarde, en
Madrid, Lepage propone a Espert
protagonizar a sus órdenes el papel central
de la obra de Fernando de Rojas. El
proyecto tardaría tres años en levantarse
por la magnitud de la producción, en la
que ha participado el Teatro Cuyas,
atendiendo a su eficaz política de
colaboración con otros grandes teatros
nacionales e internacionales impulsada,
desde su creación por el Cabildo de Gran
Canaria.
ENTREVISTA
NURIA ESPERT
TENGO UNA DEVOCIÓN POR LA ESCENA QUE NO SE MARCHITA, SINO QUE CRECE DÍA A DÍA
¿Qué supone, en su ya dilatada trayectoria,
afrontar este gran clásico del teatro
español a las órdenes de Robert Lepage?
Un gran regalo porque admiro muchísimo
el talento y la gran imaginación visual que
posee Lepage. Tenía muchas ganas de
trabajar con él. Esta Celestina me ha
proporcionado una de las interpretaciones
más satisfactorias de mi vida, y confieso n«i
me he entregado al constante juego
tensiones en el que radica la grandeza c
esta obra.
Esta versión de Garneau incide en destacar
los aspectos más contemporáneos de la
pieza de Fernando de Rojas.
La adaptación de Garneau hace hincapií
pasajes y aspectos que suelen zanjarse é:
otras versiones. El texto de Rojas es
absolutamente asombroso, y el contraste
entre las palabras y los hechos es de una
brutalidad enorme. Cuando te sumerges en
él descubres su violencia, su inteligencia y
profundidad, además de la valentía con la
que fue escrito en una época oscura
que la Inquisición constituyó un last
la cultura del momento. La Celestina
texto profundamente trasgresor, >sj
imágenes escritas, después de ser llevadas a
la escena, se convierten en un espectáculo
mágico, fuerte, violento, divertido y muy
cercano para los públicos de hoy, con su
visión absolutamente descreída.
¿Cómo definiría el espíritu de Celestina, ■
qué aristas le han sorprendido y explota d
este personaje al aproximarse a él?
Celestina es una mujer muy vividora, que
disfruta de cada minuto de su existencia; e
una superviviente que pelea contra la
miseria y contra la ruina en la que la
encontramos cuando empieza la función;
tiene unas ideas liberales muy a ras de tierra;
tiene humor y ternura; es una sabia... Lo
raro es que no acabe consumida en una
hoguera en vez de muerta por los dos
criados. En definitiva, Celestina es una
que vive, y eso se pagaba carísimo en aquel
momento. Sabe captar enseguida las
necesidades y las debilidades de la gente.
Comprende la vida. He construido una
Celestina mujer, ante todo. Desesperada,
pero muy fuerte, que sigue conservando una
gran vitalidad y viviendo de sus recuerdos.
¿Qué papel juega la potente escenografía
en el montaje?
La escenografía es maravillosa, mágica e
inolvidable, y está ligada al devenir del texto.
El público que vea la función no podrá
olvidarla nunca más. La escenografía
aparentemente parece muy simple, pero se
transforma permanentemente en otros
espacios que permite que los actores vuelen,
desaparezcan... todo se convierte en algo
muy mágico y a la vez muy terrenal.
Sufre un complicado proceso de
transformación al que se somete
personalmente en la soledad de su
camerino antes de cada función.
Es algo que agradezco porque me ayuda
mucho. Cuando ensayo a cara lavada
siempre pienso: sería incapaz de darle vida y
verdad a este papel si no tuviera todo el
apoyo que me proporciona el maravilloso
vestuario y la transfiguración del rostro con
un maquillaje muy medieval. Necesito
acercarme a Celestina a través del
maquillaje, y no sólo a través de la
interpretación. Estuve unos meses en
Barcelona aprendiendo la técnica con una
gran especialista, y en efecto, debo llegar con
someterme al largo proceso que dura unas
ras. Lo asumo como un instante de calma,
ax e identificación con Celestina.
¿De las múltiples mujeres que ha
interpretado sobre los escenarios, de cuál
se sigue sintiendo más próxima?
He sido una privilegiada porque siempre he
escogido los papeles que me apetecía
interpretar porque lo necesitaba, me
compensaba o llenaba. En cada momento,
cada personaje ha jugado un papel distinto
en mi carrera, que la he organizado de una
manera racional y según mis deseos, cosa
que casi nadie puede hacer.
Usted se ha convertido en una especie de
icono de la cultura española para el
público y para los grandes productores
teatrales de este país y de Europa.
Llevo muchos años sobre los escenarios
desde que comencé con trece. He dedicado
mi vida al teatro, he sido seria y responsable
con el trabajo y lo he intentado siempre
hacer con rigor. Puede decirse que tengo
una devoción por la escena que no se
marchita, sino que crece día a día. Eso debe
producir simpatía, y si tengo un poco de
suerte, respeto.
¿Cómo define el estado de salud de la
escena en particular, y de la cultura
española en general?
Creo que nuestros escritores y artistas están
bien considerados en el resto el mundo. En
el teatro, con las excepciones de rigor, no
puede lamentablemente hablarse de que se
encuentre en un momento curioso. Existe
mucha mediocridad y, como digo,
excepciones muy brillantes.
10 ARRIBA TELÓN/DANZA
FABRICA / CLUSTERIII
Danza como reflejo de la desbordante complejidad de la sociedad de nuestro tiempo
El bailarín y coreógrafo Pablo Ventura cierra su trilogía con un montaje
que especula metafóricamente con el cuerpo humano del futuro
El bailarín y coreógrafo grancanario Pablo
Ventura cierra con Fabrica I Cluster III la
trilogía que inició en 2002 con su montaje
De Humani, y prosiguió al siguiente año con
Corporis, que, como sus títulos indican,
parten del primer tratado de anatomía de
Andreas Vesalius, De humani corporis fabrica.
En una única función, Ventura y sus seis
bailarines Viviane Escale, Cristina Gabarre,
Arlette Kunz, Marcel Leemann, Brenda
Marcus y Marco Volta, mostrarán al público
las características imaginarias que muy
probablemente, en un futuro no muy lejano,
poseerán los cuerpos perfeccionados a través
de la manipulación genética, de las sustancias
químicas, de los órganos artificiales y de los
aparatos electrodomésticos inteligentes.
Como advierte el coreógrafo afincado desde
hace años en Suiza, todas éstas son vías que
hoy en día vemos emerger, y que se dirigen a
incrementar las posibilidades físicas y mentales
de los cuerpos y a alargar la duración de la
vida.
La danza y los espectáculos de Pablo Ventura
demuestran que el cuerpo humano es
manipulable en el ámbito estrictamente
digital, y que el bailarín es un recurso que
emplea también su cuerpo como
instrumento potente de expresión en sí
mismo. Para ello, el coreógrafo que admira
las trayectorias de Robert Wilson, William
Forsythe, Joseph Nadj y Merce Cunningham,
entre otros, utiliza todo un despliegue de
medios tecnológicos que ayudan al público
a percibir nuevos registros a través de la
sobriedad de la puesta en escena, o de la
geométrica expresión de los intérpretes.
Como declara Ventura, en sus creaciones no
falta emoción, aunque sí reconoce que ésta
se encuentra contenida, lo cual la hace más
potente y sugestiva. Un aspecto de mis obras
de los últimos años surge como reacción a una
corriente de la danza, donde amdomina~una
emotividad que da rienda sueftíFalas psicosis»
de los coreógrafos e intérpretes. Más que para
soltar sin freno a nuestros demonios, yo
entiendo la danza y el arte en general como
un medio para domarlos y constituirlos en
recurso complejo de comunicación, explica.
Como en las anteriores entregas de la trilogía,
el montaje escenográfico de Fabrica está
concebido como una vídeo-instalación.
Como novedad se introducen unos tubos de
neón azules como elementos escultóricos, y
gracias al software Kalypo, diseñado por
Frieder Weiss, el coreógrafo podrá proyectar
directamente en los cuerpos de sus
bailarines.
Para el bailarín canario, familiarizarse con
las nuevas tecnologías y descubrir sus
múltiples posibilidades y aplicaciones en el
arte, requiere talento y el firme propósito por
parte de los creadores de olvidar los corsés
tradicionales. Por ello estima que las nuevas
tecnologías son herramientas y soportes
complementarios, y las herramientas, desde
luego, no hacen al artista, ni garantizan la
producción de una buena obra artística.
FABRICA / CLUSTER III
Ventura Dance Company
Dirección: Pablo Ventura
Coproducción del Teatro Cuyas
Día 18 de Mayo (20:30h.
Precio único sin descuentos: 12€
ENTREVISTA
PABLO VENTURA
■■Mí
INVESTIGO NUEVOS REGISTROS DE MOVIMIENTOS Y FORMAS EXPRESIVAS MÁS
EN CONSONANCIA CON EL MUNDO COMPLEJO Y CAMBIANTE QUE VIVIMOI
¿Cuáles son las claves del último montaje
de esta trilogía que, como los dos
anteriores, será presentado en el Teatro
Cuyas?
Del mismo modo que las entregas anteriores,
Fabrica será un espectáculo con un fuerte
componente audiovisual, que contribuye a
dar vida a este viaje metafórico del cuerpo
humano a través del tiempo. Por medio de
la danza asistida por ordenador, y arropado
por las posibilidades técnicas de la tecnología
multimedia, en Fabrica especulamos sobre
el cuerpo humano del futuro. Por dicho
motivo, para su puesta en escena contamos
con las colaboraciones de vídeo-artistas,
compositores de música electrónica y
diseñadores de software y robótica.
¿Con Fabrica I Cluster III cierra una etapa
o proyecto de trabajo con unas claves
estéticas y coreográficas a las que no
regresará más, o, por el contrario, de esta
trilogía podría vislumbrarse lo que sería su
nuevo espectáculo?
Hay dos líneas de trabajo que estoy barajando
y que me gustaría investigar, que son el
trabajo más profundo con robots, y la música
clásica manipulada electrónicamente. En
cualquier caso, continuaré con el software
de danza Life Forms. Es posible que lleve a
cabo tanto una huida hacia el futuro, por
medio de una obra que combine la robótica
y la danza, como hacia el pasado, mediante
una interpretación e-dancística de la música
del Barroco, que a su vez sea modificada
electrónicamente fluctuando entre la
abstracción y la música original.
Su manera de hacer danza, ¿qué reivindica?
Investigar nuevos registros de movimientos
de los cuales es capaz el cuerpo del bailarín
actual, con un entrenamiento más integral
y completo que el de otros tiempos. Y, por
tanto, encontrar nuevas formas expresivas
má| en consonancia con el mundo incierto,
¿^mplejo y cambiante en que vivimos. Para
lograrlo entiendo que debo ser fiel a su
lenguaje intrínseco, que es el del movimiento
del cuerpo en relación a su entorno. Es decir,
la danza del cuerpo a través y por medio
de su entorno: el espacio, el tiempo, la luz,
y la tecnología que los produce y manipula.
Hábleme del papel del bailarín en su
propuesta. ¿Opera como instrumento o
como protagonista?
El bailarín es el técnico por antonomasia
del cuerpo humano. Con el bagaje que le
aporta una tradición centenaria, además
de las técnicas de danza más actuales, el
bailarín de hoy en día es equiparable a un
deportista de élite y en muchos casos lo
supera. Es, en consecuencia, un experto de
la maquinaria humana en su componente
mecánico y psíquico y, por lo tanto, es
instrumento, protagonista y tema de mis
obras.
El Teatro Cuyas se ha caracterizado desde
su creación por apoyar a la danza con una
programación regular. ¿Qué opinión le
merece ese esfuerzo?
Esfuerzo loable, teniendo en cuenta que la
programación del Cuyas ha ayudado
también a introducir tendencias más
actuales de la danza que serían muy difícil
de ver en otros escenarios de las islas. Sin
embargo, desearía que el siguiente paso
fuera que la danza conquiste por derecho
propio la pole position y se programe más
en los fines de semana, y así facilitar el
acceso a un público más amplio. Por otro
lado, caben pocas dudas que los teatros
públicos deben jugar un papel pedagógico
y de divulgación respecto a las últimas
tendencias, junto a la necesidad de atender
a la mayor demanda inmediata de
productos teatrales o dancísticos más
convencionales.
12 ARRIBA TELÓN / TEATRO
EL INVIERNO BAJO LA MESA
UN CUENTO DE AMOR CONTRA LA INTOLERANCIA
Natalia Menendez dirige a Toni Acosta, Lorena Berdún, Paco Luque, Antonio Zabálburu y
Arturo Arribas, en la primera obra de Roland Topor que se estrena en España.
Natalia Menendez dirige la primera obra
del polifacético creador francés Roland
Topor que se estrena en España, El invierno
bajo la mesa, un montaje que cuenta con
un reparto coral en el que figuran los
nombres de la canaria Toni Acosta , Lorena
Berdún, Arturo Arribas, Paco Luque y
Antonio Zabálburu. Coproducido por el
Teatro Cuyas, el Teatro María Guerrero
- Centro Dramático Nacional - y DD Company
& Duskon, el texto El invierno bajo la mesa,
llegó a las manos de Natalia Menendez
hace una década. Me impactó mucho; me
atrapó y sobrecogió desde el principio. Topor
habla de la dignidad humana no desde la
densidad, sino desde la ternura, desde otro
tipo de códigos que proporcionaban además
puertas por las que fluir y caminar, explica
Menendez, quien también firma la
traducción del francés de esta obra escrita
en 1996. He respetado el texto original al
máximo. Su lenguaje sencillo y ligero, su
pulso poético, su humor... Hay mucho juego
en esta función.
En los últimos tres años la actriz y
directora de montajes como Ni pobre ni
rico sino todo lo contrario, de Miguel
Mihura, Las amargas lágrimas de Petra Von
Kant, de Rainer Wemer Fassbinder, o La
isla, de Atole Fugard, entre otras, indagó
sobre la obra y vida de Roland Topor,
trabajó en la traducción del texto y animó
a distintos productores teatrales a que se
atrevieran con la obra de este autor
interesante y poliédrico, prácticamente
desconocido en España.
Menendez avanza que El invierno bajo la
EL INVIERNO BAJO LA MESA
de Roland Topor
Dirección: Natalia Menendez
Con Toni Acosta, Lorena Berdún, Paco Luque,
Antonio Zabálburu y Arturo Arribas
Días 21 (19:30h. y 22:30h.) y 22 l20:30h.l de Mayo
B.10 T.20 T.30 T.50
Patio de butacas
1er Anfiteatro bajo
1er Anfiteatro alto
2° Anfiteatro
18.00
15.00
13.00
11.00
16.00
13.50
12.00
10.00
15.00
12.00
11.00
9.00
13.00
11.00
9.00
8.00
9.00
7.50
6.50
5.50
Una coproducción de:
CDN
Centro Dramático Nacional
S DUSKON
mesa es una obra que habla
inteligentemente al público del trato
vejatorio e indignante que se practica a los
inmigrantes, de los prejuicios sociales y de los
comportamientos burgueses ante los sin
papeles. En el texto de Roland Topor, que
dedica a la memoria de su padre (un escultor
judío perseguido por los nazis durante la
ocupación def Polonia), se fraguan muchos
temas de importante actualidad, que son
tratados sin adoctrinamientos y que son
narrados a modo de cuento. Las emociones
del texto deseo explotarlas para provocar al
público. La moraleja de este cuento es que
debemos tratarnos dignamente, y que a
través del arte y del amor, los individuos
pueden conseguirlo. La historia de Topor
aborda la peripecia de una traductora que,
por problemas de carácter económico, se
ve obligada a alquilar el bajo de una
mesa a un zapatero extranjero y sin
documentación y a un primo de éste.
Menendez reconoce que ha tenido mucha
suerte al poder contar con los actores que
interpretarán el montaje que dirige: Toni
Acosta interpreta a Florence Michalon, la
traductora; Zabálburu a Dragomir, el
zapatero; Lorena Berdún a Raymon de
Pouce, la amiga de la traductora; Arturo
Arribas a Gritzka, el violinista sin papeles,
y Luque a Marc Thyl, el editor que está
enamorado de la traductora. Alfonso
Barajas firma la escenografía de esta
producción que explota los dos mundos
contenidos de la traductora y del zapatero
como si de un cuento se tratara. Todo ello se
completa con un tercer mundo, el de la
magia y el del amor, añade Natalia
Menendez.
La directora y actriz ha trabajado a las
órdenes de los directores teatrales Jesús
Cracio, Gerardo Malla, Miguel Narros,
Guillermo Heras, José Luis Raymond o
Jean-Pierre Miquel. En el ámbito del cine
ha trabajado con Carlos Saura, Emilio
Martínez Lázaro, Juan Luis Bollaín y
Frédéric Schondoerffer.
ENTREVISTA
10NI AGOSTA
DEBAJO DE UNA MESA TAMBIÉN SE PUEDE CREAR UN MUNDO DIGNO
La actriz tinerfeña Toni Acosta regresa al
Teatro Cuyas tras su participación en el
montaje de George Axelrod, La tentación
vive arriba, con esta delicada pieza de
Roland Topor, El invierno bajo la mesa.
Acosta, que desde hace siete años reside en
Madrid, reconoce que no conocía la
producción del francés Roland Topor. Tan
pronto Natalia Menéndez me pasa el texto me
pongo a leerlo. Se trata de un cuento
surrealista, intenso y optimista, que la
directora no ha deseado ubicar ni en un lugar
ni en una época determinada. Es una
maravilla porque en él se cuentan muchas
cosas sin pontificar explícitamente sobre los
temas que aborda. Hay quienes percibirán en
esta función una historia de amor y otros, un
alegato a favor de la dignidad de las personas,
avanza Toni Acosta.
La actriz interpreta a la chica propietaria de
la casa y de la mesa bajo la que se cobija el
sin papeles. Su economía se ha resentido y se
ve obligada por ello a alquilar una parte de su
casa. Debajo de esa mesa que funciona como
un personaje más existe todo un mundo
fascinante. Tiene ganas de vivir, es muy
espontánea, pero está sometida a muchos
prejuicios. Esta circunstancia la obliga a
plantearse muchas cuestiones
durante la función. Según Acosta, el público
también se planteará al salir del teatro lo
que está sucediendo con el drama de la
inmigración ilegal. Debajo de una mesa
también se puede crear un mundo digno; da
igual que estés en un rincón si logras vivir en
él con dignidad, añade la actriz.
En comparación con su último montaje
interpretado, La tentación vive arriba,
Acosta advierte que el registro afrontado en
este nuevo no tiene nada que ver. La obra de
Topor llega más al corazón por un camino
más directo. Es más emocional, intensa y
dramática. Como actriz me exige más
compromiso porque se desplaza de un
extremo al otro. La tentación vive arriba era
un divertimento, un chiste de verano. El
parón experimentado en la popular serie
televisiva Policías le ha venido de maravilla a
Toni Acosta para afrontar la fase de
producción de El invierno bajo la mesa sin el
sacrificio y agotamiento profesional que
supone compaginar dos proyectos a la vez.
Nunca había trabajado con los actores del
reparto del montaje que dirige Natalia
Menéndez, salvo con Paco Luque, con el que
ha coincidido en la teleserie citada de
Antena 3, y en varios cortos en la etapa de
estudiantes.
H ARRIBA TELÓN / TEATRO
INCLASIFICABLE ROLAND TOPOR
El actor, dramaturgo, diseñador e ilustrador francés Roland Topor escribió un año
antes de morir, para el Teatro Flamand de Bruselas, la obra El invierno bajo la mesa.
En 1997 Francia perdía a uno de sus más
enigmáticos, combativos y prolíficos
creadores, cuya obra ha sido en muchas
ocasiones tildada de inclasificable, pero
sujeta al singular talento de este genio
nacido en 1938 en París. De origen polaco,
Topor, cuya obra literaria y piezas teatrales
siempre estuvieron teñidas de un
inteligente humor negro, fundó junto a
Fernando Arrabal y Alejandro Jodorowski
el grupo Pánico. Su vinculación con el cine
fue frecuente: Román Polanski se inspira
en un texto suyo en la película que dirige
en 1976, El quimérico inquilino, y como
actor, Roland Topor participó en varios
largometrajes de culto, como Nosferatu,
vampiro de la noche, de Werner Herzog
(1979), Polly Magoo, de William Klein
(1962), Viva la muerte, de Arrabal (1971) o
El amor de Swann, de Volker Schlóndorff
(1984). Además, realizó dos películas de
animación: Los caracoles (1996) y El
planeta salvaje (1973). Publicó entre otros
libros, Erika, La princesa Angina, una
novela que ilustra personalmente, y Cuatro
rosas para Lucienne, un conjunto de
novelas cortas. Sus trabajos dedicados a los
niños también ocupan buena parte de la
producción de este atípico creador: realizó
Téléchat junto a Henri Xhonneux, un total
de 156 fantásticos episodios televisados
utilizando objetos animados y marionetas,
y su serie para la pequeña pantalla Merci
Bernard, creada con Jean-Michel Ribes,
constituye todo un éxito de popularidad en
Francia.
Topor ilustró en 1987 también para los
niños los cuentos Blancanieves de Perrault,
y Rosa-roja de los hermanos Grimm. El
artista francés escribió canciones para
espectáculos, diseñó la escenografía y el
vestuario para numerosas obras teatrales,
óperas (como Le grand macabre (1978), de
Gyórgy Ligeti, en el Teatro de la Ópera de
Bolonia), o ballets (como 200 años, para el
Festival de Avignon, con el que obtiene el
Industrial Award de la Royal Society ofArts
de Londres). Roland Topor colaboró con la
organización no gubernamental Amnistía
Internacional en el diseño de algunos de
sus carteles.
ARRIBA EL TELÓN / MÚSICA
PULCINELLA VENDICATO
Una sabrosa farsa lírica que bebe de la Commedia dell Arte
ANTONIO FLORIO DIRIGE A LA CAPPELLA DETURCHINI EN
LA VERSIÓN CONCIERTO DE ESTA ÓPERA DE G. PAISIELLO (1740-1816)
En colaboración con la Sociedad Filarmónica
de Las Palmas, el Teatro Cuyas presenta a
uno de los grupos europeos más prestigiosos
y considerados en el contexto del repertorio
de los Siglos de Oro de la Escuela Napolitana,
el ensemble de la Cappella de'Turchini.
Dirigido por el que consideran el artífice de
la resurrección de la música barroca
napolitana, Antonio Florio, el ensemble (que
integran veinte músicos) ofrecerá en versión
concierto la obra de Giovanni Paisiello
(1740-1816), Pulcinella vendicato nel ritorno
di Marechiaro. Con libreto de Francesco
Cerlone, esta farsa lírica en un acto, que
Florio ha revisado según la edición crítica de
Alessandro Lattanzi, está interpretada por
los tenores Giuseppe De Vittorio (Pulcinella),
Rosario Totaro (Don Camilo) y Davide
Livermore (Trafichino); las sopranos María
Grazia Schiavo (Carmosina), María Ercolano
(Claudia) y Roberta Ándalo (Bianchina); el
bajo Giuseppe Naviglio (Coviello y Mago
la mezzosoprano, Francesca Russo ^
(Marioletta).
Con una discografía de varias óperas
completadas para el sello Opus 111 que cada
vez es más creciente, el también creador del
Centro de Música Antigua de Ñapóles, ha
venido trabajando con este ensemble en el
rescate de la obra de muchos de los
compositores que permanecen aún bajo la
extendida sombra de Pergolesi o Scarlatti.
Uno de ellos es Giovanni Paisiello, uno de
los muchos músicos que vivieron en el
Ñapóles del siglo XVII, cuando esta ciudad
italiana se convirtió en un activo y
floreciente centro cultural que exportó su
maestría fuera de Italia.
Paisiello, compositor de música dramática
en la corte de Fernando IV de Ñapóles, y
Maestro de la Real Cámara hasta el conato
revolucionario de 1789, destacó en la
composición de óperas de tono cómico, a
las que aportó su elegante técnica orquestal
y su talento melódico. Paisiello fue también
el compositor de una primera versión de El
Barbero de Sevilla que, tiempo después y con
muchas dificultades, fue destronada de
los repertorios mundiales por la versión de
Rossini. Los antecedentes de esta obra cómica
escrita en un solo acto se encuentran en los
intermezzi, pequeñas representaciones
dramáticas que se alternaban con los actos
de las óperas más formales. Estas
representaciones breves dieron lugar de
manera paulatina a la evolución del género
hacia la ópera bufa.
Más allá de los instrumentos, la técnica y la
afinación con criterios históricos, se nota en
la Cappella della Pietá de'Turchini una
intención particular de diferenciar este tipo
de trabajos musicales de otros más
convencionales, y de adaptarlos cabalmente
al texto y a la línea vocal propuestos por
Paisiello. Así, con la actuación conjunta de
orquesta y cantantes, se aprecian con claridad
ciertas aventuras armónicas que no solían ser
usuales en tiempos de Paisiello y sus
contemporáneos, así como numerosas y ricas
referencias a las músicas populares de la época.
En la propuesta orquestal, muy homogénea
a lo largo de la obra, destaca el uso de los
; r:; -
"•/■■' »
16 ARRIBA EL TELÓN / MÚSICA
alientos, la momentánea, pero efectiva
presencia del salterio y, de manera muy
notable, el trabajo de los instrumentos de
cuerda pulsada (guitarra barroca y
colascione), que resulta particularmente
efectivo en los recitativos. El resultado
general de todos estos elementos es una
sesión operística ligera en el mejor sentido
del término, divertida como corresponde a
una farsa y, sobre todo, musicalmente muy
atractiva.
CAPPELLA
DE'TURCHINI
Creada en 1987, la Cappella de'Turchini está
formada en su mayoría por instrumentistas
y cantantes napolitanos. Dirigida por su
fundador, Antonio Florio, desde sus
principios, la Cappella de'Turchini colabora
regularmente con los mismos músicos con
el objeto de imprimir a sus trabajos un sello
propio que la distinga de otros grupos. Su
nombre proviene de uno de los cuatro
conservatorios napolit anos del siglo XVII
que se distinguía por el color de la
vestimenta de sus integrantes: el turquesa
(turchini) cuando se celebraban grandes
fiestas.
El ensemble, especializado en el repertorio
de los siglos XVII y XVIII, siglos de oro de
la escuela napolitana, ha redescubierto al
público varios compositores barrocos que
habían caído en el olvido, como Provenzale
(maestro de capilla hasta 1701 del
Conservatorio de La Pietá de' Turchini),
Caresana, Trabaci, Veneziano, Netti, Sabino,
Paisiello, Piccinni y Jommelli, entre otros.
El ensemble ha actuado en diversas salas de
concierto entre las que se encuentran: la
Konzerthaus de Viena, La Cité de la
Musique de París, el Teatro San Cario de
Ñapóles, el Théátre de Bonn, el Teatro de
la Zarzuela de Madrid, el Teatro Arriaga de
Bilbao, el Palau de la Música de Barcelona,
el Teatro Ponchielli de Cremona, el Teatro
Olímpico de Roma, la Ópera de Rennes y
el Centre Lyrique d' Auvergne.
La Cappella se ha presentado en los festivales
de mayor prestigio como el Festival de Música
Antigua de Barcelona, Festival de Postdam,
Festival de Wallonie, BBC Early Music
Festival, Saison Musicale de la Fondation
Royaumont, Festival de Beaune, Festival de
Radio France en Montpellier, Festival de
Sable, Festival Trigonale en Austria, Festival
d'Ambronay, Festival Mozart de A Coruña,
Festival de Saint Denis, Festival International
de Mentón, Accademia di Santa Cecilia,
Societá del Quartetto di Milano o Amici della
Música di Firenze.
Para la temporada 2004-2005, la Cappella
prepara, siempre bajo la dirección de Florio,
la ópera Partenope, de Leonardo Vinci, un
recital con Patrizia Ciofi, una nueva
producción de The Fairy Queen, de Henry
Purcell en el Festival de Ravello y en el Centre
Lyrique d'Auvergne, una gira por Suramérica
en octubre, y otra gira por España. La
Cappella de'Turchini mantiene estrecha
colaboración con el Centre Lyrique
d'Auvergne de Clermont Ferrand, entidad
con la que realiza dos producciones por año.
DEL DRAMA AMOROSO
AL REALISMO MÁGICO
Pulcinella canta para su amada Carmosina.
Don Camillo, un romano adinerado se
enamora de ella y envía a su siervo a hacer la
labor de cupido. Carmosina guiada por el
interés, olvida sus promesas de amor a
Pulcinella, quien ante el desengaño decide
arrojarse al mar, aunque es detenido por
Claudia, la celosa amante de Don Camillo.
En una red de pesca encuentran un ánfora
donde está preso un mago del que obtienen
una varita mágica. Llegan a la boda de Don
Camillo y Carmosina y, por encanto, los
llevan al cráter del Vesubio, en donde piden
perdón. Sin embargo, de regreso son acusados
de brujería, pero evaden el peligro y
transforman en mármol a los infieles. Luego,
sinceramente arrepentidos, vuelven con sus
anteriores parejas y un coro festivo celebra el
reencuentro.
i
■" V "5 - J i
PULCINELLA VENDICATO
(Versión concierto)
Cappella de'Turchini
Dirección: Antonio Florio
En colaboración con la Sociedad Filarmónica de Las Palmas
Dia 24 de Mayo (20:30h.)
"
ARRIBA TELÓN / ESPECIAL
LÍNEA DE FUGA
Un onírico recorrido lleno de vértigo y sin punto de retorno
na francés Philippe Genty pr
asocia libremente el teatro, la
público c
■ la magia
n espectá
La compañía de Philippe Genty combina
danza, teatro, magia y la inquietante música
minimalista de Rene Aubry en Línea de fuga,
un montaje onírico que llega al Teatro Cuyas
creadores más fascinantes de la más
innovadora escena europea. La inclasificable
propuesta del francés Philippe Genty y Mary
Underwood, su estrecha colaboradora desde
hace años, no es otra cosa que una reflexión
sobre las opciones del hombre y,
especialmente, sobre algunos de los contrastes
en que la vida se sustenta: la luz y la
oscuridad, las víctimas y los verdugos, la
muerte y lo lúdico... Un torbellino que, como
advierte el propio artista, arrastra al público
al abismo con imágenes del subconsciente.
En nuestra forma de abordar el teatro, el
escenario es un espacio que no se parece a
ningún otro, explica Genty. No es un lugar en
el que se pueda ver la vida. Un espacio que no
se puede vivir si se intenta reproducir la
realidad de forma naturalista. Es un espacio
entre paréntesis. Tampoco encaja allí el sueño.
El punto en común con el escenario es que
ninguno de los dos tiene su origen en la
realidad. Igual que en sus espectáculos
anteriores, en Línea de fuga, el creador recurre
a la magia y la ilusión para quebrar la
racionalidad y deslizarse hacia los ambiguos
límites del subconsciente, lo que permite al
público no sólo jugar con las imágenes
ofrecidas en su espectáculo, sino con las
propias referencias personales de cada
El montaje no sigue un desarrollo narrativo
lógico, sino que se ciñe a una serie de
imágenes que aparecen por asociación como
sucediera en un sueño. El objetivo no es huir
de la cruda y triste realidad para escomíase en
un sueno. No hay que considerar la realidad
como un submundo que podemos dejar
fácilmente de lado. Este mundo interior forma
parte de nuestra subjetividad cotidiana. Por
consiguiente, éste no es un teatro irreal. Por el
contrario, es testimonio de los conflictos internos
del ser humano con el mundo exterior. Cada
persona debe aceptar sus paisajes interiores
para hacer frente a los exteriores, los que se
caracterizan por el vértigo interior, añade
Philippe Genty.
LINEA DE FUGA
Compañía Philippe Genty
con la colaboración de Mary Underwood
Días 27. 28 y 29 de Mayo [20:30h.l
19.00 17.00
16.00 U.OO
En Línea de fuga el escenario está rodeado
por una pasarela en forma de U, abierta hacia
el público. La iluminación horizontal por
encima de dicha pasarela, crea un ambiente
onírico y surrealista. Escasos son los momentos
en la vida donde nos encontramos cutre dos
fuentes de iluminación laterales y opuestas,
advierte Genty. Los personajes y objetos
aparecen generalmente por el centro del
escenario. Tengo una verdadera fobia a las
entradas desde los laterales. Quizá, porque en
mis sueños nadie entra desde los lados como
pasa en el cine o incluso en el teatro. Yo necesito
unir el espacio y el tiempo. Durante los ensayos,
Mary Underwood y yo hemos pedido a los seis
actores proponer a través de improvisaciones a
a esconderse detrás de pautas habituales, y a
través del juego de los opuestos, eliminar todos
los reflejos, y lo que era interesante, eliminar
los hábitos o bien encontrar la raíz y su
autenticidad.
su montaje. Busca una víctima, tú o yo, y un
asesino, tú o yo, y nos lleva a un viaje por
nuestro propio interior, nos propone el
creador. Un recorrido sinfín, lleno de vértigo,
callejones sin salida ni puntos de retorno. Los
personajes -como no podría ser de otra
manera- huyen, buscan, corren, contra un
horizonte interminable. Y entonces todo se
pliega y queda reducido a una única línea de
fuga, que sutil se desliza entre la oscuridad.
18 ARRIBA TELÓN/ESPECIAL
I
Javier Vallejo
LA EXISTENCIA NUNCA
ES UNIFORME
La conclusión final de todo el complejo
entramado escénico, visual e intelectual de
Philippe Genty es que la existencia nunca es
uniforme, que lo aparentemente homogéneo
ofrece rostros múltiples; que las circunstancias
están en mutación e intercambio constantes,
que lodo -como la Historia entera, en realidadpodría
ser de otra manera.
Ana Rodríguez de la Robla
ti Diario Montañés ESPECTÁCULO COMPLICADO
DE DEFINIR
Es bien complicado tratar de definir este
espectáculo, tal vez porque pertenece a ese tipo
de propuestas que pertenecen a sí mismas o que
únicamente pueden ser englobadas bajo el sello
característico de su creador. Podemos acudirá
las óperas de Philip Glass con Robert Wilson
en la escena, o tal vez al Teatro Negro de Praga,
o al Circo del Sol en busca de referentes y/o
consecuentes.
G. Moral Álvarez
Alerta
■■■
LA CAPACIDAD INTEGRADORA DE PHILIPPE GENTY
Tentó una formación de srafista que me
supuesto, la colocación con el escenario de
los intérpretes, objetos, materiales y
marionetas, explica Philippe Genty,
quien conoció a su colaboradora y actual
compañera, Mary Underwood, siendo
bailarina en los Ballets de Montecarlo.
Esta colaboración permito descubrir al
creador galo las posibilidades de la
danza, sobre todo para expresar lo
indecible. Creo aue es la persona que lia
En 1968 crea la compañía Philippe
Genty, con la que viaja por todo el
mundo y actúa en certámenes
internacionales como el Festival Mundial
del Teatro de Nueva York, el Festival
Internacional de las Artes Escénicas en
■ ■
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1
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los Festivales Internacionales de Perth y
Adelaida o el Festival Internacional de
la Junventud en Cuba. Sus primeros
espectáculos son Rond coinnie un cube,
Zieimmd Foílies, Désirs Parade y Derives.
Uno de los logros de Genty más
destacados por muchos es haber unido,
en un mágico encuentro, diversas formas
del espectáculo. Ilusión, efectos
especiales, malabarismo, marionetas,
mimos, acrobacias y danza se dan citan
en esa singular feria de sensaciones en
que se han convertido desde hace treinta
años cada una de sus propuestas, que
terminan como una peculiar travesía
por los abismos de los sueños y del
subconsciente. Otra de las peculiaridades
de los montajes de Genty es la aparente
simplicidad de los mismos, utilizando
los idiomas del cuerpo, desde la
pantomima hasta la danza.
En 1992 realiza una gira de cuatro meses
por Latinoamérica con Cargo 92; obtiene
el premio Laurence Olivier en Sadler's
Wells de Londres, y estrena en Théátre
de la Ville en Paris Ne m'oubliepas, que
llevaría a India, Europa Central, Europa
del Este, Israel y España. Después estrenó
Voyageur ¡mmobile (1995) en le Théátre
de la Ville en París y Stowaways I
Passagers Clandestius (1996) en Adelaida
(Australia).
Su espectáculo Dédale se presenta en el
festival de Wiesbaden, y gira por Suecia,
Japón, Brasil, Chile, Holanda y Portugal.
Crea y dirige el espectáculo Occans y
Utopies, encargado por el comité de la
Exposición Universal 98 de Lisboa, en
el pabellón Utopias. Los tres años
siguientes la compañía lleva Dédale por
todo el mundo. Línea de Fuga, concebido
en 2003, cierra su gira internacional este
año 2005.
BS
TARJETAS DEL TEATRO
LA PAGINA DEL CUYAS 21
10 20
Si usted compra simultáneamente tres
entradas para tres espectáculos diferentes,
se le aplicará el BONO 10, por lo que se
beneficiará de un descuento del 10%. El
Bono 10 se podrá renovar cada vez que
se compren simultáneamente entradas
para otros tres espectáculos diferentes.
Para ser titular de la TARJETA 20 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de cinco entradas para cinco
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 20% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá
adquirir posteriormente entradas con el
mismo tipo de descuento a lo largo de la
temporada vigente. Disfrutará además de
un período prioritario de compra que será
anunciado convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 30 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de diez entradas para diez
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 30% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá adquirir
posteriormente entradas con el mismo tipo
de descuento a lo largo de la temporada
vigente. Disfrutará además de un período
prioritario de compra que será anunciado
convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 50 es necesario
acreditar que es usted jubilado o pensionista
mayor de 65 años y que sus ingresos
mensuales no son superiores al salario
mínimo interprofesional (460,50 €). La
TARJETA 50 supone un descuento
aproximado del 50% sobre la tarifa inicial.
CONDICIONES DE USO
Tienen carácter personal e intransferible. Su vigencia es anual (de temporada en temporada). Deberán mostrarse en la taquilla en el momento de efectuar la adquisición
de las entradas junto con el DNI, y podrán ser solicitadas en la entrada de los espectáculos. El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a estos
descuentos. Los descuentos serán aplicados en el momento de efectuarse la compra. En ningún caso después de haberse emitido la entrada. No se admitirán cambios ni
devoluciones de las entradas.
OTROS DESCUENTOS
CARNÉ JOVEN EURO 26
Presentando el carné joven Euro 26 junto
con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
MENORES DE U ANOS
Presentando el DNI o el libro de familia,
podrá adquirir automáticamente la
tarjeta 30.
CARNÉ UNIVERSITARIO
Presentando el Carné de Estudiante
Universitario de la ULPGC, junto con
el DNI, podrá adquirir automáticamente
la tarjeta 30.
DESEMPLEADOS
Presentando la tarjeta de desempleo de
la ACE junto con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 50.
PENSIONSITAS 0 JUBILADOS,
MAYORES DE 65 AÑOS
Acreditando que es jubilado o pensionista
mayor de 65 años, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
Para beneficiarse de estos descuentos ,
tanto a la hora de adquirir localidades
como para acceder a la sala, deberá
presentar los documentos pertinentes.
PRECIOS DE GRUPOS
Existen descuentos especiales para grupos
concertados a partir de 14 personas.
DISCAPACITADOS EN SILLA DE
RUEDAS
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento
aproximado del 40% sobre el precio de
la localidad de patio de butacas.
VENTA DE LOCALIDADES
HORARIO DE TAQUILLA
de 11.30 h. a 13.30 h.
y de 17.00 h. a 20.30 h.
Teléfono: 928 432181
Oficinas: 928 432180
~v
Venta telefónica de entradas
902 405 504
Los días de espectáculo la taquilla
permanecerá abierta hasta la hora
de comienzo del mismo.
Una hora antes del inicio de
cada función no habrá venta
anticipada.
Los días de función, a partir de las
18:30, no se expedirán tarjetas del
teatro.
Sólo se aplicarán descuentos a tarjetas
que hayan sido actualizadas.
■ En el momento de retirar las entradas,
rogamos compruebe la fecha, hora, importe
y numeración de sus localidades.
■ No se admiten cambios ni devoluciones
de las entradas.
■ El Teatro no garantiza la autenticidad de
las entradas que no hayan sido adquiridas
en los puntos oficiales de venta.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
establecer un cupo máximo de venta de
localidades por persona y espectáculo.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
modificar el aforo en virtud del tipo de
espectáculo programado.
■ Las entradas de foso (filas Ay B) se pondrán
a la venta discrecionalmente por el Teatro,
sin la anticipación del resto de localidades,
en función de las características técnicas y
artísticas de cada espectáculo.
■ Las localidades del Teatro Cuyas están
subvencionadas por el Cabildo de Gran
Canaria. Ninguna reventa de las mismas
está autorizada por el Teatro.
■ Se ruega MÁXIMA PUNTUALIDAD.
Una vez comenzada la representación, y
en función de sus características, el Teatro
se reserva la posibilidad de retrasar o
prohibir la entrada en la sala.
■ Se prohibe entrar con comida y bebida
en la sala, así como con animales, excepto
perros guía. En este caso se aplicará la
normativa vigente.
■ No está permitido fumar en el interior
del Teatro.
■ Está terminantemente prohibido
cualquier tipo de filmación, grabación o butacas,
realización de fotografías (con o sin flash)
en el interior de la sala.
■ En atención a los artistas y al público,
se ruega eviten cualquier tipo de ruido
durante la representación, tanto en el
interior de la sala como en los vestíbulos,
pasillos y escaleras.
■ Se ruega desconectar los teléfonos
móviles, alarmas o cualquier otro tipo de
señal acústica en el interior de la sala.
■ En espectáculos con pausa, conserve la
contraseña.
■ El Teatro dispone de espacios habilitados
para minusválidos, situados en el patio de
■ Se prohibe la entrada en el recinto con
cualquier objeto que la organización
considere peligroso.
■ Existen hojas de reclamaciones a
disposición de los espectadores.
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DIRECCIÓN:
C.P.:
MÓVIL:
NOMBRE:
DNI:
E-MAIL:
FIRMA:
20 AVANCE
JUNIO-JULIO 2005
y 26 de junio
EL CASTIGO SIN VENGANZA
de Félix Lope de Vega
COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO
Eduardo Vasco vuelve al Cuyas, en este caso con a la Compañía Nacional de Teatro Clásico, de la que ha sido
recientemente nombrado director. Basado al parecer en un hecho real, este terrible drama de amor, celos y
venganza, de una escabrosidad poco común en su época, es una excepcional muestra de la maestría narrativa
de Lope, así como de su capacidad para crear personajes de sólida factura psicológica.
YUNANOCH
COMEDIANTS
La genial compañía catalana Comedicmts presenta un sugerente espectáculo en el que plantean una reflexión
sobre la creación y destrucción, sobre la realidad y la ficción, el tiempo y la intemporalidad de los sueños, el
mundo de la imaginación y la fantasía. Para contar teatralmente esta epopeya, la compañía que dirige Joan
Font se apoya en un símbolo actual: la ciudad de Bagdad, y más concretamente en la destrucción de su gran
Museo Nacional, su biblioteca y la quema de ejemplares únicos de Las mil y una noches, entre oíros muchos
tesoros de la literatura universal.
10 de julio
EL INVITADO
Este texto del comediante francés David Pharao lo dirige Juan Margallo y lo interpretan, entre otros, Joaquín Kremel, Juan
Meseguer y Jesús Alcaide. Partiendo del tema del difícil acceso al mundo laboral hoy en día, y parodiando toda esa serie de
artificiales escalafones en que se han convertido las piramidales empresas, Pharao, que logró cuatro candidaturas a los
premios Moliere con esta función, concibió su texto para cuatro personajes y lo ambientó, deliberadamente, en una vivienda
tirando a cutre. La comedia narra la situación de un hombre, mando intermedio, en el paro desde hace tres años, que se
encuentra en una encrucijada en su vida. Es la hora de la partida de póquer, la de la última cita con la vida profesional,
antes de que te releguen y pierdas el tren para siempre. Torpe, sin dominar los códigos soterrados de las técnicas de selección,
ha aceptado - fatal error - que un dirigente venga a cenar a su casa. Su mujer, persona de buena fe, es la antítesis de una
buena ama de casa y poco dotada para el arte de los fogones.
; ORQUESTA
FILARMÓNICA
DE GRAN CANARIA
Pedro Halffter
director artístico y titular
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Ski
temporada
! VIERNES 18 MARZO
CONCIERTOS DE SEMANA SANTA
JUANJO MENA d/recfor
CORO DE LA OFGC/LUIS GA.._
_LENA DE LA MERCED soprano I JC
Fauré Réquiem
Guridi Diez melodías vascas
Ravel Dafnis y Cloe. Suite n° 2
JOSEP MIQUEL RAMÓN
13 VIERNES 1 ABRIL
RAYMOND LEPPARD director I DEZSO RÁNKI piai
Arriaga Los esclavos felices. Obertura
Schumann Introducción y Allegro appassionato"
Liszt Totentanz
Haydn Sinfonía n" 104 "Londres"
14 VIERNES 22 ABRIL
GÜNTHER HERBIG director
Takemitsu Réquiem para cuerdas"
Wagner Idilio de Sigfrid<
Bruckner Sinfonía n" 9 '
15 SÁBADO 23 ABRIL
ORQUESTA SINFÓNIC/
VÍCTOR PABLO PÉREZ din
DE TENERIFE
torl JIAN WANG vioit
F.lgar Conci
F.lgar/ Payne
VIERNES 29 ABRIL
PEDRO HALFFTER direci I J0ANNAMACGREGOR,
Ivés Central Park in the tlark '
Gershwin Concierto en Fa
Scriabin Sinfonía n" 2'
CONCIERTO DÍA DE CANARIAS
GLORIA ISABEL RAMOS TRIAN0 directora
OLIVER y JOSÉ MARÍA CURBELO pianos
M. Bonino Capricho sinfónico. Estreno absoluto*
Poulenc Concierto para 2 pianos
Mendelssohn Sinfonía n" 4 "Italiana'
19 VIERNES 3 JUNIO
EDMON COLOMER director I LOLA CASARIEGO
Gerhard Danzas de Don Quijote
Ravel Sheherazade
Beethoven Sinfonía n" 2
20 SÁBADO 2í
PEDRO HA
Mahler Si
21 SÁBAD(
CHRISTOPH KONIG director
CORO DE LA OFGC / LUIS GARCÍA SANTANA din
RAQUEL LOJENDIO soprano I GUSTAVO PEÑA tet
GÜNTHER GROISSBOCK ba¡o
Haydn La Creación*
CONCIERTO EN FAMILIA 4
SÁBADO 12 MARZO SAI A GARRIF 00 (OFGC) i;
\ "PULCINELLA" Música de Igor Stravinski
ADRIÁN LEAPER director
FERNANDO PALACIOS narrador
17 VIERNES 20 MAYO
JOHNAXELROD director I AF
Monasterio Concierto par
Chaikovski Sinfonía n° 4
\RA MALIKIAN "Por primera vez OFGC
Todos los conciertos se celebraran en el Auditorio Alfredo
Kraus a las 20.30 hs excepto el Concierto en Familia
OFGC: Paseo Principe de Asturias s/n
35010 Las Palmas de Gran Canaria
INFORMACIÓN: 928 472 570
www.ofgrancanaria.com
CULTURA
w. granea naria.com