Revista del Teatro Cuyas
N°20
Septiembre-Octubre 2005
EL PERRO
DEL HORTELANO
Lope pone a prueba
la capacidad del teatro canario
LA REINA DE LAS NIEVES
Un musical para grandes y pequeños
sobre cuentos de Andersen
COMO AGUA PARA CHOCOLATE
Cocina para alimentar la pasión amorosa
MI QUERIDO EMBUSTERO
Norma Aleandro y Sergio Renán,
amores clandestinos
QUIJOTE
Una ingeniosa epopeya sobre el
caballero de la triste figura
A VUESTRO GUSTO
Tamzin Townsend dirige el Shakespeare
con más acento canario de la historia
Cabildo de
Gran Canana
CULTURA
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SUMARIO
04
LA REINA DE LAS NIEVES
Y OTROS CUENTOS DE ANDERSEN
Un espectáculo que nos habla del triunfo
de los sentimientos frente a la razón
P7
MANUEL ROMÁN
Nos anima a regresar a
los escenarios de la infancia
08
COMO AGUA PARA CHOCOLATE
La versión teatral del sabroso cuento
de Laura Esquivel sobre el amor imposible,
llega al Teatro Cuyas de la mano
de la compañía AdosTeatroa
11
ENTREVISTA A GARBI LOSADA
Hay algo mágico en el hecho de que
no se pueda vivir sin amar
12
MI QUERIDO EMBUSTERO
¿Qué se esconde detrás de las
palabras cuando hablan de amor?
U
ENTREVISTA A NORMA ALEANDRO
La única arma para luchar contra los
prejuicios sociales es el amor y la verdad
15
ENTREVISTA A SERGIO RENÁN
El teatro debe generar emoción
y reflexiones a partir de la indagación
de las zonas más hondas de la realidad
16
EL PERRO DEL HORTELANO
Un triángulo amoroso de celos
y pasiones reprimidas
18
ENTREVISTA A NICOLÁS FERNÁNDEZ
El fin último de todo texto dramático
es su representación, por lo que sin
espectador no habría teatro
20
QUIJOTE
Un montaje que reivindica
la utopía que encierra
el personaje de Cervantes
22
ENTREVISTA A SANTIAGO SÁNCHEZ
Queremos contar una historia
del ser humano al ser humano
24
A VUESTRO GUSTO
Una de las mejores comedias de
William Shakespeare tiene
sello de denominación
de origen grancanario
25
ENTREVISTA A TAMZIN TOWNSEND
El espectador debe sentir que
desde el otro lado del escenario
no lo tratan como a un tonto
27
TOCATEATRO
Una iniciativa pionera en la difusión
del teatro en España entre los jóvenes
28
HORARIOS Y PRECIOS
29
LA PÁGINA DEL CUYAS
LA REINA DE LAS NIEVES
Y OTROS CUENTOS DE ANDERSEN
La colosal fábula de la vida
El espectáculo musical para toda la familia que inaugura
la temporada del Teatro Cuyas, se convierte en un viaje maravilloso
por un universo fantástico en el que todo es posible
c
05
El Teatro Cuyas inaugura su séptima tempo
rada 2005-2006, con un espectáculo musical
concebido para toda la familia, La Reina de
las Nieves y otros cuentos de Andersen, una
producción eminentemente visual, que
recoge la iconografía plástica y el espíritu
fantástico del cuentista danés nacido hace
200 años. Manuel Román dirige este montaje,
que ha optado por incluir en su dramaturgia
las historias más reconocibles y también
algunas de las menos escuchadas de Andersen,
como El traje nuevo del emperador, La
sirenita, El cerro de los duendes, El firme
soldadito de plomo o El patito feo. De todos,
uno reclama nuestra atención por encima de
los demás, La Reina de las Nieves. Por su
estructura de viaje, por el calado de sus
personajes, por su capacidad de sugerencia y
por su planteamiento a la vez sencillo y lleno
de significados.
Andersen fue un gran amante del teatro, y en
sus cuentos se pueden tocar las texturas de las
telas de los vestidos, escucharse los sonidos
del bosque y de los animales, sentirse el frío
de los paisajes nevados o la luz deslumbrante
del desierto. Pero sobre todo, sus cuentos son
un viaje maravilloso en busca de la belleza y
la armonía por un universo fantástico donde
todo puede ser posible, como en el escenario
de un teatro. La Reina de las Nieves y otros
cuentos de Andersen, es un espectáculo para
el disfrute de todos, grandes, medianos y
pequeños, donde recorreremos jardines,
bosques, palacios, paisajes helados y fondos
marinos. El montaje, que ha sido producido
con la colaboración de la Fundación Hans
Christian Andersen, narra la historia de una
niña (Gerda), llena de vida y sentimientos, en
busca de su amigo (Kay), al que la herida de
un cristal endemoniado le ha llevado a caer
rendido de fascinación ante los poderes de la
Reina de las Nieves. Nos encontraremos con
multitud de personajes, gnomos, duendes,
elfos, brujas, flores, soldados de hielo y
emperadores, conformándose ante los ojos
del público una historia extraordinariamente
visual que nos habla, sobre todo, de nuestra
capacidad y constancia para alcanzar los
sueños y los propósitos más nobles. Por eso
todos estaremos dispuestos a jugar con
Gerda, nuestra protagonista, a reírnos, a
cantar, a pasar miedo, a conocer el bosque, el
río y el páramo, a ser invitados al banquete de
los duendes, a pelear contra el ejército de los
hombres de hielo, a encontrar a cualquier
precio el castillo helado de la reina.
El espectáculo se desarrolla en el mundo de la
imaginación y la fantasía, un universo cam
biante, ajeno, en muchos casos, a las reglas del
espacio y el tiempo, plagado de atmósferas
evocadoras y de sensaciones. A todo ello
contribuye una escenografía que no renuncia
a la tecnología, ya que son frecuentes la
utilización durante el desarrollo de la obra de
proyecciones de imágenes en vídeo generadas
por ordenador sobre un tul semitransparente
que divide en dos el espacio escénico.
Bajo el aspecto de un juego inocente, de una
divertida aventura, La Reina de las Nieves y
otros cuentos de Andersen es una historia de
maduración, un viaje iniciático.
06
UN AMBIENTE DE ENSUEÑO
El productor de este musical, Fernando
Martín Sanz, que con anterioridad produjo
Myfair lady, o el largometraje de animación
Los Reyes Magos, ha participado en la produc
ción de 35 largometrajes cinematográficos, y
en éxitos televisivos como La casa de los líos o
Cuéntame como pasó. Diego Gilardi, de la
compañía La Deliciosa Royala ha confeccio
nado las marionetas que son utilizadas en el
espectáculo, en el que participan tres actores
y cuatro manipuladores de muñecos. El
vestuario lo ha diseñado Araceli Sanz con
colores vivos y tejidos sólidos. No están
ubicados en una época determinada, y están
inspirados en las ilustraciones que realizó
Harry Clarke basadas en los personajes de
Andersen. El vestuario y el atrezzo contrastan
con el ambiente de ensoñación que confiere la
escenografía virtual.
El espectáculo que abre la nueva temporada
del Teatro Cuyas utiliza multitud de técnicas
de puesta en escena, y sume al espectador en
una permanente sorpresa. Disfraces,
máscaras, muñecos increíbles, sombras,
proyecciones, títeres, ayudan a los actores a
escenificar un extraordinario texto, cuya
adaptación firma Carlos López, combinado
con una música optimista compuesta por
Mario de Benito, así como unas canciones
que nadie podrá olvidar, y cuyo resultado,
sorprendente e inusual, fusiona a la perfec
ción fantasía, realidad, magia y humor.
Estamos hablando de un musical en el
sentido tradicional del término, es decir,
cuadros dramáticos en los que se insertan
números musicales y coreografías que refuer
zan los mensajes y comunican sentimientos y
deseos de los personajes, o bien pasajes como
fiestas o batallas en los que la música es
protagonista. Las catorce canciones que
integran el libreto de este musical recrean una
multitud de atmósferas diversas, funcionando a
modo de cuadros dramáticos en los que se
insertan números musicales y coreografías
que refuerzan los mensajes, o comunican
sentimientos y deseos de los personajes.
ENTREVISTA
MANUEL ROMÁN
Todos somos capaces de emocionarnos con los caminos
hacia la fantasía y los mundos imaginados
El director del montaje musical La Reina de
las Nieves y otros cuentos de Andersen, que
inaugura la Temporada 2005-2006 en el
Teatro Cuyas, Manuel Román, lleva
veinticinco años dedicándose a la producción
teatral orientada a los jóvenes. Según Román,
este espectáculo que nació como un
homenaje conmemorativo en el marco del
segundo centenario del popular cuentista
danés, no es un musical al uso. Está dirigido a
un sector de público muy amplio, a niños y
adultos que son capaces de emocionarse con los
caminos hacia la fantasía y los mundos
imaginados que plantea Andersen, advierte el
director, que no desea que la etiqueta de
musical para toda la familia, sea una manera
dulce de conceptuarlo. Esto no es un espectá
culo infantil en el puro sentido de la palabra.
Los cuentos de Andersen fueron concebidos
para todas las edades. Poseen varios niveles de
lectura. Debajo de una historia fantástica, si
indagamos un poco, nos encontramos con
reflexiones éticas y morales muy profundas. La
modernidad de este cuento está presente para
el director en la temática: los sentimientos que
plantean los conflictos internos son arquetipos
humanos eternos. Lo que puedo, quiero y debo
hacer, se enfrenta al sentido de la utilización
responsable de la libertad.
Román señala que Andersen abordó
recurrentemente el concepto enfrentado de la
razón y el sentimiento. Este es el argumento
fundamental que está presente en La Reina de
las Nieves, y la que posiblemente perciban los
adultos desde su experiencia. Los niños, por su
parte, disfrutarán de una aventura de unos
adolescentes que avanzan hacia su madurez,
desde el camino de los sentimientos. Andersen
posee una virtud de la que carecen otros
autores de cuentos. Mientras que la gran
mayoría se empeña en buscar una moraleja y
un posicionamiento, Andersen cuestiona y
coloca las cosas sobre la mesa para que el lector
sea quien extraiga sus propias conclusiones.
Esas historias, en vez de ser contadas por seres
normales de carne y hueso, las personifica
mágicamente en hadas y duendes; en objetos
como sillas, baúles, vasos, escobas, paraguas...
Ubica sus fábulas en paisajes reconocibles y
reivindica al que es rechazado por ser
diferente; no siente ningún recelo ante la
necesidad de un final triste, y apuesta por los
sentimientos vengan de donde vengan y,
en fin, dispara sus historias armado siempre de
una portentosa imaginación.
Para Manuel Román, la escena española
actual adolece de este tipo de producciones
juveniles. Ato existen en la programación de los
teatros, ni públicos ni privados. En cambio, la
acogida popular desde que este musical fue
estrenado el pasado año 2004 ha sido
fantástica en todos los escenarios por los que
hemos girado, corroborando que este tipo de
propuestas podrían ser claramente rentables
comercialmente.
El argumento de La Reina de las Nieves
planteó al equipo de Manuel Román algunos
problemas a la hora de acometer el desarrollo
dramático de esta historia. El cuento se inicia
en la cumbre de una montaña. Luego se
traslada al interior de una cueva, y más tarde
alfondo del mar. Técnicamente era complicado
de resolver. Formulamos entonces un sistema a
través de proyecciones en las que los actores se
insertan en ellas. Hemos planteado un
lenguaje teatral que se acerca mucho a lo
cinematográfico. También hemos utilizado
actores de carne y hueso con máscaras,
sombras, muñecos... Todo ello crea un universo
sugerente que no es el del teatro al uso. El
espectador se cree que vive por momentos un
sueño más que una obra en directo. La música,
por su parte, evoca y sugiere otras tantas cosas;
te transporta a infinidad de mundos. Las
canciones están integradas dentro de la acción.
Según Román, que ha confeccionado como
constructor y diseñador de muñecos,
modelos para programas de televisión como
Los Lunnis y el Club Megatrix, entre otros, o
para cine, como las marionetas creadas para
el largometraje de Achero Mañas, Noviembre,
o La gran aventura de Mortadelo y Filemón,
de Javier Fesser, que obtuvo el Premio Goya a
los mejores efectos especiales en 2004, este
tipo de espectáculos tienen un gran competi
dor natural que es la cultura audiovisual, que
de alguna manera atrae más la atención de los
jóvenes. Por eso cada vez hay que realizar un
mayor esfuerzo en el teatro concebido para
jóvenes, e inventarse propuestas escénicas
sugerentes para este sector, que estén a la altura
del resto de los productos audiovisuales con las
que se identifican y alas que están acostumbrados.
COMO AGUA PARA CHOCOLATE
Los suculentos olores que encantan al paladar y al corazón
La compañía donostiarra Ados Teatroa presenta la versión teatral de la popular obr;
de amor imposible y suculentos guisos, escrita por Laura Esquivel que se convirtió
en éxito cinematográfico de la mano de Alfonso Arau
La película basada en la primera novela
escrita en 1989 por Laura Esquivel, Como
agua para chocolate, que dirigió en 1992
Alfonso Arau, se convirtió en todo un
fenómeno social y en un esperanzador
impulso para la cultura contemporánea
mexicana. La tierna historia de amor y
pasiones imposibles entre la dulce Tita y
Pedro, se mostró también ante los ojos de los
amantes del buen cine de medio mundo,
como una exuberante y deliciosa utopía
íntima para los sentidos y los sentimientos.
Ahora, la compañía donostiarra Ados Teatroa
(que transformó recientemente en éxito la
obra basada en el personaje creado por Elvira
Lindo, Manolito gafotas) se atreve con su
versión teatral en una entrega que dirige
Garbi Losada, quien ha logrado sintetizar la
historia de Esquivel en un montaje imagina
tivo y hasta olfativo, que ha conmovido al
público desde que fue estrenada el pasado
La historia de Esquivel narra una relación
épica de infeliz amor y buena comida ubicada
en el seno de una tamilia pudiente del México
fronterizo de principios de siglo veinte. Los
dos personajes protagonistas, Tita (Sara
Gozar) y Pedro (Martxelo Rubio) ven
obstaculizado su amor cuando la inflexible y
dominante madre de ésta (Ana Lucía Billate),
decide que Tita, su hija menor, debe asumir
su soltería para cuidar de ella en su vejez. En
medio de los olores y sabores de la cocina
tradicional mexicana, Tita se verá abocada a
sufrir durante largos años por un amor que
perdurará más allá del tiempo.
Los miembros de Ados Teatroa comenzaron
hace tres años a gestar esta producción, que se
inició con un complicado proceso hasta llegar
a obtener los derechos sobre el texto de Laura
Esquivel, que por entonces vivía el proceso de
separación de su marido, el director de la
versión cinematográfica, Alfonso Arau, por lo
que los derechos sobre la obra estaban por
resolverse en forma de litigio entre ambos
creadores. Así que la compañía hubo de
esperar hasta principios del pasado año con el
de olores y sabores, que su directora contem
pla como una mezcla entre La casa de
Bernarda Alba y La Cenicienta. Posiblemente
de la una posea la dulzura, mientras que de la
otra, lo onírico. Losada ha tratado de formu
lar una propuesta limpia y natural aunque
compuesta por abundantes elementos
técnicos, que junto a la rápida sucesión de
escenas, permiten al espectador conocer lo
que ocurre tanto dentro como alrededor de la
casa de los protagonistas a lo largo de las dos
décadas cercanas a la Revolución Mejicana en
las que tiene lugar la historia.
El espacio escénico diseñado por Fernando
González Ansa se divide en tres niveles que
cuenta con paredes translúcidas, sobre las que
realizan proyecciones audiovisuales. A lo
largo del espectáculo se cocina, se come y se
huele. Los intérpretes trabajan con ingredien
tes reales, comen y gracias a los efectos
especiales, consiguen que en momentos muy
puntuales el público pueda adentrarse más
intensamente en la obra mediante el olfato. A
través de la cocina Tita canaliza sus
sentimientos y emociones hacia Pedro y
todos los que viven junto a ella en la
hacienda. Quien come de sus picantes guisos
siente lo que ella y se transforma mística y
liberadoramente. El reparto actoral se
completa con los nombres de Mila Espiga
(Chencha), Julia Hernández (Rosaura), Iñake
Irastorza (Nacha), Koldo Losada (Doctor
John Brown), Javi Tolosa (Capitán) y Esther
Uría (Gertrudis).
PASIONES *
ENTRE FOGONES
Cuando la mexicana Laura Esquivel escribió
en 1989 su primera novela, Como agua para
chocolate, nunca imaginó que aquel místico
relato de amor entre dos seres incomprendidos
situado en el México prerrevolucionario,
tendría la repercusión social y cultural, eso sí,
en buena medida propiciada por el éxito del
largometraje rodado tres años más tarde por
el entonces marido de la escritora, el cineasta
Alfonso Arau. La adhesión de la crítica y el
público fueron unánimes. Pero para Esquivel
vida. Se convirtió de la noche a la mañana en
el libro de ficción en lengua castellana más
vendido en los últimos veinte años. La obra,
que ha llegado a ser comparada con cierta
osadía, con obras como Cien años de soledad,
de Gabriel García Márquez, ha sido traducida
a más de treinta idiomas, y en 1994, Laura
Bookseller Book of the Year), concedido por
vez primera a una escritora no norteameri
cana. Como agua para chocolate entusiasmó
por la atmósfera indecible que creó la autora
para narrar la historia de un amor imposible e
imperecedero en medio de ollas y sartenes, es
decir, en el ámbito tradicionalmente
femenino por excelencia: la cocina y sus
hechizos. Esquivel, para la que cocinar
supone una ceremonia d unión con el
universo, avanza en su libro los sobresaltos
amorosos, las pasiones y el pulso íntimo del
espíritu de varios personajes que integran el
doméstico universo de una noble hacienda
extraviada en la llanura de Piedras Negras, al
norte de México.
Tita se ahoga en una pasión incontrolable por
el marido de su hermana Rosaura, y ésta sabe
que su esposo desea a su hermana Tita; Pedro
está enamorado de una mujer a la vez que está
casado con otra, y Mamá Elena, la madre que
impone las reglas de la arbitraria tradición, ya
no siente pasión por nada, salvo por la de
de sus tres hijas. El guiso está a punto de
romper a hervir. Como agua para chocolate
está llena de sustanciosos alimentos para el
espíritu, y su exquisita receta está compuesta
a partes iguales de ternura y llanto, fantasía y
realismo mágico. En el sabio tratamiento que
Esquivel otorga a esa sacudida de sentimien
tos ambivalentes reside gran parte del éxito de
este título, que el público ha reconocido como
el desamor.
MESTIZAR
Y ENRIQUECER
VOCACIONES
La compañía donostiarra Ados Teatroa ha
cumplido dos décadas de existencia en la
escena española. En esos diez años ha produ
cido un total de ocho montajes, entre los que
figuran Manolito gafotas, de Elvira Lindo; El
mujeres de verdad tienen curvas, de Josefina
López, tres de los más exitosos y premiados.
Su última y más importante producción de
las afrontadas hasta la fecha, Como agua para
chocolate, podrá ser vista en el Teatro Cuyas
de la capital grancanaria, antes de que inicie
su periplo madrileño, previsto en enero de
2006. La compañía que impulsaron profesio
nales con una larga trayectoria teatral, en
colaboración con otros creadores del ámbito
audiovisual, se ha impuesto el propósito de
consolidar una vía de producción abierta,
donde puedan, ante todo, armonizarse,
mestizarse y enriquecerse vocaciones y
experiencias diversas. La autora y guionista
Garbi Losada, que actualmente la dirige, fue
una de sus cofundadoras en 1994.
I
UN RITMOCASI
CINEMATOGRÁFICO
Garbi Losada demuestra una vez más su habilidad para estruc
turar dramatúrgicamente los materiales de los que parte. Ha
logrado sintetizar la novela, narrar toda la historia, todas las
historias, sin abusar de la elipsis, lo que le confiere un ritmo
casi cinematográfico... La apuesta es ambiciosa, con una buena
producción, un equipo actoral que funciona, un trabajo que
cuenta una apasionada historia y la cuenta muy bien.
Carlos Gil
ARTEZ (Revista de las Artes Escénicas)
El montaje es imaginativo y ágil con una utilización de las imá
genes que además de conseguir el avance de la narración
aporta una gran vistosidad. El resultado es brillante.
Roberto Herrero
Diario Vasco
Hay espectáculo y no pesa el origen novelesco
porque hay ideas y soluciones escénicas, ropas y
objetos, efectos visuales y hasta olfativos... hay
teatro, pues. Garbi Losada se rodea de diez
intérpretes de lujo.
Pedro Barea
El Mundo
Ante la versión de Ados Teatroa hay que quitarse el sombrero. Logra dar agilidad a la historia y conmover al
público entre sollozos y alaridos desde las entrañas. Garbi Losada transmite verdad en escena gracias a la
interpretación y a un escenario perfectamente tridimensional, que juega con los planos y la superposición
LA GACETA (Salamanca)
El público responde con aplausos a la propuesta de la compañía vasca con un montaje de marcado ritmo
cinematográfico, imaginativo y ágil, basado en el buen hacer de un compenetrado equipo actoral.
EL ADELANTADO (Salamanca)
El montaje de Ados Teatroa es un auténtico banquete para todos los sentidos.
LA GUIA DEL OCIO
GARBILOSADA
COMO AGUA PARA CHOCOLATE ES UN BANQUETE PARA TODOS LOS SENTIDOS
?/*
El nombre de la directora y actriz Garbi
Losada está indisolublemente unido al teatro
vasco de las últimas décadas. Cofundadora
de la compañía Ados Teatroa, Losada, de 46
años de edad, ha desarrollado su actividad
profesional en distintos ámbitos como el
teatro, el cine, la televisión y la docencia.
Como agua para chocolate es su última
aventura teatral. Tras conseguir los derechos
de la novela de Laura Esquivel, la directora
empezó hace unos años a trabajar en la
reducción del texto que aborda la existencia
de una saga familiar mexicana integrada por
tres hermanas a lo larao de casi veinte años.
conecta muy men con ei lector, ne respetado
fielmente el texto de Esquivel he introducido y
aportado sólo matices en algunos pasajes,
aunque dejándome conducir por la magia
contenida en el libro e incidiendo en el reflejo
del lenguaje que la cocina tiene en esta
historia de amor, que es lo que proporciona
olor, aromas, colores y sensualidad a la
misma. Cuando te comprometes con un texto
y su autor debes respetar su espíritu. He
sintetizado las dos décadas que aborda la
novela y me he decantado por la historia
principal dibujando el mundo de pulsiones de
la familia protagonista en la hora y media que
dura la función.
Losada confiesa que leyó hace muchos años
la novela, y que se siente más cercana al
texto de Esquivel que a la producción
cinematográfica dirigida por Alfonso Arau.
Siempre creí en la teatralidad de Como agua
para chocolate. El realismo mágico contenido
en el texto podía ser un instrumento
explotable al que se añadiría todo un universo
de sensaciones y emociones sobre el escenario.
La directora no tiene miedo a que el
su memoria ujaua en las referencias que aun
conserva de la película de Alfonso Arau. £5
un título del que el público posee una amplia
información. He planteado una función de
teatro explotando las características que
lo liacen diferente al cine y la novela.
Pretendo que el público se deje llevar por
el acontecer del montaje y se olvide de los
otros formatos. De la novela siempre me
interesó la manera de contar la historia de
amor inverosímil a los ojos de hoy en día
propuesta por Laura Esquivel, partiendo
del recurso del realismo mágico. El amor y el
desamor es el hilo conductor de las relaciones
humanas en la obra. Y es que uno saca la
conclusión de que hay algo mágico en el hecho
de que no se pueda vivir sin amar.
La directora no elude referirse a la importan
cia capital que la cocina proporciona a la
historia. También me resultó fascinante la
posibilidad de expresar todo un mundo de
sentimientos a través de la cocina. Ese espacio
está lleno de romanticismo y naturalidad, y
en él conviven los contrarios que se incluyen
en la obra, con toda su honda carga simbólica.
En la cocina Tita escapa a las humillaciones
de su madre y se protege de su tristeza; siente
y disfruta demostrando su vitalidad
cocinando para los demás. Y ese mismo poder,
sensual y mágico de la cocina, es el que se
pretende explotar en esta adaptación teatral,
de modo que los sentidos como el gusto, el
olfato y el tacto, participan también al mismo
nivel que la vista y el oído. Queremos que
nuestra propuesta sea, además de una
historia con principio y final, un banquete
para todos los sentidos.
MI QUERIDO EMBUSTERO
Cartas de amor para disfrazar la distancia
ctores arge
y dirigen esta delicada comedia, basada en la relación epistolar
mantenida furtivamente durante cuarenta años, entre el escritor
Bernard Shawy la actriz Stella Campbell
El escritor George Bernard Shaw (Irlanda,
1856 - 1950), considerado el autor teatral más
significativo de la literatura británica
posterior a Shakespeare, y la actriz Stella
Campbell (Gran Bretaña, 1865 - Francia,
1950) mantuvieron furtivamente por su
condición de casados, una relación epistolar
amorosa que se extendió durante cuarenta
años en el más riguroso secreto hasta que la
famosa actriz decidió publicar la nutrida
correspondencia sostenida con el autor de
Trata de blancas y Hombre y superhombre,
entre otras obras. El montaje Mi querido
embustero es la adaptación que los actores
argentinos Norma Aleandro y Sergio Renán
(que con esta obra regresa a los escenarios
después de trece años), dirigen e interpretan
de la dramaturgia que el actor, escritor y
director norteamericano, Jerome Kilty, creó
en 1960 a raíz de la publicación de las cartas
amorosas entre Shaw y Campbell. Kilty supo
transformar este epistolario en la deliciosa
comedia que tituló Mi querido embustero,
empleando de manera original y recurrente la
frase con la que en más de una ocasión, Stella
Campbell encabezaba las cartas dirigidas a su
Aleandro y Renán, juntos por vez primera
sobre un escenario, dan vida ahora a estos
singulares personajes que se amaron en
secreto al margen de sus respectivos
matrimonios durante dos décadas, en una
nueva versión traducida y adaptada por
Fernando Masllorens y Federico González del
Pino. Las cartas constituyen en esta obra el
toda la intensidad intima y sentimental que
estas dos almas rebeldes, altivas e inteligentes
se dedicaron. Las misivas toman en el
montaje Mi querido embustero, forma de
diálogo y, cada uno desde su lugar -Sergio
Renán desde su escritorio, y Norma Aleandro
desde su locador, transformados alternativa
mente en el hall de un teatro, un lujoso
dormitorio, la rambla de una playa o un
pequeño cuarto uc pensión- logran desplega
todo el humor, la seducción y la nostalgia coi
la que Bernard Shaw y Stella Campbel
supieron adornar su tan singular como
clandestina relación amorosa.
El público, curioso y emocionado, asisle
desde su butaca como un privilegiado
invitado, al pulso vital de la relación que estos
dos seres, que se escribieron mucho más de lo
que se vieron, mantuvieron más allá de la
inexorable decadencia física magnífica y
paulatinamente representada en escena, sin
cambios de vestuario ni maquillajes.
Además de los nombres estelares de Norma
Aleandro, conocida por el público español
por sus interpretaciones en los largometrajes
El hijo de la novia, Sol de otoño o l,a historia
oficial, y Sergio Renán, que ha dirigido
películas como i,a tregua (basada en la novela
homónima de Mario Iíenedetti) o ¡.a soledad
era esto, el montaje Mi querido embustero
cuenta con diseño escenográfico e
iluminación de 'lito Egurza, vestuario creado
música original de Noel Coward, a cuya
plasticidad sonora contribuye la adaptación e
interpretación que Alberto Favero ha
realizado al piano del tema /'// see you aeain.
Según cuentan los dos actores argentinos,
cuando decidieron afrontar Mi querido
embustero, y teniendo en cuenta la larga
experiencia de ambos como directores,
tomaron la decisión inmediatamente de
ponerla en escena entre los dos. Listábamos ¡le
acuerdo cu la mayoría de nuestros puntos tic
vista sobre ¡a obra, sobre todo en el ¡le no
recurrir a la lectura de las cartas, dramati
zando el texto de las mismas hasta convertirlo
en un auténtico diálogo, tal y como si se estuvieran
El trabajo fue bastante señalan. Nos
luimos observando mutuamente, y por suerte
muy pronto estalló la química necesaria para
hacer creíble desde el escenario la relación que
esos dos personajes tan particulares mantuvieron
a través de sus cartas durante cuarenta largos
años. Y lo más maravilloso de esto es que
jamás habíamos compartido antes un
escenario, a pesar de conocernos de toda la
vida, del trato social y de coprotagonizar una
escena en la película La Tregua (Aleandro
como actriz y Renán como director), que se
filmó rápidamente y en dos días, liemos ido
creciendo cada uno en lo suyo, bajo la mirada
atenta y cariñosa ¡leí otro. Una experiencia
relajada y sumamente feliz, advierten.
ENTREVISTA
NORMA ALEANDRO
Bernard Shaw no me convencería como amante
¿Sería posible en esle mundo de hoy una
relación sentimental como la mantenida
durante cuarenta años entre Shaw y Stella?
Yo creo que sí, que seria absolutamente
posible. Las características de los personajes
en cuestión son tan humanas que hacen
vez dentro ele un contexto distinto, y aten
diendo a la rapidez tic hoy en las comunica
ciones. Seguramente se comunicarían por
correo electrónico.
¿Cómo definiría a Stella? ¿Kstá cerca de ella
como mujer?
Una mujer honesta moralmente, y libre,
aceptando las consecuencias de sus actos. Me
agrada su carácter y la dignidad con que
enfrenta la pobreza, la vejez, la muerte... y la
dosis de humor con la que relativiza sus
desdichas.
¿...Y de Shaw, y a juzgar por las cartas, le
convencería como amante?
Eso si que no. Definitivamente, no.
¿Cuál es el pasaje de este montaje que le
produce más reconfortantes sensaciones?
Son varios momentos, pero especialmente el
juego en el coqueteo amoroso con Shaw, y
sobre todo el final, cuando se reencuentran
en otra dimensión, y al mirarse a los ojos
rejuvenecen para quedarse instalados en ese
paraíso para siempre.
¿Qué papel juegan los prejuicios en esla
obra? ¿Y el amor y la verdad?
Kilty pone sobre el tapete y a través de las
cartas de Shaw y de Campbell, todos los
prejuicios de la era victoriana. Demuestra
como estos dos seres los trasgreden genial
mente. No solamente en esta obra. Shaw
mismo, en La profesión de la señora Warren
también denosta los prejuicios sociales y la
hipocresía reinante. Y también aparecen el
Sobre el escenario de un teatro es la
primera vez que trabaja con Sergio.
Habiente de esa experiencia y de cómo se
concibió esta producción.
Nos entendemos.
mos v nos cuídame
o con el, lo extrí
idea surgió a raíz de unas 1
buen pasar económico, ni familias que los
cuiden. Entonces anualmente hacemos una
especie de teatro leído donde se interpretan
grandes títulos universales, sin necesidad de
recrear escenografías y vestuarios...
solamente los actores con un atril, y listo.
Podo el dinero que se recauda en concepto de
estos colegas. ,-s del ¿mil nos
esta obra.
Entonces se nos ocurrió que ya que íbamos a
juntarnos por primera vez en un escenario,
por qué no hacer esta función a beneficio, y
luego seguir con continuidad y ver qué
pasaba con el resto del publico. Por suerte
nos dieron su aprobación e hicimos una larga
temporada en Buenos .Aires y por toda
Argentina; luego vinimos a Madrid, para
una temporada de dos meses en el Marquina.
en 2003, y en 2001 recorrimos veinte
ciudades de España. .Ahora volvemos a
terminar lo que nos quedo pendiente.
Su vida se ha alimentado del teatro y del
cine desde muy temprana edad, como
actriz, docente y directora. ¿Qué le ha
proporcionado como persona el arle de la
representación?
Kl arte de la interpretación y de la dirección
teatral me ha ayudado muchísimo a enten
derme y entender mejor al prójimo. Ponerse
uno puede hacer en la vida. Ademas, los
grandes autores a quienes afortunadamente
me toco frecuentar, son una fuente inagotable
de inspiración para superarse como ser
humano y como actriz. Si uno busca el
conocimiento, no hay mejor lugar que el
¿Doblarse en otros personajes le ha
ayudado a superar los calambres y trances
amargos de la vida?
chos casos,
4c ha dado a lo largo de todos estos
imerables alegrías. Pero jamas ha
do en manera alguna a cualquier
i
v^;
ENTREVISTA
SERGIO RENÁN
El amor siempre perdura, aunque cambie de formas e intensidad
¿El manejo y estudio de las caitas entre
Shaw v Stella, tiué sensaciones vitales le han
producido como hombre, como ser
humano?
En primer lugar, el sentimiento ambiguo que
produce el penetrar en la intimidad de otras
curiosidad. En el caso de Shaw, y supongo qm
a su pesar, descubrir la sorprendente vulnera
bilidad en alguien tan Soberbio, y en el di
Stella Campbell, el desconcierto admirativi
ante la inteligencia, humor y calidad de si
¿A su juicio, en dónde radica la moderni
dad de esta obra?
Creo que en la demostración de la posibilidad
de que el amor siempre perdure; cambiando
de formas y de intensidad, pero preservando
la hondura que permita definirlo como tal.
¿Podría definir a Shaw? ¿A juzgar por el
estudio de sus cartas qué opinión tiene de la
complicada personalidad del escritor
irlandés?
Creo innecesario informar que Shaw lema
una altísima opinión acerca de si mismo. Él se
encargo abundantemente en sus artículos,
criticas, ensayos y obras de teatro de hacerse
abundantes autoelogios. Incluso los hay en la
correspondencia que sirve de base a Mi
querido embustero. La sociedad de su época
compartió esa vis inen, curiosa
mente, los sectores tero/mente atacados por
el. La justicia de mucha de sus causas, su
talento corrosivo, el humor finísimo y la
particular elocuencia que poma en boca de
sus antagonistas ideológicos, incluso de
aquellos que representaban valores que el
combatía lo convirtieron cu un clasico del
teatro de las ideas.
¿Cómo ha sido el proceso de dirección e
interpretación compartido entre usted y
.Meandro? ¿Cómo se supera ese "perverso"
desdoblamiento?
Pina que mágicamente simple. Algunas
decisiones acerca de
espacio, la lu/ v la músic
de compartir la escena.
mensa es en sus teletonos moví
quizás en sus e-mails. Pero nada reei
ítos que exprese]
¿Cuál cree usted que es el instante de este
montaje que mas emociona al publico
Sm duda el trai la ohra en el que
eje? de los personajes, la decadencia
obre/a de Stella Campbell. unidas a 1
íagistral interpretación de Norma, genera
na honda emoción en el publico (masculin
¿En su opinión, que misión debe cumplir en
teatro como instrumento de creación y
cultura en la sociedad de hoy?
La que tiene todo arte como destino: generar
emoción y reflexiones a partir de su
indagación de las zonas mas hondas de la
¿... Y al público, qué le demandaría?
atar siempre .ir el candor v
capacidad de sorpresa. Y también ser toleran
tes con las búsquedas estéticas renovadoras.
¿Puede hablarnos de sus proyectos artísti
cos próximos?
Concluida nuestra tercera presencia en
España con Mi querido embustero, dirigiré en
diciembre / ií Verbena de ¡a Paloma en el
Teatro de la Zarzuela de Madrid, después de
lo cual regresare a Buenos Aires donde me
aguardan el rodaje de mi largometraje Tres de
corazones, basado en un cuento de 1.1. Saer, y
luego la dirección escénica de Un enemigo Jet
pueblo de Ibsen. Es ademas posible que a fin
del año próximo retorne a España para
de los proyecto:
ahora en maduraciói
16
EL PERRO DEL HORTELANO
Ni come ni deja comer
En la comedia cortesana por excelencia de Lope de Vega, que
coproduce el Teatro Cuyas, se mezclan los celos de caballeros
petulantes con las pasiones de damas despechadas
El Teatro Cuyas participa, en calidad de coproductor,
en el cuarto montaje de 2Rc Produccio
nes, El perro del hortelano, uno de los textos
escritos en 1618 por uno de los más grandes
autores teatrales del barroco, y que mejor han
dominado el género de la comedia: Lope de
Vega.
Encuadrado dentro de las denominadas
comedias de enredo amoroso, El perro del
hortelano es un texto conocido, sobre todo por
el gran público, a partir de la excelente versión
cinematográfica llevada a cabo por Pilar Miró
en 1995. Según Rafael Rodríguez, director de
este clásico que contará con un reparto de
nueve actores canarios, en el texto de Lope de
Vega el amor y la pasión son capaces de romper
los moldes establecidos por la sociedad para
triunfar, aunque la voluntad de fidelidad hacia
el otro es débil cuando los intereses se entrecru
zan. El perro del hortelano, trata del amor, pero
más que del amor, de las dificultades para que
éste llegue a cuajar. No sabemos cuál es el origen
del mismo, pero sí sabemos de sus consecuencias
más inmediatas: Pasión, celos, envidias, odios.
Sobre todo, hay un eje fundamental que
desarrolla el propio título de la obra y es ese
famoso refrán que dice: Es como el perro del
hortelano, ni come ni deja comer.
Diana, condesa de Belflor, la protagonista que
interpreta la actriz Lily Quintana, se convierte
en ese famoso perro con sus desvarios amoro
sos por su secretario, Teodoro, que encarna el
actor Vicente Ayala. Y es, a través de divertidas
situaciones de enredo, como el amor, surgido
de los celos de la condesa, va tomando cuerpo
~
y nos va atrapando en una historia bella y
hermosa. Además, en El perro del hortelano,
nos encontramos con una comedia típica de
costumbres cortesanas, de confusiones, de
acción constante sobre el escenario y sobre todo
de personajes prototípicos: damas despechadas,
caballeros petulantes, criados socarrones y un
largo etcétera, señala Rodríguez, que la pasada
temporada dirigió en el Teatro Cuyas el texto
de Ruiz de Alarcón, La verdad sospechosa.
El perro del hortelano cuenta con un amplio
elenco de nueve actores y actrices, entre los que
se encuentran Lily Quintana (Diana), Vicente
Ayala (Teodoro), Jorge Reyes (Fabio y Conde
Ludovico), Silvia Padrón (Marcela), Rosa
Escrig (Anarda), Cata Blánquez (Dorotea y
Furio), Javier Collado (Tristán), Humberto
Gracia (Conde Federico) y Maykol Hernández
(Marqués Ricardo). La productora, que ha
elegido otro texto clásico para hablar de temas
de hoy, lo hará, según Rafael Rodríguez, desde
una perspectiva contemporánea de la puesta en
escena, cuidando al máximo los elementos de
significación de la propuesta, entre las que
destaca el vestuario, de Pilar Quiñones; la
iluminación, de Rafael Moran, o la esceno
grafía, de María Cañamero. Pero sobre todo,
insisto en el elemento fundamental del hecho
escénico: el actor. Si algún aspecto ha caracterizado
los trabajos anteriores de 2Rc Producciones es
precisamente su calidad interpretativa y ese será
el camino a seguir.
El montaje El perro del hortelano será
programado también en formato de funciones
orientadas a los escolares de la isla. Rafael
Rodríguez recuerda la función didáctica de los
trabajos que ha abordado hasta la fecha.
Profundizando una vez más en el Siglo de Oro
español estamos posibilitando el conocimiento
por parte de nuestros escolares de una época
dominada precisamente por Lope y que es de
obligado tratamiento en nuestros institutos.
Lope de Vega es el instaurador de la nueva
preceptiva barroca para la escritura de textos
teatrales que plasma en su texto El Arte Nuevo
de Hacer Comedias. Es maestro de maestros y
a su vez el autor que más cercanamente llegó a
escribir para el gran público, a quien Lope
reverenciaba. Sus textos, los escribe Lope
según el gusto del público que los iba a disfru
tar, y este sentido, le da un valor primordial a
cualquier texto escrito por tan insigne autor.
Es esta vertiente la menos pública o propagan
dística, pero la más importante desde una
perspectiva de futuro y la que le confiere a 2Rc
Producciones un signo de identidad y estabili
dad.
17
i
En El perro del hortelano,
nos encontramos con una
comedia típica de costumbres
cortesanas, de confusiones,
de acción constante sobre el
escenario y sobre todo de
personajes prototípicos
ENTREVISTA
NICOLÁS FERNANDEZ
Los referentes imaginarios de los espectadores se han multiplicado
gracias a medios de comunicación como la televisión e ¡nternet
Nicolás Fernández, profesor de Literatura Dramática de la Escuela de Actores de Canarias, confiesa que afrontar
la dramaturgia de El Perro del hortelano, constituye una doble satisfacción, ya que por un lado le ha permitido
profundizar en la obra de un revolucionario del teatro e iniciador de la comedia nacional en nuestro país, y por
otro, ha trascendido el texto y explorado las posibilidades escénicas que ofrece. Toda creación dramática posee
potencialmente infinitas lecturas e interpretaciones y la que yo propongo no es sino una de las posibles, señala
Fernández, quien añade que resulta apasionante ver cómo tu proyecto va siendo adoptado y enriquecido, por el
resto del equipo que trabaja en la obra, hasta que deja de ser tuyo. Luego vendrá la tarea más difícil, la de que entre
todos seamos capaces de embaucar y de contagiar al espectador de nuestro entusiasmo y de hacerlo disfrutar con
nuestra propuesta. Ya sabemos que elfin último de todo texto dramático es su representación, por lo que sin especta
dor no habría teatro.
Como recomendaba el mismo Lope, ¿usted
ha tenido en cuenta los gustos del público
contemporáneo?
Toda creación artística va dirigida, de forma
más o menos consciente, a un receptor ideal.
En el teatro, tal y como demuestra la propia
historia, resultan inseparables, por ejemplo, la
idea que se tiene del público y la configuración
del espacio teatral. Los anfiteatros, los corrales,
el teatro de corte o las fábricas contem
poráneas responden a diferentes modelos de
arquitectura teatral que se acomodan a la
consideración social que se tiene de los
espectadores en ese momento. Por otra parte, a
una misma función acuden diferentes tipos de
espectador por lo que es necesario que el
montaje contenga distintos niveles de signifi
cación a los que poder acceder. Sigue estando
vigente el viejo tópico horaciano de deleitar y
enseñar a un tiempo. No debemos perder de
vista que en los últimos años los referentes
imaginarios de los espectadores se han
multiplicado gracias a medios de comuni
cación como la televisión o internet, que nos
aislan como individuos. Por ello resulta conve
niente que el teatro sea capaz de incorporar no
sólo las nuevas tecnologías a la escena sino al
espectador a las salas, integrándolo en un
proceso de comunicación que es siempre
colectivo.
¿Sigue siendo interesante para el gran
público un texto como El perro del
hortelano?
Por supuesto que sí. Nos encontramos ante un
clásico de la literatura y del teatro porque, en
L
gran medida, ha podido ser analizado desde
distintas sensibilidades a lo largo del tiempo
sin que pierda esa esencia que lo hace univer
sal. No olvidemos que aunque los celos son el
motor de esta obra, el verdadero asunto
dramático que interesa a Lope afecta a las
reglas y convenciones sociales, que condicio
nan la libertad en el amor. La preocupación
por las apariencias y el conflicto que plantea el
deber impuesto frente a la voluntad individual
siguen siendo asuntos, según creo, de plena
actualidad. El triunfo del amor entre desiguales
se hace posible mediante el engaño, pero, sobre
todo, debido a que los protagonistas deciden
transgredir las normas impuestas y los valores
establecidos. El Lope dramaturgo y poeta se
unen en esta ocasión, como vemos, no sólo
para distraer a lo espectadores con ingeniosos
enredos amorosos, sino para, con ironía,
criticar los problemas sociales de su época.
Usted ha participado en los ensayos de esta
obra. ¿Cuál ha sido exactamente su función y
qué experiencia extrae de la misma?
La labor del dramaturgo depende en todo
momento del grado de relación que exista con
la realización del espectáculo. Yo he tenido la
suerte de asistir al proceso de montaje de la
obra y de intercambiar con el resto de los
colaboradores algunas valoraciones. Ha sido
interesante analizar, por ejemplo, determina
das escenas o aclarar las motivaciones de
algunos personajes atendiendo las aportacio
nes ofrecidas por los distintos miembros del
colectivo teatral. De esta forma se consigue
superar la imagen tradicional que del drama
turgo se tiene como un mero intermediario
entre el autor y el director. No resulta fácil, por
otra parte, la elección de otros elementos que
refuercen o incrementen la significación del
código verbal que ya ofrece la obra. En este
sentido he colaborado estrechamente con el
director para intentar crear una puesta en
escena que, como diría Sanchis Sinisterra,
traicione el texto pero de forma creativa.
Como profesor de Literatura Dramática
¿cree que se valora suficientemente la impor
tancia del teatro en la formación de nuestros
escolares?
La experiencia lamentablemente nos dice que
no. No hay más que observar nuestro sistema
educativo y compararlo con algunos de los
países europeos de vanguardia para darse
cuenta de la escasa relevancia que se le da al
teatro, y a las enseñazas artísticas en general, en
las distintas etapas de formación del alumno.
Uno de los objetivos que pretende esta compa
ñía, a través de sus montajes y del material
pedagógico que ofrece, es ayudar a los educa
dores a que completen su formación, mostrán
doles cómo trabajar los códigos que hacen que
un texto teatral no pueda ser considerado
literatura. Estimular a los alumnos desde la
interpretación para que se interesen por el
autor y su época resulta atractivo, pero no es
tarea sencilla, máxime cuando se tiene
constancia de que no existe tradición entre los
jóvenes a la hora de acudir al teatro.
QUIJOTE
¿No vivimos todos acaso el idealismo y los sueños
del caballero de la triste figura?
La compañía LOm Imprebís presenta una original versión de la universal obra
que, dirigida por Santiago Sánchez, reivindica la metáfora utópica que encierra
el anacrónico personaje creado por Cervantes hace cuatro siglos
La compañía valenciana L'Om Imprebís
produjo hace dos años Quijote, una ingeniosa
adaptación teatral sobre la obra maestra de
Cervantes, que no ha dejado desde entonces
de cautivar a la crítica y entusiasmar al
público. Las más características aventuras del
hidalgo enloquecido, se recogen en esta
singular y cuidada producción de una hora y
media de duración, cuya versión firma Juan
Margallo y el director de la compañía,
Santiago Sánchez.
La mayor virtud de esta adaptación que
interpretan once actores y músicos, sea la de
sumar, a la riqueza del texto más universal
escrito en lengua castellana, los medios
propios del teatro: la comedia, la humanidad
de sus personajes, el juego sin fin al que se
lanzan los protagonistas a través de múltiples
recursos escénicos que hacen llegar la obra al
espectador de una forma ágil, divertida y
popular como siempre fue la intención de
Miguel de Cervantes. Vicente Cuesta, en el
papel del hidalgo manchego, y Sandro
Cordero, en el de su humilde escudero,
Sancho Panza, protagonizan este montaje de
teatro puro que ha sido ya presentado en más
de 350 ocasiones en multitud de salas y
teatros del país.
Según Santiago Sánchez, director de la
compañía, este Quijote afronta desde la
esencia teatral, la metáfora de un personaje
inmerso en una sociedad gris y opresiva que
es capaz de imaginar otros mundos y, con
ello, hacerlos realidad, reivindicando la
utopía que encierra el personaje de Cervantes
y ese proceso de amistad y aprendizaje mutuo
que se establece entre Don Quijote y Sancho.
La crítica especializada se ha deshecho en
elogios al referirse al montaje de L'Om Impre
bís: desde aquellos que lo definen como teatro
puro y onírico al servicio de la palabra y la
interpretación, hasta aquellos otros que
animan a que sea declarado de utilidad
pública al plantearse como un ejercicio al
servicio de la mejor cultura, lo cierto es que el
Quijote de la compañía valenciana es un
regalo que celebraría hoy hasta el propio
Ingenioso Hidalgo.
Sánchez ha reunido en esta producción llena
de lirismo, emociones, veracidad y humani
dad, a varios actores de diferentes proceden
cias, con conocimientos de distintas técnicas
teatrales y musicales, que contribuyen a
recrear y explotar otros matices de la obra
literaria, emergiendo así sobre el escenario un
teatro puro, total que destaca por la sencillez
y la ductilidad de sus múltiples planteamien
tos que funcionan a modo de divertidas
sorpresas.
21
MAGNÍFICO TEATRO
AL SERVICIO DE
LA MEJOR CULTURA
La belleza y la majestuosidad del Teatro con mayúsculas inundan la sala;
la artesanía y la profesionalidad seducen a un público entregado al
mundo imaginario de un ser humano cuya armadura la constituyen la
verdad, la ética y el corazón.
Sofía Básalo
Artez. Revista de las Artes Escénicas
Uno de los méritos de este montaje es su teatralidad, que lejos de
limitarse a ilustrar la obra, la remonta mediante un amplio repertorio de
recursos. Este Quijote resulta algo más que digno sobre el escenario.
Julio A. Máñez
El País
Un montaje inteligente, próximo, entrañable... Magnífico teatro al servi
cio de la mejor cultura. Un espectáculo que debiera ser declarado de
utilidad pública.
Joaquín Fuertes
El Comercio
Este Quijote es una delicia; está lleno de diversión, sorpresas, de una gran
capacidad de imaginación para resolver de forma sencilla y brillante a la
vez lo que Cervantes propone.
R. Herrero
Diario Vasco
VEINTE AÑOS DE
COMPROMISO CON
LA REALIDAD
Con veinte años de trayectoria -desde su
creación en 1983- L'Om Imprebís ha consoli
dado un repertorio de calidad que combina
dos líneas de acción: montajes de textos
europeos de primer orden y un trabajo de
creación en directo sobre el arte de la impro
visación. Su producción Imprebís, que
alcanzó las más de mil funciones y medio
millón de espectadores en diez países, avalan
esa línea de teatro fresco, original, divertido,
al tiempo que comprometido con la realidad.
Santiago Sánchez dirige actualmente la
compañía.
Otros montajes de los valencianos han sido
Galilea, de Bertolt Brecht (que pudo verse en el
Teatro Cuyas en la temporada 1999 - 2000) o
La mujer invisible, de Kay Adehesad. Sus
espectáculos han girado por Argentina,
Estados Unidos, Colombia, Venezuela,
Francia, Italia, Brasil, Cuba, Guinea Ecuatorial,
Brasil, Bolivia, Holanda, entre otros países y,
en España, son frecuentes en las carteleras de
las principales salas de la Red Nacional de
Teatros y Auditorios y en temporadas estables
en el Círculo de Beüas Artes de Madrid y el
Teatro Principal de Valencia, dependiente de
los Teatros de la Generalitat, con quien la
compañía mantiene un convenio de colabo
ración. En la actualidad L'Om Imprebís reúne,
en sus diferentes montajes, a veinte actores
estables de tres continentes distintos.
Desde sus inicios la compañía ha recibido,
entre otros, los siguientes premios: Premio
Turia a la Mejor Contribución Teatral;
Premio Asociación de Espectadores de Palma
de Mallorca; Premio Interpretación Alterna_-
tiva del Festival del Festival de Oto:
Madrid; Premio Artes Escénicas de
Generalitat Valenciana a la Direcciói,
Escenografía, y Premio Ercilla de Bilbao al Mejor
Espectáculo.
ENTREVISTA
SANTIAGO SÁNCHEZ
Nuestro Quijote se ha consolidado como el montaje que con
mayor éxito ha abordado la novela de Cervantes
El director de la compañía L'Om Imprebís,
Santiago Sánchez, siempre se preguntó por
qué el teatro se había acercado tan pocas
veces a la esencia del personaje creado por
Cervantes. La idea del montaje de este
Quijote surge cuando la compañía valenciana,
con más de dos décadas de existencia en el
teatro independiente español, está trabajando
en su producción anterior, Galileo, de
Bertolt Brecht. Un día, contemplando sobre
el escenario a los actores Vicente Cuesta y a
Sandro Cordero, nos percatamos de que ante
nuestros ojos estaban el Quijote y el Sancho
perfectos. Resulta que en la propia compañía
se encontraba el elenco perfecto para afrontar
este gran proyecto global. Ahora, no nos
equivocamos si afirmamos que nuestro
Quijote se ha consolidado como el montaje
que con mayor éxito ha abordado la obra
capital de Cervantes.
u
A juicio de Sánchez muchos espectadores
conocen la novela de El Quijote, pero no todo
el mundo la ha leído o la ha disfrutado en su
totalidad. Lo importante de esta obra celebé
rrima es que se encuentra poderosamente
asentada en el ideario cultural del público;
todos hemos disfrutado de los paisajes de esta
obra de entretenimiento por excelencia de
nuestra literatura. Muchos se imaginan un
texto denso, y se asombrarían con su lectura
al descubrir que se trata de una novela
tremendamente divertida. Cuando plantea
mos esta producción queríamos descubrir a
un público joven el contenido de los inteligen
tes diálogos que posee este texto, y diseñar
una obra que hablara de ese viaje que alguien
decide emprender cuando la sociedad que le
rodea no es de su agrado, y a través de la
imaginación es capaz de transformar el
mundo. En ese cambio se implica un perso
naje como Sancho Panza, que poco a poco
acierta a descubrir en ese Quijote no a un
loco, sino a un hombre lúcido e íntegro con
sus ideales, señala el director.
L'Om Imprebís se sirve para este montaje de
recursos que van desde la música en directo al
teatro de objetos, desde la plástica de una
iluminación pionera en el mundo del teatro a
un amplio elenco actoral. Hemos contado con
todas las herramientas que pone a nuestro
alcance el teatro. Diálogos, ambientes sonoros,
humor, emoción... nos interesa el teatro de
objetos, que más que marionetas se convierten
en esta obra en objetos que sirven a los actores
para contar. Y de esa manera puede ser
tremendamente emotivo ver al Quijote-actor
manejar a su propia marioneta-Quijote.
Santiago Sánchez aconseja al público que se
siente en su butaca sin prejuicios. El especta
dor se lo va a pasar muy bien. Se va a divertir y
se va a emocionar. Va a descubrir algún pasaje
de El Quijote del que jamás se había percatado.
Lo que queremos contar es una historia del ser
humano al ser humano. Ésta no es una función
sobre la principal y más grande obra de nuestra
literatura, sino sobre la metáfora más impor
tante de nuestra vida, de nuestra condición de
ser. Si somos capaces de imaginar un mundo
mejor, tarde o temprano lo conseguiremos.
Para el director que también ha firmado
otras producciones de éxito como Los
mejores sketchs de Monty Phyton o Imprebís,
la compañía valenciana no puede permitirse
el lujo de hacer un teatro que no diga nada a
la sociedad en que vivimos. Como personas de
cultura y de teatro, con total modestia, lo que
queremos es tener una relación directa con las
inquietudes del espectador. Divertirlo y
Á
hacerlo pensar en qué mundo estamos
viviendo. De alguna manera esa es la base de
nuestro trabajo en Imprebís: formular metáfo
ras sobre lo que está pasando. Luchamos por
defender nuestra verdad y un espacio de
libertad que no es otro que el de la creación, que
puede estar condicionado por el poder.
El teatro es un juego donde hay pasión, genero
sidad, imaginación... Cuando producimos un
espectáculo establecemos ese juego como
criterio y fundamento. Le planteamos al
público qué desea ver, y a partir de ese instante
establecemos una comunicación para poder
encontrarnos. Lo fundamental en el teatro son
las ganas de encontrar a la gente, de compartir.
Hay que encontrar un nuevo público, pero no
sólo quedarse en la anécdota de la improvi
sación, sino pensar que esa improvisación es
sinónimo de libertad, y que esa libertad adquie
re toda su dimensión cuando se aplica a los
grandes textos y obras maestras del siglo XX,
como son las de Bertolt Brecht o Bernard-Marie
Koltés.
Es un orgullo que cada año afrontemos más de
350 funciones en toda España a través de la
Red Nacional de Teatros. Nuestras obras se han
estrenado en Nueva York, Washington, Colom
bia, Venezuela, Guinea, Cuba, Francia,
Italia... Hemos recibido numerosos premios
como el Ercilla de Bilbao, o el de la Asociación
de Espectadores del Palma de Mallorca.
Nuestro deseo es seguir haciendo un teatro
abierto a todos los públicos, porque en ese
encuentro se fundamenta la esencia de nuestro
trabajo; utilizar los textos de los clásicos y
contemporáneos en espectáculos de formatos
diferentes, concluye Santiago Sánchez.
A VUESTRO GUSTO
Una gran celebración del amor
La británica Tamzin Townsend dirige esta comedia de Shakespeare que
interpretan ocho jóvenes actores, que aspira a exportarse como una
coproducción de éxito en los escenarios de la península
Tras la experiencia esta pasada temporada de
la coproducción del montaje de Federico
García Lorca, La zapatera prodigiosa, el
Teatro Cuyas vuelve a comprometerse en otro
proyecto que, al igual que el mencionado,
tendrá una vertiente pedagógica en el marco
del ciclo Tocateatro, que promueven las
consejerías de Cultura y Patrimonio
Histórico y Educación del Cabildo de Gran
Canaria. En la coproducción de la obra A
vuestro gusto, una comedia de Shakespeare
que dirige la británica Tamzin Townsend,
participa asimismo La Luciérnaga Produccio
nes, empresa que tras realizar un casting de
actores el pasado mes de mayo, seleccionó a
Leo Medina, Paco Déniz, Alba Calvo, Octavio
García, Hermi Orihuela, José Carlos Campos,
Mingo Ruano y Yanara Moreno, como
intérpretes de esta comedia teatral llena de
reveladoras adivinanzas, multitud de pregun
tas y respuestas, apariencias y diálogos
surrealistas.
Su directora, Tamzin Townsend, avanza que
A vuestro gusto se propone como un espectá
culo muy divertido y vital, dotado de un fino
sentido del humor, que habla de la identidad,
la libertad personal, el amor, la justicia... Es
una adaptación libre, en la que hemos
w
utilizado partes del texto de la obra de
Shakespeare, y otros fragmentos del cuento
narrado por los hermanos Charles y Mary
Lamb, para construir una fábula aderezada
con canciones y bailes. Ocho actores y un
percusionista dan vida a la obra, cuyo único
elemento escenográfico es una escalera. La
coproducción cuenta con escenografía de
Hamid Blell, iluminación de José Manuel
Guerra, vestuario de Trastornados, y coreo
grafía de Claudio Martín.
Me gusta trabajar con los actores como en un
laboratorio. Opto por la improvisación actoral,
ya que esta pieza es muy imaginativa. El
espectador entra con facilidad al cuento y en el
discurso que propone la gran literatura de
Shakespeare, dice. Tanto la capacidad de
invención como el corrosivo sentido del
humor del dramaturgo enterrado en una
tumba sin nombre, cifrado, sobre todo, en
unos diálogos positivamente geniales y en
unas situaciones delirantes, nos muestran
una visión lúcida de un autor que con eficacia
nos propone un ambiguo escenario para el
juego y la experiencia fantaseadora, que nos
deja cautivos de los propios absurdos de los
personajes que viven como ensoñaciones
liberadoras todos sus anhelos.
25
ENTREVISTA
TAMZIN TOWNSEND
Pretendo borrar la idea de que Shakespeare aburre,
o que su teatro está por encima de nuestras aspiraciones
Reside en Barcelona desde el año 1992.
Casada con un actor catalán e hija de un
escritor y de una actriz, la británica
Tamzin Townsend se ha convertido a sus
38 años de edad en una directora de
moda en España, tras el rotundo éxito de
público y crítica dispensado a tres
montajes que aún prosiguen exhibién
dose en cartelera, El método Gronhólm,
de Jordi Galcerán; Historia de una vida,
de Donald Marguiles y Pequeños
crímenes conyugales, de Eric-Emmanuel
Schmitt. Tras estudiar dirección teatral y
dramaturgia en la Universidad de Kent,
a Townsend le proponen dirigir en
Barcelona Bones festes, de Alan Ayckbourn,
montaje nominado mejor espectáculo de
la temporada en la Ciudad Condal.
Desde entonces no he parado y reconozco
que he tenido mucha suerte, señala
Tamzin Townsend, que ha firmado
diversas ayudantías de dirección en
cuatro óperas junto a Henry Little,
Gilbert Defló, Alexander Edtbauer y
Ariel García Valdés.
El actor y director canario Quino Falero
animó a Tamzin Townsend a que estudiara
la posibilidad de dirigir A vuestro gusto,
un título que supondrá la segunda
producción del Teatro Cuyas en el marco
de la experiencia pedagógica Tocateatro.
Falero se ha convertido en uno de los
estrechos colaboradores de la directora
británica, con quien ha trabajado en los
montajes El método Gronhólm y Peque
ños crímenes conyugales, y con el que
volverá a colaborar en su última direc
ción, la obra de Neil Labute, ¡¡¡Gorda¡¡¡.
Sobre esta nueva producción del Teatro
Cuyas y la productora grancanaria La
Luciérnaga, avanza que siendo buena
inglesa no podía renunciar a la oportuni
dad de dirigir la que considero una
de las mejores comedias de William
Shakespeare. Había dirigido un Macbeth
en 1996 y un Rey Lear mucho antes. A
vuestro gusto será la tercera obra del
dramaturgo inglés que pretende dirigir
como si fuera un juego fluido y
dinámico. Los ochos actores interpretarán
múltiples personajes, cantarán, bailarán, y
afrontarán distintos registros. Por ello, en el
proceso de selección de actores y actrices, buscó
personajes versátiles, capaces de transformarse
desde seniles varones a payasos, pasando por
ovejas o trovadores. Me interesa la energía vital
de la gente, y no montar un Shakespeare embria
gante que haga historia. Me gusta imprimirle a
mis direcciones mucho dinamismo, y pretendo
ante todo borrar la idea de que Shakespeare,
como clásico, aburre o que su teatro se encuentra
por encima de nuestras aspiraciones. Lo que hace
grande e imperecedera la producción de
Shakespeare es que su obra siempre contiene algo
que ya nos pertenecía como individuos. Escrita
hace miles de años, su literatura nos habla ahora
con una vigencia que asusta, quizás porque los
temas que aborda su teatro son los grandes
dilemas alrededor de los que ha estado girando la
vida del hombre desde que es hombre. Todas las
historias que se han contado tienen que ver con
alguna que ya ha contado él. Todas las relaciones
posibles están exploradas en Shakespeare.
Tamzin Townsend explica que A vuestro gusto
trata de la huida de dos chicas que se alejan de la
rigidez y las mentiras que asolan el palacio del
duque. Los cambios de identidades operan en la
obra liberando pasiones, y en el bosque puede
ocurrir todo lo que en la sociedad urbana es
impensable que ocurra. En esta pieza Shakespeare
expone una vieja aspiración helénica, según la
cual el incentivo del amor no ha de pasar por el
determinismo del sexo. Según Townsend, en
teatro siempre hay que estar atento a lo que el
público demande. El espectador necesita ver buen
teatro y sentir que desde el otro lado del escenario
no lo traten como a un tonto. El teatro es una
energía vital.
26
LA ACENTUADA AMBIGÜEDAD DE LA VIDA
Y EL ARTE COMO ESPEJO
La obra A vuestro gusto se ubica en la
zona central de la producción de William
Shakespeare, quien se inspiró a la hora de
escribirla en el romance en prosa Rosalynde,
escrito por Thomas Lodge durante un viaje a
las Islas Canarias, de la que se realizaron, en
los cincuenta años siguientes a su
publicación, hasta nueve ediciones que
demuestran el interés por esta pieza a lo largo
de finales del siglo XVI y primera mitad del
XVII. Shakespeare mantuvo, en líneas
generales, la historia tal y como la encontró
en Lodge, introduciendo, sin embargo,
algunos cambios significativos, lo que
permite a distintos estudiosos apuntar al
menos otras tres fuentes añadidas. Éstas son
Syr Clyomon and Clamydes, una obra
anónima impresa en 1599; Every man in his
humour, de Ben Jonson, que fue representada
en 1598, y Diana, una obra de Jorge de
Montemayor publicada en 1559 sobre todas
las pastorales del Renacimiento.
La fecha de composición de esta comedia
puede fijarse alrededor de 1599. En ella el
celebérrimo autor recupera, a partir de una
óptica renacentista, uno de los temas morales
y sociales más debatidos de la Edad Media: el
enfrenamiento entre la vida en el bosque y la
vida en la ciudad. Los abundantes signos de
ambigüedad erótica que encontramos en A
vuestro gusto son el ropaje tras el que se
esconde una clave: que la felicidad o la
tristeza -el triunfo de la hermosura o la
marginación de quien no la posee- son caras
de una misma moneda, versiones provisio
nales de la vida o el arte. La transformación
que aquí se opera es la del cambio de identi
dad sexual: Rosalinda se difraza de hombre y
por tal es tenida; pero a la vez que se disfraza
de varón, continúa manteniendo con su
enamorado, Rolando, unas relaciones
acentuadamente ambiguas. La ambigüedad
en las conductas es aquí igual a la ambigüe
dad de la vida y del arte como espejo.
A vuestro gusto conforma un ejemplo de las
mejores explosiones verbales construidas por
el autor de Hamlet o Macbeth. Juegos de
adivinanzas, preguntas y respuestas, elemen
tos perturbadores... nos muestran ya la
posibilidad de los diálogos surrealistas en el
teatro a los que se adelantaría Shakespeare.
La versión propuesta en esta coproducción
funde el texto de la obra A vuestro gusto y Los
cuentos de Shakespeare, de Charles y Mary
Lamb, como hilo conductor de la historia. Los
cuentos de Shakespeare fueron escritos en
1807 por los hermanos Lamb en pleno auge
del movimiento romántico. No son tan sólo
un exponente claro de recuperación histórica
de la figura de Shakespeare, sino del mismo
interés por la infancia. Los autores
seleccionaron un total de veinte obras, entre
comedias y tragedias, transcribiéndolas en
forma de prosa con la intención de acercar a
los jóvenes el complejo universo de las
pasiones humanas y el misterio que encierra
la gran literatura del genial dramaturgo.
.*-. A*.
27
TOCATEATRO
Una iniciativa pionera en la difusión
del teatro en España entre los jóvenes
mgm
Para Ignacio García May, asesor pedagógico
del ciclo escolar Tocateatro, que vuelve a
impulsar por segundo año consecutivo en esta
séptima temporada el Teatro Cuyas, está
demostrado estadísticamente que entre los
trece y los dieciséis años los jóvenes optan por
desconectarse del consumo y el disfrute
teatral. En las etapas anteriores, las dosis
teatrales parecen estar garantizadas con su
asistencia (acompañados de sus compañeros
de colegio o bien de sus padres) a los ciclos
infantiles programados. Por ello hay que
valorar positivamente la iniciativa pedagógica
orientada a esos tramos de edad que impulsa el
Teatro Cuyas del Cabildo grancanario, pionero
en España en el desarrollo de este tipo de
acciones divulgativas alrededor del fomento del
teatro, sus autores y sus claves. Ya luego es muy
difícil recuperarlos en su etapa de adultos como
espectadores fieles.
García May, que en la actualidad dirige la Real
Escuela Superior de Arte Dramático, señala
que países como Francia y Gran Bretaña
tienen mejor solucionado el problema
indicado, ya que en la programación de sus
teatros nacionales se conciben a menudo
producciones juveniles e infantiles con el
mismo nivel de calidad y compromiso que el
ofrecido en el teatro para adultos. En España,
el teatro infantil y juvenil, se trata lamen
tablemente como un reducto escénico aparte,
como un anexo al que a veces se recurre para
i
cubrir el expediente. Nunca veremos a un gran
actor en un montaje juvenil, o a un director
hacerse cargo de su dirección. Por ello, Ignacio
García May se congratula que sea la directora
de éxito afincada en España, Tamzin
Townsend, la que afronte la dirección de la
producción A vuestro gusto, de William
Shakespeare, que se estrenará indistintamente
tanto para el público adulto como para el
juvenil en el Teatro Cuyas durante los meses
de octubre y noviembre.
La mayor parte del teatro no está pensada para
el espíritu de esos chavales, que se manejan en
un universo dominado por la tecnología y la
dimensión visual del espectáculo. Nos guste o
no nos guste, los intereses, sensibilidades y
preferencias culturales y de ocio de un chico de
quince años no son las mismas que las de un
adulto. No deberíamos juzgarlo como una
simple cuestión moral, y mucho menos tratarlos
como sí fuesen tontos, precisamente en una
edad complicada en la que se autorreafirman
como personas a través de la rebeldía como
arma de expresión y disconformidad con las
normas establecidas. Ese rechazo inicial
deberíamos convertirlo con planteamientos
sugerentes en una posibilidad, explica el asesor,
para quien la imagen social del teatro y de la
enseñanza del mismo precisa un respaldo
político sin fisuras, sea cual sea el partido que
gobierne.
EL CABILDO
GRANCANARIO
IMPLANTA
EL HÁBITO TEATRAL
La experiencia del proyecto Tocateatro fue
impulsada la pasada temporada por tres
consejerías del Cabildo de Gran Canaria: la
de Cultura y Patrimonio Histórico, la de
Educación y Patrimonio, y la de Juventud y
Nuevas Tecnologías. A través del Teatro
Cuyas y la empresa La Luciérnaga Produccio
nes, se puso en marcha la producción de la
obra de García Lorca, La zapatera prodigiosa,
un montaje en el que se han involucrado un
total de 71 centros escolares y distintos
espacios culturales y cívicos de la isla. Más de
seis mil alumnos vieron este título, cuyo
índice de ocupación alcanzó el 62,48 por
ciento.
El posterior trabajo de campo efectuado
entre los profesores consultados y unos 600
escolares, arroja datos muy elocuentes. El
63,48 por ciento de los chicos encuestados
acude a veces al teatro; mientras que el 34,76
no lo hace nunca, y sólo el 1,76 lo disfruta
muchas veces. Los educadores dedican al
estudio del teatro en sus aulas, el 56,52 por
ciento con carácter mensual; el 17,39 lo hace
quincenalmente; el 8,69 lo hace semanalmente
en aulas específicas de teatro, y el 8,69
nunca lo hace.
Entre las preferencias de los alumnos consul
tados figuran en la encuesta realizada obras
preferentemente de Lorca y Shakespeare,
seguidas de autores como Cervantes,
Fernando de Rojas, Lope de Vega, Calderón,
Pérez Galdós, Valle-Inclán, Unamuno y
Jardiel Poncela. Un 13,89 por ciento de los
escolares no contestaron con el nombre
específico de un autor, sino con el tipo de
género que les apetecería contemplar más a
menudo: obras románticas, comedias,
intriga, ciencia ficción, juveniles con las que
puedan identificarse, y grandes musicales. Un
4, 63 por ciento contestó que no conocía obra
de teatro alguna.
De cualquier manera, un 93,29 por ciento de
jóvenes contestó que estaría encantado de
seguir viendo obras de Lorca, y a un 88,10
le gustó ver representada La zapatera prodi
giosa.
LA PAGINA DEL CUYAS
TARJETAS DEL TEATRO
10 20
Si usted compra simultáneamente tres
entradas para tres espectáculos diferentes,
se le aplicará el BONO 10, por lo que se
beneficiará de un descuento del 10%. El
Bono 10 se podrá renovar cada vez que
se compren simultáneamente entradas
para otros tres espectáculos diferentes.
Para ser titular de la TARJETA 20 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de cinco entradas para cinco
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 20% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá
adquirir posteriormente entradas con el
mismo tipo de descuento a lo largo de la
temporada vigente. Disfrutará además de
un periodo prioritario de compra que será
anunciado convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 30 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de ocho entradas para diez
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 30% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá adquirir
posteriormente entradas con el mismo tipo
de descuento a lo largo de la temporada
vigente. Disfrutará además de un período
prioritario de compra que será anunciado
convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 50 es necesario
acreditar que es usted jubilado o pensionista
mayor de 65 años y que sus ingresos
mensuales no son superiores al salario
mínimo interprofesional.
La TARJETA 50 supone un descuento
aproximado del 50% sobre la tarifa inicial.
CONDICIONES DE USO
Tienen carácter personal e intransferible. Su vigencia es anual (de temporada en temporada). Deberán mostrarse en la taquilla en el momento de efectuar la adquisición
de las entradas junto con el DNI, y podrán ser solicitadas en la entrada de los espectáculos. El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a estos
descuentos. Los descuentos serán aplicados en el momento de efectuarse la compra. En ningún caso después de haberse emitido la entrada. No se admitirán cambios ni
devoluciones de las entradas.
OTROS DESCUENTOS
CARNE JOVEN EURO 26
Presentando el carné joven Euro 26 junto
con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
MENORES DE U AÑOS
Presentando el DNI o el libro de familia,
podrá adquirir automáticamente la
tarjeta 30.
CARNÉ UNIVERSITARIO
Presentando el Carné de Estudiante
Universitario de la ULPGC, junto con
el DNI, podrá adquirir automáticamente
la tarjeta 30.
DESEMPLEADOS
Presentando la tarjeta de desempleo de
la ACE junto con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 50.
PENSIONSITAS 0 JUBILADOS,
MAYORES DE 65 AÑOS
Acreditando que es jubilado o pensionista
mayor de 65 años, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
Para beneficiarse de estos descuentos,
tanto a la hora de adquirir localidades
como para acceder a la sala, deberá
presentar los documentos pertinentes.
PRECIOS DE GRUPOS
Existen descuentos especiales para grupos
concertados a partir de 14 personas.
DISCAPACITADOS EN SILLA DE
RUEDAS
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento
aproximado del 40% sobre el precio de
la localidad de patio de butacas.
VENTA DE LOCALIDADES
HORARIO DE TAQUILLA
de 11.30 h. a 13.30 h.
y de 17.00 h. a 20.30 h.
Teléfono: 928 432181
Oficinas: 928 432180
Venta telefónica de entradas
902 405 504
Los días de espectáculo la taquilla
permanecerá abierta hasta la hora
de comienzo del mismo.
Una hora antes del inicio de
cada función no habrá venta
anticipada.
Los días de función, a partir de las
18:30, no se expedirán tarjetas del
teatro.
Sólo se aplicarán descuentos a tarjetas
que hayan sido actualizadas.
■ En el momento de retirar las entradas,
rogamos compruebe la fecha, hora, importe
y numeración de sus localidades.
■ No se admiten cambios ni devoluciones
de las entradas.
■ El Teatro no garantiza la autenticidad de
las entradas que no hayan sido adquiridas
en los puntos oficiales de venta.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
establecer un cupo máximo de venta de
localidades por persona y espectáculo.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
modificar el aforo en virtud del tipo de
espectáculo programado.
■ Las entradas de foso (filas Ay B) se pondrán
a la venta discrecionalmente por el Teatro,
sin la anticipación del resto de localidades,
en función de las características técnicas y
artísticas de cada espectáculo.
■ Las localidades del Teatro Cuyas están
subvencionadas por el Cabildo de Gran
Canaria. Ninguna reventa de las mismas
está autorizada por el Teatro.
■ Se ruega MÁXIMA PUNTUALIDAD.
Una vez comenzada la representación, y
en función de sus características, el Teatro
se reserva la posibilidad de retrasar o
prohibir la entrada en la sala.
■ Se prohibe entrar con comida y bebida
en la sala, así como con animales, excepto
perros guía. En este caso se aplicará la
normativa vigente.
■ No está permitido fumar en el interior
del Teatro.
■ Está terminantemente prohibido
cualquier tipo de filmación, grabación o
realización de fotografías (con o sin flash)
en el interior de la sala.
■ Se prohibe la entrada en el recinto con
cualquier objeto que la organización
considere peligroso.
■ En atención a los artistas y al público,
se ruega eviten cualquier tipo de ruido
durante la representación, tanto en el
interior de la sala como en los vestíbulos,
pasillos y escaleras.
■ Se ruega desconectar los teléfonos
móviles, alarmas o cualquier otro tipo de
señal acústica en el interior de la sala.
■ En espectáculos con pausa, conserve la
contraseña.
■ El Teatro dispone de espacios habilitados
para minusválidos, situados en el patio de
butacas.
■ Existen hojas de reclamaciones a
disposición de los espectadores.
VENTA ONUNE
www.generaltickets.com/lacajadecanarias
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Deseamos que nuestra dirección electrónica infoOteatrocuyas.com se convierta en un instrumento en el que queden reflejadas cuantas sugerencias y comentarios
desee formular a este teatro. No dude en transmitirnos sus inquietudes sobre nuestra programación, servicios, modalidades de tarjetas, sistema de venta de
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PROFESIÓN:
POBLACIÓN:
TELÉFONO:
SEGUNDO APELLIDO:
DIRECCIÓN:
C.P.:
MÓVIL:
NOMBRE:
DNI:
E-MAIL:
FIRMA:
28
05O6
septiembre/octubre
LA REINA DE LAS NIEVES
y otros cuentos de Andersen
Espectáculo musical para toda la familia
Dirección: Manuel Román
SEPTIEMBRE 16 (20.00 hj. 17 (12.00 h.l, (18.00 h.) y 18 (18.00 hj
Patio de butacas
Adultos: 15€ / Niños hasta Uaños: 12€
1o Anfiteatro
Adultos: 12€ / Niños hasta U años, 10€
2o Anfiteatro
Adultos: 8€ / Niños hasta K años: 6€
COMO AGUA PARA CHOCOLATE
de Laura Esquivel
Compañía Ados Teatroa
Dirección: Garbi Losada
SEPTIEMBRE 23, 24 y 25 (20.30 h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BONO 10 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
18
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11
16
13.50
12
10
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11
13
11
9
7.50
6.50
5.50
MI QUERIDO EMBUSTERO
con Norma Aleandro y Sergio Renán
Adaptación teatral de Jerome Kilty
de las cartas de Bernard Shaw y Stella Campbell
SEPTIEMBRE 29 y 30 (20.30 h.)
OCTUBRE 1 (20.30 h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BONO 10 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
EL PERRO DEL HORTELANO
de Félix Lope de Vega
2Rc Producciones
Dirección: Rafael Rodríguez
Coproducción del Teatro Cuyas
OCTUBRE 6, 7 y 8 (20.30 h.)
PRECIOS EN € INICIAL BONO 10 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
18
15
13
11
16 15
13.50 12
12 11
10 9
13
11
9
7.50
6.50
5.50
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
18
15
13
16
13.50
12
10
15
12
11
13
11
9
9
7.50
6.50
5.50
QUIJOTE
Texto de Juan Margallo y Santiago Sánchez
a partir de la obra de Miguel de Cervantes
Compañía L'Om Imprebís
Dirección: Santiago Sánchez
OCTUBRE U, 15 y 16 (20.30 h.)
PRECIOS EN € INICIAL BONO 10 TARJETA 20
PATIO DE BUTACAS 18 16
1er. ANFITEATRO BAJO 15 13.50
1er. ANFITEATRO ALTO 13 12
2do. ANFITEATRO 11 10
15
12
11
9
TARJETA 30
13
11
9
8
TARJETA 50
9
7.50
6.50
5.50
A VUESTRO GUSTO
de William Shakespeare
Dirección: Tamzin Townsend
La Luciérnaga Producciones
Coproducción del Teatro Cuyas
\
OCTUBRE 28, 29 (20.30 h.) y 30 (19.00 h.)
PRECIOS EN € INICIAL
PATIO DE BUTACAS 18
1er. ANFITEATRO BAJO 15
1 er. ANFITEATRO ALTO 13
2do. ANFITEATRO 11
BONO 10
16
13.50
12
10
TARJETA 20
15
12
11
9
TARJETA 30
13
11
9
8
TARJETA 50
9
7.50
6.50
5.50
- H
H
0VIEMBRE>OICIEMBRE 200!
COMPAÑÍA MARÍA PAGES
El perro andaluz
Flamenco Republic
Dirección: Mai ía Pagés
2.3 l20.3Uh.ly/! de Diciembre [19.00 h.]
La apoteosis de la danza españi
SOBRE HORACIOS Y CURIACIOS
TEATRO DE LA ABADÍA
M.ix 2005 al mejoi espet tá< ulo de teatn
9, 10 (20.30 h.)y 11 de Diciembre (17.(JO h.
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LA EXTRAÑA PAREJA
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Dirección: Juan José Afonso
8.00 h.y 21.00 h.) y 18 de Diciembre (18.00 h.)
EL LAGO DE LOS CISNES
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26 de Diciembre al 8 de Enero (12.00 h.y 17.00 h.)
Excepto 31 de Diciembre, 1, 5 y 6 de Enero