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Revista del Teatro Cuyas
N°19
Junio-Julio 2005
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ELISABETH I,
EL ÚLTIMO BAILE
Un nuevo espectáculo de Lindsay
Kemp para celebrar la vida
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LAS MIL Y UNA NOCHES
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del libro de los
EL INVITADO
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Cabildo de
Gran Canaria
CULTURA
www.grancanaria.com
SUMARIO
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03 El castigo sin venganza
La Compañía Nacional de Teatro Clásico 5
más equilibrada y tardía de Lope de Vega
04 Entrevista a Eduardo Vasco
La Luna del Cuyas
'3 21 80 Fax 928 43 21 82
foHteatrocuvas.com
Nacional de Tea
algunas claves de una vers
06 Las mil y una noches
Un homenaje de Comediants al libro como vehículo de vida y
sueños evocadores, como contraposición a la barbarie y la
09 El invitado
Una comedia sobre los agobios y tribulaciones de los
desempleados cincuentones
10 Entrevistas con Joaquín Kremel y Julia Torres
Reflexiones en voz alta de una de las pare
12 Elisabeth I, el último baile
isay Kemp sintetiza en su última proauccion sus experiencias
:ada a las artes escénica;
13 Entrevista con Lindsay Kemp
El creador
Director Adjunto
Coordinadora de Redacción
Fotografía
Depósito Legal G.C.880-2001
Dirección de arte y Maquetacic
Imprenta
Taller postal / Envío suscriptores
Vía Directa Marketira
Cabildo de
Gran Canaria
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03 ARRIBA TELÓN/TEATRO
EL CASTIGO SIN VENGANZA
La muerte también habita en Arcadia
Eduardo Vasco
Teatro Clásico,
jirige este drama truculento de Lope de Vega
¡n el que las pasiones y los deseos sucumben
la Compañía Nacional de
te las convencit
Lope de Vega, para muchos el más grande
de los dramaturgos españoles, escribió cuatro
años antes de fallecer (cuando contaba con
70 años) El castigo sin venganza, un
conmovedor drama de amor y celos, que
señaló definitivamente al autor madrileño
como el maestro del Siglo de Oro, que supo
construir personajes de sólida factura
psicológica y articular un nuevo sentido y
alcance de la tragedia. La obra, poco
representada sobre los escenarios nacionales
y por ello poco conocida por el gran público,
ha sido ahora producida por la Compañía
Nacional de Teatro Clásico que dirige
Eduardo Vasco, que también firma la
dirección de este montaje inspirado en los
sucesos reales acaecidos en Italia en 14,'
novelados por Matteo Bandello.
Eduardo Vasco ha trasladado la acción de El
castigo sin venganza a los tiempos de la Italia
de Benito Mussolini, con el fin de dar cuenta
de la vigencia del texto, para elevar el plano
político del mismo y acentuar la tragedia,
cuyos ejes se condensan en un territorio
donde la lógica y la pasión se muestran como
elementos incompatibles. En un sistema
fascista esta obra encaja perfectamente; no hay
que adaptar ningún personaje, advierte Vasco.
En el reparto figuran los quince actores Jesús
Fuente, Fernando Sendino, Arturo Querejeta,
Eva Trancón, Savitri Ceballos, Francisco
Merino, Marcial Álvarez, Ángel Ramón
Jiménez, José Ramón Iglesias, Clara Sanchís,
María Álvarez, José Vicente Ramos, Daniel
Albadalejo y Nuria Mencía. Con una
escenografía casi nula que ha diseñado el
pintor y grabador José Hernández (Premio
Nacional de Artes Plásticas), en la que destaca
el piano que toca Ángel Galán y que domina
el escenario, la obra que ha recuperado la
Compañía Nacional de Teatro Clásico cuenta
también con vestuario de Rosa García
Andújar e iluminación de Miguel Ángel
Camacho.
Según José María Diez Borque, autor entre
otros títulos de Los espectáculos del teatro y
de las fiestas en el Siglo de Oro, El castigo sin
venganza, es una de las obras de Lope que
más sorprende por la humanidad y
atemporalidad y, a la vez, una de las más
profundamente inhumanas y sometida a las
limitaciones de un tiempo concreto. u.i íusitgj
sin venganza, una de las cinco mejores piezas
escritas en el Siglo de Oro, narra la historia
de un amor incestuoso entre Federico, hijo
bastardo del Duque de Ferrara, y Casandra,
su esposa. Víctimas de un destino imposible,
de un amor inevitable, viven un romance
particular durante cuatro meses de ausencia
del Duque. Será el plazo máximo de felicidad
plena que la vida les conceda. Lope enfrenta
en el Duque de Ferrara la idea del alienante
código del honor mancillado con la de amor
a un hijo, y fuerza al duque a construir una
mentira para que su honor quede impoluto
y evitar así que la verdad aparezca. El yo
político sobre el yo real; el hombre frente a los
otros como antítesis del hombre frente a su
conciencia, la naturaleza ante la convención
social, añade el director.
Lope escribe una obra equilibrada, preciosa y
desoladora a un tiempo y lo hace manejando
su talento y su oficio dramatúrgico, utilizando
como pilares miedos fundamentales y
combinando motivos tradicionales, la lírica y
el cuento popular con las maneras cultas, las
citas clásicas y los nuevos metros, señala Vasco,
uno de los directores que han estado ligados
a la programación del Teatro Cuyas desde
sus inicios, por medio de sus repetidas
apariciones en la cartelera con la Compañía
Noviembre Teatro. Esta historia se inscribe
en la tradición en la que primaba la
ejentplaridad histórica y la sensualidad. La
traducción francesa de la novela de Bandello,
que compara con Frcda a la protagonista de
esta historia que publicó en Le prime parte
delle novelle, y que es la que Lope tomó como
base, convierte a la obra en una tragedia más
truculenta, de una escabrosidad poco común
en su época, donde tienen especial
protagonismo el destino de los amantes, explica
Eduardo Vasco. El mundo barroco entra en
el mundo renacentista, y por eso Lope de Vega,
en esta pieza, castiga a los amantes, porque el
amor barroco quita la venda al amor idealista
del Renacimiento.
El castigo sin venganza, en palabras del
director de la Compañía Nacional de Teatro
Clásico, habla de un personaje prototipo, el
mal gobernante, paradigmático a la vez en el
vicio y en su fervor religioso; capaz de vivir al
5i( estricto sistema de valores, que pasa a ser
cornudo castigado, y luego ejecutor... Sin
escrúpulos y con una frialdad inaudita
transforma hábilmente un adulterio
incestuoso en una aséptica traición familiar
y política. Se trata de una pieza que Lope de
Vega españoliza introduciendo los conceptos
del honor, la religión, las excusas solapadas,
y la envidia, desencadenante de la tragedia y
es una obra que habla de cómo se garantiza
la jerarquía político social
MINISTERIO DE CULTURA
EL CASTIGO SIN VENGANZA
de Félix Lope de Vega
Compañía Nacional de Teatro Clásico
Dirección y versión: Eduardo Vasco
Días 24, 25 y 26 de junio (20:30h.)
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1e
le
2»
itio de butacas
r Anfiteatro bajo
' Anfiteatro alto
Anfiteatro
18.00
15.00
13.00
11.00
16.00
13.50
12.00
10.00
15.00
12.00
11.00
9.00
13.00
11.00
9.00
8.00
9.00
7.50
6.50
5.50
04 ARRIBA TELÓN / ENTREVISTA
EDUARDO VASCO
EL CASTIGO SIN VENGANZA ES LA PRIMERA GRAN TRAGEDIA DI EATRO ESPAÑOL
EDUARDO VASCO, DIRECTOR DE LA CNTC
duardo Vasco opina que Lope de Vega
quedaría fascinado por los textos de Mateo
Bandello, un modelo de literatura que
encaminó sus contenidos hacia la tragedia
más efectiva, el libertinaje y las venganzas
sangrientas. Queda seducido por un tipo de
relato donde prima la imaginación por encima
de la verosimilitud, describe licenciosas
costumbres y aborda situaciones en las que
tienen gran importancia ¡a sensualidad y los
conflictos amorosos entre personajes que se
muestran socialmente irracionales, empujados
casi siempre por el poder irrefrenable de un
amor extremo, comenta el director de El
castigo sin venganza, Eduardo Vasco, quien
considera dicho texto como la primera gran
tragedia del teatro español.
Para Vasco, siendo italiana la historia, acaba
pareciendo en la versión teatral de Lope de
Vega algo muy español: el honor que obliga,
que empuja a responder puntualmente y que
resulta tan frágil y fácil de perder como difícil
de recuperar; la reputación, la opinión de los
otros exige que la solución sea rápida, eficaz
v secreta. El poeta, sensible conocedor de su
tiempo, sabía que en el mundo de la apariencia
el honor es lo que mueve con más fuerza los
afectos, y la nobleza, que sustenta el orden
establecido, es el contexto idóneo para
plantearlos, ¡unto a esto, cómo no, finalmente
¡a envidia, también presente y determinante
en la historia como arma eficaz, anónima y
certera. El honor español de nuevo, que aparece
ineludible, una guerra como acto purificador
y el paso por Roma, a donde siempre han
acudido los hombres más viles, emperadores,
dictadores y asesinos unios a legitimar ante
el mundo sus vidas miserables. La religión
administrada por los hombres como moneda
ile cambio, como tantas veces a lo largo de la
Historia, y otra vez el honor como valor
irrenunciable y fuerza garante de los
estamentos sociales que ostentan los privilegios.
Pero el director manifiesta algunos reparos
sobre el repetido tema de la honra, que
considera un lastre de nuestro teatro clásico,
basada la mayor parte de su ingente
producción en dicho pilar. Es como el tema
que no puede ser contemporáneo porque ya
no se estila: las personas se divorcian y el
adulterio es una práctica común en las
sociedades modernas. Eso hace que un
dramaturgo como Shakespeare trascienda
mucho mas que Lope de Vega o Calderón.
Según estima Eduardo Vasco, en nuestra
realidad no estamos tan lejos de estos
gobernantes oscuros, maestros en ocultar la
verdad, ni de la preocupación por las
apariencias, ni de la envidia, ni de las guerras
religioso-económicas. Tampoco de creer que
la felicidad pueda ser eterna pese a todo lo
demás, cegados en nuestra propia Arcadia.
Lope condensa en El castigo sin venganza su
mejor técnica, su mejor verso, su experiencia
en la vida, su capacidad de adaptación a los
nuevos vientos. Realiza un esfuerzo titánico
de lucha contra el tiempo, que los ha envejecido
a él y a su arte, y asi en el llamado ciclo de
senectute nos encontramos algunos de sus más
bellos títulos. Y parece que quería componer
una tragedia, asi la nombra hasta tres veces,
genero de poca fortuna en España y no tan del
gusto del vulgo como lo fue en otros países.
Una tragedia a su manera, plagada de
momentos que dan relieve a los personajes,
escrita con el tono y altura necesarios que tal
género requiere y con algunos apuntes
sugereutes que nosotros hemos utilizado
tratando de reforzar el aliento, el fatum clásico:
Isabel Andreini, una actriz mítica de las
compañías italianas, que es citada por Lope
en tres de sus obras, aparece en El Castigo
como la probable voz que, premonitoriamente,
enfría el ánimo del Duque mientras escucha
el ensayo de una comedia. Otro cruce de
realidades y apariencias.
El director de la Compañía Nacional de
tardía de Lope, como en todo su teatro
último, el amor, que ha protagonizado su
dramaturgia casi de manera absoluta, es ya
otra cosa: no es un juego de galanteos y
satisfacciones entre damas y caballeros, ni
tampoco el enamoramiento cortesano doliente;
es una pasión compleja, poderosa y madura
que no entiende de formas, contextos ni
convenciones. Doblega toda voluntad a un
único deseo: la posesión del ser amado física
y espiritualmente, sin que nada más tenga
sentido. Una vez conseguido, abandona a los
amantes a su suerte, y ellos, ocupados, ebrios
en su labor, no recuerdan el viejo epitafio
latino. La muerte también habita en Arcadia.
UNA OBRA CANÓNICA DEL TEATRO ESPAÑOL
35 5
3
LOPE DE VEGA
Lope de Vega firmó en Madrid El castigo sin
venganza en 1634, y al año siguiente es
incluida en la Parte XXI de sus comedias,
aunque es en la edición de 1647 cuando el
editor incluye el revelador subtítulo Cuando
Lope quiere, quiere. Como en Castilla estaba
prohibido imprimir teatro por aquel
entonces, Lope tuvo que editarla en
Barcelona. Lope se basa en una historia
italiana escrita por Mateo Bandello
(1485-1561), basada en hechos reales, que se
publica en España en 1589 con el título de
Historias trágicas ejemplares. De Bandello
tomaría el dramaturgo argumentos y
recursos para más de una decena de
comedias y algunas de sus novelas.
Corrían los años más amargos de la vida del
dramaturgo (pierde a su hijo Lope Félix y su
hija de 17 años, Antonia Clara, se fuga con
un galán llevándose joyas y dinero), mientras
que Calderón, exultante (38 años más joven)
triunfa en los corrales y el escenario del
Palacio del Buen Retiro. La nueva generación
de dramaturgos empieza a transformar con
éxito las formas teatrales de la época y los
gustos de un público cortesano, predispuesto
a las nuevas sensibilidades. Lope de Vega debe
reaccionar y lo hace escribiendo una obra
que se encuentra entre las más bellas de toda
nuestra literatura dramática. Sólo una
representación de la mencionada obra se
llevó a cabo, ya que algunos estudios apuntan
a que fue censurada tras su estreno por
influencias de José de Pellicer, cronista de
Felipe IV, quien ya había sido ridiculizado
en otra comedia, La noche de San Juan, y en
algún soneto de sus Rimas de Burguillos.
Tanto Lope como Pellicer se venían
desacreditando mutuamente desde 1629, en
su batalla por hacerse con el cargo real que
finalmente obtiene Pellicer. El castigo sin
venganza volvió a representarse dos o tres
veces ya en fechas próximas a su muerte,
acaecida en 1635 en Madrid. En los últimos
veinte años han montado esta compleja pieza
del teatro español, Miguel Narros, en
Bruselas; Víctor Castillo, en México; Yolanda
Mancebo, en Chile, y Adrián Daumas, hace
dos temporadas, en el Festival de Teatro
Clásico de Almagro.
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06 ARRIBA TELÓN/TEATRO
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LAS MIL Y UNA NOCHES
f Quimera y caos entre memoria y futuro
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La compañía Comediants se inspira en la invasión de Irak para construir ^Jta^*
1 f* una metáfora fantástica sobre la codicia y los sueños del hombre
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£
Durante la invasión norteamericana y de
sus aliados europeos a Irak, fue incendiada
la Biblioteca Nacional de Bagdad. Más de
un millón de libros y otros importantes
tesoros bibliográficos de la cultura árabe se
quemaron y desaparecieron. A partir de
este suceso, Comediants se planteó concebir
un espectáculo homenaje al libro como
vehículo de vida y civilización ante la
barbarie y la codicia humanas que sólo
conducen a la destrucción. Los catalanes
regresan por segunda ocasión al Teatro
Cuyas, tras la presentación de su montaje
Bi, con una nueva aventura titulada Las mil
y una noches, en la que la imaginación y la
fantasía parecen no tener límites, y donde
el encuentro de culturas no se traduce en
un estallido de intereses contrapuestos, sino
en un fluir de vida y sueños evocadores. El
vehículo del montaje no es otro que El libro
de los libros, ese compendio de relatos orales
de la tradición de Oriente y Occidente que
ha inspirado a tantos escritores universales,
desde Cervantes a Humberto Eco, pasando
por Voltaire, Poe, Joyce o Borges.
Según explica el director y miembro
fundador de la compañía Comediants, Joan
Font, nos hemos acercado de puntillas a
Oriente a través de Las mil y una noches, y
nos ha invadido su música, sus aromas y una
barahúnda de situaciones y acciones, así como
un sin fin de personajes ingenuos, picaros,
crueles o generosos... Los hemos mirado con
nuestros ojos de occidentales del siglo XXI y
hemos hecho esta versión personal de las
historias que finalmente hemos elegido,
utilizando diversos lenguajes teatrales que
sirven para contar nuestra propuesta de una
manera directa y sencilla, sin traicionar el
propio lenguaje de nuestro libro elegido.
Las mil y una noches es un espectáculo en
el que Font comparte adaptación y
dramaturgia con Luisa Hurtado. Ocho
actores interpretan este evocador montaje
que cuenta con escenografía y vestuario
diseñado por el artista Frederic Amat;
coreografías de la colaboradora habitual de
Comediants, Montse Colomer, y dirección
musical del kurdo Gani Mirzo. Planteamos
una reflexión sobre creación y destrucción,
ficción y realidad, sobre la intemporalidad
de los sueños y el presente, la imaginación
y el materialismo, la fantasía y la verdad.
Nuestra propuesta teatral consiste en
articular estos dos mundos que se irán
entrecruzando: el real, obstinado en la
destrucción y el fanatismo, y el de la
imaginación y la fantasía como dique de
contención ante tanta atrocidad, señala
Joan Font.
Comediants llena de color y vitalidad el
escenario, empleando recursos tan
antiguos como la propia historia del
hombre, desde las sombras chinescas a la
pantomima, pasando por la danza o la
recitación. Así somos de osados y queremos,
como Sherezhade, engañar a la muerte y
demostrar que con imaginación, fantasía
y cultura, podemos, juntos con los
espectadores, detener la barbarie, prosigue
el director. Los espectadores navegarán
por mares procelosos hasta llegar a China,
India, Persia, Egipto... recalarán en
Bagdad y se bañarán en las orillas del
Eufrates.
El inicio del montaje de Comediants se
sitúa en abril de 2003, en plena guerra,
durante la invasión planificada por
EE.UU y sus aliados europeos al país que
lidera el dictador Sadam Hussein. Las
contradicciones que existen en Las mil y
una noches no han sido obviadas en la
dramaturgia de Font. La dualidad entre
el bien y el mal, el afán desmedido de poder
o riqueza, la generosidad sin límites, la
esclavitud, la risa, el racismo, la
homosexualidad, la envidia, la picaresca,
la hospitalidad, la venganza, el amor... en
definitiva, se trata de reflejar el río de la
vida y la muerte desde el origen de los
tiempos, continúa el director.
AYER FUE SARAJEVO,
HOY BAGDAD,
MAÑANA...
La moraleja que se esconde tras el alegato
contra la guerra en que se convierte la
producción Las mil y una noches, es que
no existe mayor crimen que el que se
comete contra la cultura de un pueblo.
Para la compañía catalana, borrar
deliberadamente las huellas de la historia
de una civilización, es un crimen
vergonzoso; pero hacerlo por intereses
bastardos disfrazados de ideales
democráticos, cuando lo que realmente se
ambiciona es la riqueza de ese país, es un
crimen contra la humanidad. Mirar hacia
otro lado porque no nos afecta en carne
propia -advierte la compañía en uno de
sus textos promocionales del montaje que
llega al Teatro Cuyas-, es olvidar nuestros
orígenes y es dejar que tal indignidad pueda
en cualquier momento, volverse contra
nosotros. Ayer fue Sarajevo, hoy Bagdad,
ir
>•
mañana....
f ■' ' W. «I
_ LAS MIL Y UNA NOCHES
\ COMEDIANTS
Dirección: Joan Font
■j Días 1, 2y 3 de julio (20:30h.)
Patio de butacas
1er Anfiteatro bajo
1er Anfiteatro alto
2o Anfiteatro
Inicial
24.00
21.00
18.00
15.00
B.10 T.20 T.30 T.50
21.50
19.00
16.00
13.50
■ "
'*
19.00 17.00 12.00
17.00 15.00 10.50
14.00 13.00 9.00
12.00 10.50 7.50
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T < ii
-
EL PODER INVOCATORIO™
h' twa. íí * DE UN LIBRO
™ T7- ^
Posiblemente ninguna otra obra anónima,
llena de narraciones trepidantes, crudo
erotismo y enseñanzas morales como las
contenidas en Las mil y una noches, haya
ejercido mayor influencia en la literatura
universal como lo ha hecho este cuento
cuyo número de relatos y su historia varía
según los países. No se conoce su autoría
y su origen parece situarse en la península
indostánica y de Persia. En sus laberintos
escritos y orales parece guarecerse el secreto
de nuestro gen cultural. Según ha
manifestado el escritor Juan Goytisolo, en
esta galaxia de relatos que van de la India
a Persia, de Persia a Bagdad, existe una
tolerancia que amortigua el rigor de las tres
religiones monoteístas. Es una mezcla de
enseñanzas, de ejemplos morales y desde
luego de fantasías. Según Mallarmé, el
mundo existe para un libro; según Bloy,
somos versículos o palabras o letras de un
libro mágico, y ese libro incesante es la
única cosa que hay en el mundo: es, mejor
dicho, el mundo. Como Las mil y una
noches.
Los temas que el libro propone aparecen
en la literatura del Siglo de Oro,
extendiéndose sus ricas ramificaciones a
los cuentos verdes de Bocaccio (recopilados
en un período de peste), el Conde
i4
Lucanor, Cervantes... La influencia de Las
mil y una noches en Goethe fue evidente a
lo largo de su vida, particularmente en su
libro Diván de Oriente y Occidente,
traducido al árabe. Joyce, Proust y otros
ilustres jardineros recogieron la semilla del
libro en sus parterres literarios privados.
Sus ecos están en El nombre de la rosa, de
Eco, así como se encuentran también en
los textos de Salman Rushdie. Al cerrar sus
páginas, el lector suele haber adquirido
una visión de conjunto de la sociedad
islámica: el Oriente de los siglos IX y X, un
imperio cultural unido en lo espiritual por
La Meca y, políticamente, por la señorial
Bagdad.
age:'nf Eifederic Amat
"I
II
■ i II
Comediants es un colectivo formado por
actores, músicos y artistas de todo tipo,
dedicado por completo al mundo de la
creación. Hijos de la escuela del teatro
independiente de Barcelona, la
formación, que nació bajo el signo de la
transgresión y la provocación, es
básicamente conocida como grupo
teatral desde su fundación, acaecida en
1971, si bien cuenta en su haber con una
variada producción en los campos más
dispares: diseño, edición discográfica,
proyectos festivos, películas, vestuario,
materiales pedagógicos o series de
televisión, son algunas de las diferentes
actividades en la que el citado grupo ha
ido desarrollando, ya sea con voz propia
o ajena, su particular forma de expresión,
basada en un teatro de los sentidos; un
teatro de colores, aromas y texturas.
Desde sus orígenes, Comediants ha estado
unido a lo que podría denominarse el
espíritu festivo de la existencia humana,
a todos esos ritos, ceremonias paganas,
populares, religiosas o iniciáticas, que
suelen celebrar el paso cíclico de los
humanos en la tierra. Sus espectáculos
buscan siempre reactivar las profundas
raíces festivas que nos cohesionan como
especie y que nos conectan con la
naturaleza de la que formamos parte.
En sus treinta y tres años de existencia,
la compañía ha demostrado que cualquier
espacio público puede convertirse en
improvisado escenario: desde el
Acueducto de Segovia al Estadio
Olímpico de Montjuic, pasando por la
estación de metro de Time Square. Entre
sus proyectos especiales, figura el
espectáculo Los genios del fuego, planteado
para la ceremonia de apertura de los
Juegos Olímpicos de Barcelona 1992; La
magia del tiempo, una creación para la
Exposición Universal de Sevilla de 1992;
1001 Noites, un macroespectáculo de
presentación de la Expo de Lisboa de
1998, o Neruda, adelante. 100 años de
viaje, una cabalgata de homenaje a Pablo
Neruda celebrada en Santiago de Chile.
H
Han estrenado durante estas tres décadas
los montajes Non Plus Plis, La Nit,
Dimonis, Mediterrania, T.E.M.P.U.S, El
pájaro de mil colores, Bi y El árbol de la
memoria, entre otros. También han
dirigido óperas y espectáculos musicales
como La flauta mágica, d'Ópera y Orfeo
ed Euridice.
¿Su objetivo? Además de plantear un
teatro de los sentidos, plantear al público
la posibilidad de la provocación que
supone el optimismo frente a ciertas
realidades actuales. La provocación que
supone redescubrir lo cotidiano frente a
la imparable rueda del tiempo. Y,
finalmente, la provocación del compromiso
con el presente, el abrir los ojos a la gente
para que vuelva a ver el mundo como una
maravillosa gran casa de cultura y amistad,
de la que todos tenemos que cuidar antes
de que sea demasiado tarde.
m,
. ><
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09 ARRIBA TELÓN/TEATRO
EL INVUADO
LA ÚLTIMA OPORTUNIDAD
Julia Torres, Joaquín Kremel, Fernando Lage y José Luis Santar protagonizan la delirante comedia
del autor francés David Pharao, sobre la apretada situación de un parado cincuentón, su esposa y
su incómodo vecino
Estrenada en junio del pasado año en
Badalona, la comedia que dirige y
coprotagoniza Joaquín Kremel, El invitado,
del autor francés David Pharao, a buen seguro
volverá a cautivar a los espectadores del Teatro
Cuyas, como hizo la última propuesta
interpretada sobre este escenario por Kremel
y su esposa, Julia Torres, Un marido de ida y
vuelta. Ahora, con una obra que condensa
crueldad, sátira y excelentes dosis de
inteligente humor en su texto, se presenta
Kremel como director tras su respetada
interpretación del monólogo Vía dolorosa de
David Haré. ,„ s.
Los personajes en El invitado están clarameni
definidos. Álex (Joaquín Kremel), es el vecino
de la pareja; una especie de gurú en fórmulas
mágicas sobre el éxito, tonificadas casi siempre
a base de tópicos sociales. El señor Miralles
(José Luis Santar), es el ejecutivo que en una
cena podría transformar la situación de
Mariano (Fernando Lage), el marido de
Candi, que consume su cincuentena de clase
media-baja en paro entre su arisco carácter y
su afición a los trenes eléctricos, y Candi (Julia
Torres), que vive y padece haciendo
crucigramas el drama del desempleo de su
esposo. Los mundos depresivos de Mariano
se articulan en ese piso en donde todos los
meses se vive con el agua al cuello. Joaquín
Kremel describe a su personaje como un
enredador, una especie de mosca cojonera que
introduce a la pareja en el mundo de la ópera
y el arte contemporáneo, sometiéndoles a
continuas pruebas para que dejen de ser ellos
mismos, Y Julia Torres dibuja con los trazos
de la discreta desdicha la silueta de Candi: se
trata de una mujer sometida y sufridora.
La pasión de Mariano ya no es su mujer, sino
su circuito de trenes montado por toda su
casa. La languidez se apodera de ambos
mientras aguardan cada final de mes el
ingreso del paro en su escuálida cuenta
corriente.
EL INVITADO
de David Pharao
Dirección: Joaquín Kremel
Días 8 (20:30h.l. 9 (19:30h.
y10dejulio(20.30h.l
Inicial
Patio de butacas 18.00
1er Anfiteatro bajo 15.00
1er Anfiteatro alto 13.00
2° Anfiteatro 11.00
y22:30h
B.10
16.00
13.50
12.00
10.00
.1
T.20
15.00
12.00
11.00
9.00
T.30
13.00
11.00
9.00
8.00
T.50
9.00
7.50
6.50
5.50
■
El público se ríe durante las dos horas de la
función, pero entre risa y risa, David Pharao
sutilmente nos abruma con algunas pildoras
de evidente profundidad. La escenografía es
sencilla y responde a la de una vivienda
modesta, decorada con cierto mal gusto a
propósito. Allí viven Candi y el irritable
Mariano, a quienes se les presenta quizá la
última oportunidad de poder coger el tren
que los devuelva a los alivios de la vida
desahogada con la visita del señor Miralles.
10 ARRIBA TELÓN / ENTREVISTA
JOAQUÍN KREMEL y JULIA TORRES
CUANDO DEJAMOS DE SER QUIENES SOMOS, POR LO GENERAL, ES CUANDO HACEMOS EL RIDÍCULO
Joaquín Kremel estima que la obra de
David Pharao, que ha sido todo un éxito
en París durante dos años, utiliza la misma
estrategia que Charles Chaplin para
conseguir la complicidad del espectador y
hacerlo reír de las cosas más dramáticas de
la vida. Gracias a ese don tan inteligente que
es el sentido del humor, consigue que algo
que nos resulta incómodamente trágico, se
convierta en una posibilidad para la
carcajada. El invitado es una comedia
superdivertida, llena de situaciones delirantes
sobre las vicisitudes de una persona en paro
a punto de cumplir la edad que empieza a
marcar los límites de su cuota productiva
para la sociedad. Es una sátira sobre la
convivencia vecinal, el mundo laboral y sobre
las convenciones sociales establecidas
alrededor del trabajo como instrumento de
identidad individual. Todas las situaciones
que Pharao describe en este montaje son
fácilmente asumidas por un público, que se
identifica con todo cuanto acontece en el
escenario. Situaciones que inciden en la
relación de pareja entre Candi y Mariano.
La lección o moraleja de la obra es que no
tendríamos que dejar de ser quienes somos
para poder acceder a aquello que
pretendemos. Cuando dejamos de ser quienes
somos y cómo somos, por lo general, es
cuando hacemos el ridículo.
El actor asegura que una buena comedia
tiene la gran dificultad, y por ello hay tan
pocos autores que las escriban desde la
inteligencia, de facilitarle al público ciertas
claves simbólicas para su salvación y
desahogo. Escribirlas, interpretarlas y
dirigirlas es muy complicado. O es fácil o es
imposible. Requiere de una habilidad y una
sensibilidad especial. En general no se valora
este género y la dificultad que comporta. Su
grado de complicación es inversamente
proporcional a la facilidad con la que llega
al público. Se coloca delante del espectador
la vida misma desde el prisma del sentido
del humor. España en el fondo es un país más
cachondo que muchos otros, pero es verdad
que este mundo agobiante y estresante,
empieza a agriarnos.
Por su parte, Julia Torres, esposa en la vida
real de Kremel, manifiesta que David Pharao
hace que los personajes de El invitado se
revuelvan sobre su propia agonía y den una
pirueta en el aire con la que puedan
enfrentarse a las situaciones límites que se
van presentando. En la función el público
reconocerá los rasgos de muchos Marianos y
de muchas Candis. El invitado, en realidad,
puede ser cualquiera de los dos personajes que
encarnan el moderno Joaquín Kremel o el
ejecutivo Fernando Lage. ¿A quién se han
acostumbrado a esperar tanto Mariano como
Candi?, se pregunta Julia Torres. Uno se
invita a sí mismo y el otro es un invitado en
regla.
SíCremel, que ya está trabajando en su
«>róximo proyecto teatral en el que estará
Bisociado con Pedro Osinaga para producir
Wuna nueva versión de La extraña pareja, de
Neil Simón, que será dirigida por el
tinerfeño Juan José Afonso, explica que
David Pharao ha imprimido el ritmo de la
fórmula narrativa televisiva a esta función.
Sobre ello, Julia Torres opina que el montaje
también posee muchas dosis de intriga y
confusión. Sus diálogos son concisos,
modernos, cortos y directos. Pharao no se anda
con filosofías, porque el espectador la halla
dentro de la función. No explica nadaporque
la vida real no hace falta explicarla. Hablamos
de una comedia fresca que tiene las tramas
de un guión televisivo, pero con más hondura,
porque ésta es una obra para reír y pensar. En
El invitado no hay autocompasión ni
mojigatería porque no es un melodrama para
llorar.
El texto del autor francés llegó hace unos
años a las manos de la pareja. Resultó ser
un buen juguete para producirlo y
compraron sus derechos. Es la primera vez
que se representa en España un texto de
David Pharao.
Joaquín Kremel
y Julia Torres en
UN MARIDO DE IDA Y VUELTA
TEATRO CUYAS ITemporada 2002-20031
¿DE QUÉ SE RÍE DAVID PHARAO?
El autor del texto de esta comedia es el
francés David Pharao, un director de
teatro y televisión que en su adolescencia
escribía poemas y tragedias en verso.
Mientras lee a Rousseau y Lamartine
descubre, con dieciséis años, la genialidad
de Chaplin cuando reponían en París su
celebérrima parodia sobre el capitalismo
y las deshumanización del individuo,
Tiempos modernos. Después de Charles
Chaplin y Charlot vendrían
Beaumarchais y Fígaro, Hornero y
Penélope. De todos ellos aprende que los
buenos personajes son aquéllos que se
debaten por superar la desgracia y el
abismo para tratar de alcanzar sus
sueños. El invitado es su última obra
teatral, y en ella se acomoda
perfectamente esa voluntad suya de
servirse del género como fin: Mi
preocupación en este montaje no es
tanto que se ría la gente, sino que se rían
justificadamente de algo.
La vida cotidiana para Pharao, a veces
trágica, a veces irónica, pero siempre
agridulce y nunca exenta de humor, es
un memorable combate sin fin. Desde
que salió del Conservatorio de Arte
Dramático se ha dedicado al teatro como
forma de vida e instrumento con el que
alimentar su insaciable voluntad de vivir
emociones intensas. El teatro es el último
espacio de libertad para un autor, siempre
y cuando te entregues con sincera voluntad,
declara.
Tras abandonar su faceta como actor,
David Pharao desarrolla desde los años
setenta, una notable actividad como
autor y guionista de distintas series para
televisión. Se siente cómodo con el
género de la comedia: Una comedia
siempre es una arriesgada apuesta, porque
una obra que no desate la risa del público
es un fracaso estrepitoso. En una comedia
a uno no le engañan. Sin identificarse, se
tiene una distancia suficiente para poder
juzgar al otro. En la comedia el espectador
es necesariamente cruel. La ironía
dramática consiste en ofrecer al público
las claves que no ofrecen a simple vista
los personajes, para que de esta manera,
el trío alrededor del que pivotan las
máximas de la comedia -superioridad,
dominación y crueldad-, encuentren
correcta cabida.
El montaje El invitado fue candidato a
cuatro premios teatrales Moliere en el
año 2004.
12 ARRIBA TELÓN/ESPECIAL
ELISABETH I, EL ULTIMO BAILE
El argumento de la vida también se deshace para la reina
co Lindsay Kemp cierra
un espectáculo fascinante y mági
el cuento y la tragedia
a medio c
ada del Teatro Cuyas, protagomzant
o entre la ópera y la dramaturgia,
/ ¿m
Cuyas vuelve a cerrar su temporada con otro
gran espectáculo, Elisabeth I, el último baile,
dirigido y protagonizado por uno de los
creadores más prolíficos, polifacéticos y
respetados de la escena europea, el británico
Lindsay Kemp. Fste cuento fantástico que
mezcla verdad y fantasía, así como diferentes
géneros teatrales, se inspira en la vida de la
hija de Enrique VIII y Ana Bolena, Elisabeth
I, la reina virgen que restaure') el
protestantismo y acabó ordenando la
ejecución de María Estuardo y de su último
gran amante, el conde de Essex. El 'Teatro
Cuyas nuevamente se alia con algunos de los
centros nacionales más prestigiosos como el
Teatro Arriaga de Bilbao, el Palacio de
Festivales de Cantabria, el Gran Teatro de
Córdoba y el Teatro Calderón de Valladolid
además de Concha Busto Producción y
Distribución S.L., para llevar a cabo la
coproducción de este fascinante montaje
poético que aborda, desde la perspectiva
ensoñada de una mujer moribunda, los
últimos días de la reina que encarnó el mito
de la inviolabilidad de Inglaterra.
Elisabeth I, ailc, da comienzo con
Durante noches enteras sin dormir, mientras
deambula por las estancias de su palacio,
revive inmóvil los amores y los dramas de
toda una existencia marcada a luego por
turbulentos sucesos; bailando para protegerse
de la muerte que se acerca con sigilo. A través
de esta imagen, quizás de luí modo más
intenso que nunca, Lindsay Kemp interpreta
los paradigmas que lo han obsesionado
siempre: la vulnerable línea que existe entre
la vida y la muerte, el amor y el dolor, la
belleza y la destrucción, la locura y la
esperanza...
El actor, que encarna el papel r
femenino de Elisabeth I, como
Salomé, hadara o Violetta-Camil
elige desafiar los límites del géi
identidad. Elisabeth soy yo, se
grandes compositores disabe
Dowland, Tallis o Byrd, y a f
obras de Donizetti, Rossini a
dibujar con sensibilidad de etic
hizo con
de nuevo
completamente dominada por los hombres,
en un período de intensas tempestades
religiosas y políticas por toda Europa.
Ayudándose asimismo de imágenes visuales,
gestos, luces, trajes y emociones, Kemp es
capaz de crear con una escenografía que
El elenco del que se rodea el escenógrafo,
actor, bailarín y director Lindsay Kemp,
nacido en Liverpool hace 67 años, en esta
nueva propuesta es soberbio. Nuevamente
cuenta con la asistencia de David Haughton,
su mano derecha desde hace treinta años; el
compositor chileno Carlos Miranda; la
diseñadora de vestuario Sandy Powell, que
ha obtenido dos Osear por sus trabajo en las
películas Shakespeare in lave (1998) y El
aviador (2005); y los actores, bailarines,
músicos y cantantes Nuria Moreno, Marco
Berriel, Francois Testory (colaboradores de
Kemp en las últimas dos décadas), Gianluca
Margheri, Angelo Smimmo, Jordi Buxó,
Francesca Fusari y Jan Cizmar, todos ellos
nuevos talentos que se han sumado a esta
nueva empresa.
ELISABETH I, EL ULTIMO BAILE
Lindsay Kemp & Company
Dirección: Lindsay Kemp
Coproducción del Teatro Cuyas, Teatro Arriaga
de Bilbao, Gran Teatro de Córdoba,
Palacio de Festivales de Cantabria,
Teatro Calderón de Valladolid
y Concha Busto Producción y Distribución S.L.
Dias U, 15, 16 y 17 de julio (20:30h.)
,*.?? 11
ENTREVISTA
LINDSAYKEMP
Trasciendo la realidad de todos los días y llego allí donde todos
somos hombres y mujeres indistintamente
El creador británico aconseja al público
que disfrute de su última propuesta, cuyo
espíritu resulta ser muy operístico,
dejándose llevar por la música, por el hechizo
visual y sonoro para entraren un mundo de
ensueño bailado entre el amor y la muerte.
La obra constituye una celebración de la
vida. Siempre he intentado vivir como si
cada momento pudiera ser el último, y he
intentado animar a los demás a hacer lo
mismo. Quizás eso es lo que persigo con
Elisabeth I: demostrar la síntesis de las
experiencias de una vida entera en todas las
artes escénicas; que cada momento es una
baile que hay que bailar como si fuera el
último. Lindsay Kemp asegura que
Elisabeth I representa para los ingleses una
figura casi mitológica, y simboliza una edad
de oro cultural en una época histórica
tumultuosa desde el punto de vista político
y religioso.
Posiblemente, el papel que afronta el actor
sea el más comprometido de cuantos ha
interpretado caracterizado de mujer hasta
la fecha. Los personajes tarde o temprano
son los que me eligen a mí. Todos mis
espectáculos son de algún modo un
autorretrato, y se nutren de figuras de
personas reales o imaginarias que me han
acompañado a lo largo de mi vida. Han sido
como señales en el camino hacia esa
búsqueda de la identidad, y esta reina ha*
sido uno de estos personajes emblemáticospara
mí desde que lo descubrí con cinco años.
Mi fascinación por Elisabeth I nació con esa
edad, cuando acompañado de mi madre
acudí al Cine Imperial, en South Shields
para ver a Bette Davisy Errol Flynn en Las
vidas privadas de Isabel y Essex; nada más
regresar a casa me dediqué a interpretar la
película, convencido de que era Errol Flynn,
Bette Davis, la reina Isabel... La
extravagante figura de este personaje
sobrenatural atrapado en las intrigas del
amor siempre lia formaao permanentemente
parte de mi identidad. La atracción -aparte
de ser mi período preferido de vestuario- fue
reúne mezcla ae
la privada, pero también su estatus mítico
como Gloriana, La reina virgen, el símbolo
de la cultura inglesa en plena florescencia,
la Edad tsabelina, Shakespeare, el teatro...
Sobre esa disponibilidad artística suya para
encarnar papeles femeninos como los
interpretados en Flowers, basado en el libro
de Jean Genet, Santa María de las flores, o
Salomé, Lindsay Kemp explica que he buscado
trascender el sexo. Creo que uno de los puntos
de contacto con mi público es trascender la
identidad de todos los días y llegar allí donde
todos somos hombres y mujeres
indistintamente. También, por oro lado, vivir
el conflicto, la relación tan compleja entre estos
dos aspectos de cada uno de nosotros. La verdad
es que siento fascinación por las figuras
carismáticas; figuras que, prescindiendo de su
sexo, han tenido algún tipo de locura heroica.
Es decir, figuras muy frágiles, pero al mismo
tiempo dotadas de mucha fuerza interior para
afrontar todos los obstáculos, incluidos la
realidad.
Según Lindsay Kemp, el pasado vivido en el
inspiración, dentro y fuera del escenario;
mirando por delante hacia el pasado, y
mirando atrás hacia el futuro, señala el
director. Sobre la controvertida virginidad de
dos décadas presionada por la necesidad de
la sucesión hereditaria del trono, Kemp
recuerda que la reina siempre declaraba que
tenía cuerpo de mujer, pero que su corazón era
el de_ un rey. Sus juegos de amor con
•muchísimos hombres fueron episodios comunes
en su-rfida. Al final se quedó sola, porque su
fuerza era ésa, no deseaba compartir con nadie
su vida. Se aprovechó de la fragilidad de ser
una mujer apasionada, pero con la voluntad
de hierro de su aspecto masculino. A su madre
le cortaron la cabeza cuando ella tenía tres
años, y vivió siempre temiendo ser ejecutada.
Este espectáculo que coproduce el Teatro
Cuyas retrata el momento final de la vida de
la reina. La base de la obra son los sueños de
Elisabeth I. En el momento de su delirio final,
revive las tramas de su existencia pasada, y sus
cortesanos se convierten de manera confusa en
los protagonistas de la historia de su vida.
14 ARRIBA TELÓN / ESPECIAL
LINDSAY KEMP, UN INNOVADOR
DEL TEATRO Y LA DANZA
Lindsay Kemp nació en 1938 en la
ciudad que se prepara para asumir la
capitalidad cultural europea dentro de
tres años. En Liverpool, también ilustre
por ser la población en la que crecieron
los Beatles, estudió el actor y director
británico con Marie Rambert, Chales
Weidman y Sigurd Leader, sus primeras
enseñanzas de danza y teatro. En 1964
funda la Lindsay Kemp Company, un
laboratorio de creación en el que se
sintetiza su flexible concepción artística
de los distintos lenguajes teatrales. Nacen
entonces sus coreografías coloristas de
gran belleza visual donde la palabra cede
ante la magia de la danza, la música y la
imagen.
Produce su primer gran montaje,
Flowers... a pantomime for Jean Genet,
al que seguirán Salomé, Woyzeck y otras
entregas de vanguardia. En 1972, su
dirección teatral de los conciertos Ziggy
Stardust de David Bowie (ex miembro
de su compañía), transforma el concepto
de la producción de estos grandes
eventos musicales. En 1974, con el
estreno en Broadway de una nueva
versión de Flowers, Kemp inicia el
período de oro con su compañía. En los
quince años siguientes, el creador se
consagra internacionalmente como uno
de los espíritus más renovadores y que
más influencia había ejercido en el
ámbito del teatro-danza.
En el cine ha representado papeles
protagonistas en varios largometrajes,
como Savage Messiah, de Ken Russell,
Sebastian y Jubilee, de Derek Jarman,
entre otros. Ha creado obras de danza
para varias compañías importantes
como el Houston Ballet, Australian
Dance Theatre, Introdans de Holanda,
o Rambert Ballet, y en el apartado
operístico, ha dirigido, El barbero de
Sevilla, de Rossini (1995), y La flauta
mágica, de Mozart (1998). Sus últimos
trabajos son Thefairy Queen, de Henry
Purcell, Madame Butterfly, de Giacomo
Puccini, La Traviata, de Giuseppe Verdi,
y Sueño de una noche de verano, de
Benjamín Britten. De su más reciente
producción Elisabeth I, el último baile,
ha explicado que es la obra que
representa su madurez, que retrata cómo
se siente ahora con 67 años, y cómo
enfoca su arte en este nuevo siglo.
INSTANTES
DRAMÁTICOS
Como Donizetti, también Lindsay Kemp
ha introducido en esta producción una
historia que nunca ocurrió en la vida
real: el encuentro entre Elisabeth, que
interpreta el propio actor británico, y
María Estuardo, que encarna la actriz
española Nuria Moreno. Este pasaje
imaginario es uno de los instantes más
poderosos de la obra. Estigmatizada por
el iracundo sentimiento de su padre,
Enrique VIII, que siempre consideró el
nacimiento de Elisabeth, su segunda hija,
como el error más grave de su vida, la
reina hace un delirante balance de su
vida en la antecámara de la muerte.
Como Genet, Baudelaire o Rimbaud,
Lindsay Kemp ha mostrado su
fascinación por la teatralidad ritual de
la muerte en muchos de sus
espectáculos. Los flashbacks temporales
en Elisabeth I, el último baile, están llenos
de voces, de extractos de cartas
personales, de secretos apenas
susurrados, pero sobre todo de música.
El espectacular vestuario diseñado por
Sandy Powell no pasa desapercibido para
el público, insertándose en un marco de
sombras e iluminando y estilizando
majestuosamente toda la escena, a la vez
que creando no sólo formas, sino colores
intensos y vivos. Barroquismo y
simplicidad determinan esta obra en la
que Lindsay Kemp se propone como
pintor de emociones, esparciendo todos
los colores de su paleta sobre el
escenario, con un pincel que traza líneas
de tonos muy depurados.
V
*y
LA PAGINA DEL CUYAS 15
TARJETAS DEL TEATRO
Si usted compra simultáneamente tres
entradas para tres espectáculos diferentes,
se le aplicará el BONO 10, por lo que se
beneficiará de un descuento del 10%. El
Bono 10 se podrá renovar cada vez que
se compren simultáneamente entradas
para otros tres espectáculos diferentes.
Para ser titular de la TARJETA 20 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de cinco entradas para cinco
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 20% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá
adquirir posteriormente entradas con el
mismo tipo de descuento a lo largo de la
temporada vigente. Disfrutará además de
un período prioritario de compra que será
anunciado convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 30 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de diez entradas para diez
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 30% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá adquirir
posteriormente entradas con el mismo tipo
de descuento a lo largo de la temporada
vigente. Disfrutará además de un período
prioritario de compra que será anunciado
convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 50 es necesario
acreditar que es usted jubilado o pensionista
mayor de 65 años y que sus ingresos
mensuales no son superiores al salario
mínimo interprofesional.
La TARJETA 50 supone un descuento
aproximado del 50% sobre la tarifa inicial.
CONDICIONES DE USO
Tienen carácter personal e intransferible. Su vigencia es anual (de temporada en temporada). Deberán mostrarse en la taquilla en el momento de efectuar la adquisición
de las entradas junto con el DNI, y podrán ser solicitadas en la entrada de los espectáculos. El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a estos
descuentos. Los descuentos serán aplicados en el momento de efectuarse la compra. En ningún caso después de haberse emitido la entrada. No se admitirán cambios ni
devoluciones de las entradas.
OTROS DESCUENTOS
CARNÉ JOVEN EURO 26
Presentando el carné joven Euro 26 junto
con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
MENORES DE U ANOS
Presentando el DNI o el libro de familia,
podrá adquirir automáticamente la
tarjeta 30.
CARNE UNIVERSITARIO
Presentando el Carné de Estudiante
Universitario de la ULPGC, junto con
el DNI, podrá adquirir automáticamente
la tarjeta 30.
DESEMPLEADOS
Presentando la tarjeta de desempleo de
la ACE junto con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 50.
PENSIONSITAS 0 JUBILADOS,
MAYORES DE 65 AÑOS
Acreditando que es jubilado o pensionista
mayor de 65 años, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
Para beneficiarse de estos descuentos ,
tanto a la hora de adquirir localidades
como para acceder a la sala, deberá
presentar los documentos pertinentes.
PRECIOS DE GRUPOS
Existen descuentos especiales para grupos
concertados a partir de 14 personas.
DISCAPACITADOS EN SILLA DE
RUEDAS
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento
aproximado del 40% sobre el precio de
la localidad de patio de butacas.
VENTA DE LOCALIDADES
HORARIO DE TAQUILLA
de 11.30 h. a 13.30 h.
y de 17.00 h. a 20.30 h.
Teléfono: 928 432181
Oficinas: 928 432180
rv "
Venta telefónica de entradas
902 405 504
Los días de espectáculo la taquilla
permanecerá abierta hasta la hora
de comienzo del mismo.
Una hora antes del inicio de
cada función no habrá venta
anticipada.
Los días de función, a partir de las
18:30, no se expedirán tarjetas del
teatro.
Sólo se aplicarán descuentos a tarjetas
que hayan sido actualizadas.
■ En el momento de retirar las entradas,
rogamos compruebe la fecha, hora, importe
y numeración de sus localidades.
■ No se admiten cambios ni devoluciones
de las entradas.
■ El Teatro no garantiza la autenticidad de
las entradas que no hayan sido adquiridas
en los puntos oficiales de venta.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
establecer un cupo máximo de venta de
localidades por persona y espectáculo.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
modificar el aforo en virtud del tipo de
espectáculo programado.
■ Las entradas de foso (filas A y B) se pondrán
a la venta discrecionalmente por el Teatro,
sin la anticipación del resto de localidades,
en función de las características técnicas y
artísticas de cada espectáculo.
■ Las localidades del Teatro Cuyas están
subvencionadas por el Cabildo de Gran
Canaria. Ninguna reventa de las mismas
está autorizada por el Teatro.
■ Se ruega MÁXIMA PUNTUALIDAD.
Una vez comenzada la representación, y
en función de sus características, el Teatro
se reserva la posibilidad de retrasar o
prohibir la entrada en la sala.
■ Se prohibe entrar con comida y bebida
en la sala, así como con animales, excepto
perros guía. En este caso se aplicará la
normativa vigente.
■ No está permitido fumar en el interior
del Teatro.
■ Está terminantemente prohibido
cualquier tipo de filmación, grabación o
realización de fotografías (con o sin flash)
en el interior de la sala.
■ Se prohibe la entrada en el recinto con
cualquier objeto que la organización
considere peligroso.
■ En atención a los artistas y al público,
se ruega eviten cualquier tipo de ruido
durante la representación, tanto en el
interior de la sala como en los vestíbulos,
pasillos y escaleras.
■ Se ruega desconectar los teléfonos
móviles, alarmas o cualquier otro tipo de
señal acústica en el interior de la sala.
■ En espectáculos con pausa, conserve la
contraseña.
■ El Teatro dispone de espacios habilitados
para minusválidos, situados en el patio de
butacas.
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disposición de los espectadores.
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POBLACIÓN:
TELÉFONO:
SEGUNDO APELLIDO:
DIRECCIÓN:
C.P.:
MÓVIL:
NOMBRE:
DNI:
E-MA1L:
FIRMA:
U TERNURA MOLOTOV LA CELESTINA
LA LLUVIA HORIZONTAL CUMPLEAÑOS FELIZ!
ZALAKADULA
FABRICA/Cluster
LA ZAPATERA PRODIGIOSA
LMACENADOS
EL INVIERNO BAJO LA MESA
EL REY LEAR
LA VERDAD SOSPECHOSA
ELISABETHI: El último baile