Nº28
Junio-Julio
2007
Un Galdós con todos los honores
CABARET
Un musical,
dos historias de amor
J´ARRIVE...!
Un intenso viaje que revisa
el universo de Marta Carrasco
VISITANDO AL SR. GREEN
Echanove ante su primer
reto como director teatral
CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA
El carácter mestizo del flamenco
de María Pagés
AVANCE TEMPORADA 07/08
Cita con el teatro y la danza de calidad
2666
El Teatro Cuyás coproduce
la obra cumbre de Bolaño
LA DUDA
SUMARIO
TEMPORADA
2006 / 2007
04
CABARET
Concluyen las funciones del musical que
nunca olvidará
06
J’ARRIVE...!
Un montaje que sigue la línea creativa e
innovadora de Marta Carrasco
08
ENTREVISTA CON MARTA CARRASCO
La bailarina confiesa que si una cosa ha
aprendido es a no tener miedo
10
VISITANDO AL SR. GREEN
Pere Ponce y Juan José Otegui se ponen a las
órdenes de Juan Echanove en esta obra que
habla de la verdadera medida de lo humano
11
ENTREVISTA CON JUAN ECHANOVE
El actor habla de las claves de la primera
obra que afronta como director
14
CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA
El flamenco antibelicista de María Pagés
16
ENTREVISTA CON MARÍA PAGÉS
María Pagés explica que lo más que le
interesa del flamenco es su potencial como
manifestación expresiva de lo popular
18
LA DUDA
Benito Pérez Galdós se representa por
segunda vez en el Teatro Cuyás
19
ENTREVISTA CON NATI MISTRAL
La actriz dice que todos seguimos sufriendo
infidelidades y mentiras de nuestros seres
más cercanos
20
ENTREVISTA CON ÁNGEL FERNÁNDEZ
MONTESINOS
El director de La duda asegura que ha
dulcificado el drama otorgándole un aire de
naturalidad
22
AVANCE ESPECTÁCULOS TEMPORADA
2007/2008
24
2666
El Teatro Cuyás coproduce con el Teatre Lliure
y el Teatro Español, la monumental obra del
escritor chileno Roberto Bolaño
26
PRECIOS
27
BONOS Y DESCUENTOS
Los descuentos a los estudiantes se amplían a
todas las universidades
del nazismo envuelto en negocios sucios, Ernst Ludwig.
La crónica de ese descenso a los inernos está contada por un
brillante maestro de ceremonias, Emcee. Cabaret deja
translucir las sensaciones de un pueblo entrando en un
momento crítico de su historia, y de un lugar en el que sus
clientes pretenden evadir todos los matices de la esmaltada
realidad, disfrutando de la vida con una atrevida y glamourosa
ironía.
El montaje que se presenta en el Teatro Cuyás es el mismo que
se estrenó en el Nuevo Teatro Alcalá en Madrid hace cuatro
años, y que ya han visto más de un millón de espectadores.
Cabaret rompe el esquema clásico de los musicales, que sitúa
a la orquesta en el foso. En esta producción la banda forma
parte de la escena, y los intérpretes son también protagonistas
de la historia. En el inconsciente colectivo del público
permanecen temas musicales inolvidables, como aquel que
estableció que la vida es un cabaret sin n, o aquel otro que
hacía una auténtica tragicomedia sobre el valor del dinero en
el mundo actual.
No recomendable para menores de 16 años. Por el contenido del
espectáculo y el lenguaje utilizado no se considera apto para
menores de 16 años al no querer dañar la sensibilidad de algunas
personas.
Sam Mendes, el director de la oscarizada American Beauty, y
Rob Marshall, el director de Chicago, han sido dos de los
responsables de que abriera sus puertas en España el Kit Kat
Klub, el mítico night club berlinés donde convergieron en los
años treinta, todo tipo de personajes de la decadente sociedad
y las lujuriosas noches de aquella Alemania que descendía
por la inclinada pendiente del nazismo. Más de una treintena
de actores, bailarines, cantantes y músicos que actúan en
directo, participan en el musical Cabaret, un macroespectáculo
que no sólo ofrece un producto incuestionable, desde el
punto de vista musical y estético, sino que nos adelanta dos
historias de amor cruzadas repletas de teatralidad y giros
inverosímiles, que dan cuenta de la condición humana.
En ese sórdido cabaret en el que muchos se adentraban para
ahogar sus penas y sus conciencias con el alcohol, mientras
trataban de olvidar disfrutando de los excesos y del
maravilloso espectáculo que en su interior se producía, tiene
lugar la trama de este montaje. En la historia se yuxtaponen
dos historias de amor, la de la casera Fraulein Schneider y del
frutero Herr Schultz, uno de sus inquilinos judíos, y la de
Sally Bowles y Cli Bradshaw, un joven escritor norteamericano,
mientras los primeros zarpazos del nazismo se dejan oír
bajo la alegre fanfarria del Kit Kat Klub. La trama se va
tejiendo con otros personajes que pasan por el club, como la
prostituta Fraulein Post, o el berlinés simpatizante
CABARET
EL ESPECTÁCULO QUE REVOLUCIONÓ EL GÉNERO MUSICAL
Tocan a su fin las funciones que constituyen la última oportunidad
para disfrutar de esta soberbia producción en la que participan
más de treinta actores, cantantes y músicos
_04
La obra Soy una cámara, escrita en 1951 por
John van Druten e inspirada en uno de los
personajes de Adiós a Berlín —serie de
relatos de Christopher Isherwood, de la
década del 30—, es el origen de Cabaret. El
director Harold Prince y el libretista Joe
Mastero situaron la historia en el ambiente
lúgubre del cabaret y crearon, en 1966, el
musical, con canciones compuestas por John
Kander y Fred Ebb. Esa puesta, en Broadway,
fue merecedora de ocho premios Tony.
Después hubo otras dos versiones: el remake
de Prince, en 1987 y la versión de Sam
Mendes, de 1993, que en 1998 se presentó en
Nueva York, en la sala Studio 54.
La producción de aquí ha sabido recrear en
español la obra original y el ambiente en que
se estrenó.
El País
La puesta en escena resulta impresionante.
Los números musicales, rmados por Rob
Marshall, rebosan calidad.
La Netro
Que el espectador se prepare para una
experiencia única, dura e inolvidable.
Revista Tiempo
Berlín, Kit Kat Klub: cabaret conmovedor.
Grandeza de Cabaret.
El Mundo
Cabaret, interpretado con gran entrega y
profesionalidad por todo el elenco. La
música y el sonido son espléndidos.
La Razón
Cabaret es un magistral espectáculo, una joya
del teatro musical por su concepción, su
puesta en escena y la perfecta conjunción de
elementos.
Abc
ACTA DE NACIMIENTO
05_
CONMOVEDOR CABARET
_04
La coreógrafa y bailarina Marta Carrasco firma con Carme Portaceli un sugestivo
espectáculo que revisa una década de trayectoria dedicada a la danza moderna
_06
J´ARRIVE...!
MUTACIONES INQUIETANTES QUE EMOCIONAN Y CONMOCIONAN
así como otros catorce temas que suponen un repaso desde Jacques
Brel a Tom Waits, pasando por Mahler o Blancanieves y los siete
enanitos.
De esta forma, el espectáculo reúne todas esas cualidades ya
características de la compañía que se resumen en sentimientos
relacionados con la emoción, la ternura, la lucha, la entrega, la risa
y la vida. Mucha vida. El elenco está compuesto por cinco intérpretes,
(Marta Carrasco, Adrian Devant, Carme González, Xavi Sáez y
Cristina Sirvent) como le gusta bautizar a sus bailarines a Marta
Carrasco, y la escenografía de Lluís Danès, nos invita a entrar en
este universo de la coreógrafa catalana con pequeñas pinceladas de
sus diferentes piezas, caracterizadas por ese particular vocabulario
corporal, su poesía del movimiento y su agitación de cánones
establecidos sobre la danza y el teatro.
Después de bailar en varias compañías de danza, Marta Carrasco
comienza su trayectoria en solitario como creadora e intérprete en
el año 1995 con el espectáculo de danza-teatro Aiguardent. Desde
entonces su carrera ha sido imparable, interpretando y dirigiendo
espectáculos como Bodas de Sangre (2001), El otro lado de la cama
(2004) o Ga-gá (2005), entre muchos otros. Con estudios de piano,
canto, danza clásica, contemporánea y jazz realizados en París y
Nueva York, Marta Carrasco ha bailado en compañías como
Metros o Mudances. Pero es con el mecionado Aiguardent y Blanc
d’ombra, solos que ella interpreta, que se gana el reconocimiento del
público y se multiplican sus colaboraciones que incluyen participaciones
en las película Viaje a la luna, de Amat; Iberia, de Carlos
Saura, las coreografías del musical A Little Night Music, de Gas, u
obras como Ronda de mort a Sirera, de Salvat.
En estos diez años de trabajo, la compañía de Marta Carrasco ha
recibido los premios Crítica Teatral de Barcelona (1996-1997); el
Butaca (Premio del público) (1999 y 2001); cuatro Max de las Artes
Escénicas (2003); el Aiguardent (2003) y el Premio Nacional de
Danza por parte de la Generalitat de Catalunya.
La compañía de Marta Carrasco ha alcanzado una plena madurez
dentro del ámbito del teatro y la danza. Lo demuestran sus diez
años de trayectoria profesional en los que se ha consolidado como
una de las promotoras de mayor calidad e innovación dentro del
ámbito cultural nacional. Marta Carrasco es una creadora difícil de
clasicar, es una poetisa de la escena en todos los sentidos y con
todos los lenguajes. Con el movimiento, la música, la palabra y las
imágenes de su imaginario personal, trastorna las emociones y
conmueve al espectador.
A modo de celebración, la compañía ha producido su último
espectáculo J´arrive...! (nominado al Mejor Espectáculo de Danza,
a la Mejor Coreografía, a la Mejor Intérprete Femenina de Danza y
al Mejor Intérprete Masculino de Danza en los premios Max de las
Artes Escénicas 2007) un montaje que homenajea y resume los
cinco espectáculos que han nutrido esta década de trabajo. La
propuesta, que está coproducida por la Compañía de Marta
Carrasco, el Teatre Nacional de Catalunya, La Llave Maestra y La
Zona Films, se estrenó en el Teatre Nacional de Catalunya el año
pasado 2006 y supone un punto y aparte en la carrera de Marta
Carrasco, pero nunca un punto y nal. El montaje cuya coreografía
codirige su el colaboradora, Carme Portaceli, es la segunda
producción que presenta Marta Carrasco en el Teatre Nacional de
Catalunya, como compañía de danza residente.
Portaceli nos invita a comparar la obra con una abducción: Cuando
empieza la música entramos en otro mundo, en el mundo de Marta
Carrasco, y cuando se baja el telón volvemos a la realidad, es como
una abducción. Y continúa con el contenido de la pieza: Habla de
gente perdedora (todos somos un poco perdedores), de amor, de
emoción a or de piel...
Este décimo aniversario supone un nuevo motivo para impulsarse
dentro de su espíritu renovador y seguir realizando montajes que
sigan una estricta línea creativa e innovadora. En J'arrive...!, se
incluye la canción El nen de Beirut, de Lluís Llach, autor de la pieza,
07_
La bailarina conesa que siente que se ha agotado una etapa que
ha coincidido con la conclusión de su compromiso como compañía
residente del Teatre Nacional de Cataluña. Hay que reinventarse
y reencontrarse. No hay que tener miedo a seguir
evolucionando, ni a hacer lo que no sabes hacer. Esto es un punto y
aparte. J’arrive...! es un montaje difícil y comprometido, porque ha
sido muy arriesgado sacar de contexto escenas de otras producciones,
ligarlas entre sí e interpretarlas.
J’arrive...! está ambientado sonoramente con innidad de materiales
que han constituido la banda sonora de su existencia. Jacques
Brel está en todos mis montajes. Sin él no hay espectáculos. Es una
obsesión que tengo yo por su voz. Igual que Tom Waits. ¿Pero hay
alguien que no tenga a Waits en su vida? La mezcla de géneros
también responde a mi percepción del alma humana. Hay ladridos
de perros lejanos, desanantes voces infantiles, ruidos que
transportan al espectador a mundos extraños que van desde
estéticas vinculadas a lo clásico a lo contemporáneo.
No sería capaz de denir su estilo, pero tampoco le preocupa. Lo
que sí sabe es que necesitaba este cambio, este punto y aparte para
proseguir. Hay que realimentarse y seguir adelante. Tampoco voy a
dejar que el vértigo me paralice, aunque siempre que empiezo algo
pienso que no lo sabré hacer. Presiento que como intérprete físico
voy a aojar mucho a partir de ahora, y que las maneras de buscar
me llevarán a la conclusión de que el teatro debe servir para algo
más comprometido. De hecho, su próximo gran proyecto que se
estrenará en 2008 en EE.UU, que estará coproducido por el
Goodman eatre de Chicago, está basado en el duro documental
de denuncia de Hubert Sauper, La pesadilla de Darwin.
Según la coreógrafa y bailarina Marta Carrasco, su espectáculo
J’arrive...! no es otra cosa que la celebración de los once años de
trabajo intenso alrededor del lenguaje de la danza a partir de la
reinterpretación de todo lo que hemos producido como compañía.
Es una mirada festiva y serena desde el hoy, que no tiene nada que
ver con la mirada de hace diez años. Pero también es una mirada
más clara y contundente. Lo que hay que decir se dice, porque si una
cosa he aprendido es a no tener miedo. La tendencia de esta compañía
ha sido hablar de los claros y los oscuros del ser humano y que
forman parte de nosotros. Ni los evitamos ni dejamos de hablar de
ellos porque forman parte de la compleja y fascinante alma
humana. No hay ni tabúes, ni ltros: si hablamos de maltrato
hablamos de maltrato; si hablamos de violencia hablamos de
crueldad, pero también hablamos de ternura y humor.
La bailarina, que añade que su título está en francés porque soy
francófona y no puedo evitarlo, señala que se considera una privilegiada
que más o menos vive del teatro con su compañía y que puede
llegar a nal de mes. Yo no tengo una vida interior terrible, sólo abro
los ojos he interpreto en mis montajes la dura realidad que contemplo.
Por ello su danza conmueve y conmociona el estómago del
público. El espectador se siente identicado porque alguna de las
escenas que acontecen en el escenario le son familiares de acuerdo
con sus vivencias, edad, bagaje emocional… La emoción es un
concepto clave en mi ideario y mi lenguaje, al igual que la comunicación.
No pretendo quedarme en mensajes crípticos y herméticos.
Tengo mucho en común con el público que contempla desde su
butaca mis montajes. No me siento diferente a la gente que está
sentada en el patio de butacas. Quizás yo he aprendido con el ocio
a traducir esas pulsiones humanas sobre el escenario. Por eso es tan
importante compartir y saber comunicarlo.
ENTREVISTA
MARTA CARRASCO
“La emoción es un concepto clave en mi lenguaje, al igual que la comunicación”
_08
¿Tienen alma las mujeres? ¿Tienen alma los indios? ¿Tienen alma los
animales?
Siempre esta discusión cuando la pregunta, para mí, sería: ¿Quién tiene
alma y quién no tiene?
Marta Carrasco tiene, la Carrasco tiene alma. Yo creo en el alma. El cuerpo
es, sin duda, una expresión del alma. Como la cara también lo es.
Durante los últimos diez años la he visto en espectáculos como Aiguardent,
Blanc d’ombra (¡qué homenaje a Camille Claudel!), Mira’m, Eterno? Això sí
que no!, Ga-gà. En todos ellos he vivido un tipo de abducción, me han
transportado en un viaje a través del alma que tenían. He vivido de cerca el
dolor, la risa, la ternura, la generosidad, la desconanza, la ironía, la acidez,
la entrega… y una creatividad inabarcable.
El elemento principal de este viaje ha sido la emoción. La causa de la abducción
ha sido el reconocimiento de las emociones más extremas. Navegar
dentro del alma de las personas de quien habla Carrasco.
Alma, cuerpo, corazón, rotura, vida, ojos tristes, ternura, burla, lucha,
entrega, risa, soledad. En diez años… J’arrive…!
POR MARTA CARRASCO
J’arrive…! en francés quiere decir ya voy, ya llego, ya estoy
llegando. Hace más de diez años que estoy corriendo.
En J’arrive…! hay mucho de todo lo que hemos dicho a lo
largo de estos diez años, pero dicho desde hoy. Por lo
tanto, dicho de otra manera. No hay nada igual, porque yo
no soy la misma, soy otra. Sé diez años más de vida. Diez
años muy intensos.
En J’arrive...! quien nos haya seguido reconocerá
evidentemente momentos esenciales de todos los
espectáculos, y también sabrá que no hay términos
medios, no hay concesiones. Porque si alguna cosa he
aprendido es a no tener miedo.
J’arrive…! es un punto y aparte, el nal de un ciclo, pero
no un punto y nal porque nunca se llega, se trata de
seguir corriendo.
POR CARME PORTACELI
APRENDER A
NO TENER MIEDO
09_
YO CREO
EN EL ALMA
_04_10
VISITANDO AL SR. GREEN
DE REPENTE UN EXTRAÑO
Juan Echanove dirige a los actores Juan José Otegui y Pere Ponce en una ingeniosa
tragicomedia urbana escrita por Jeff Baron, que habla de los desencuentros
generacionales y de las soledades íntimas
Ross Gardiner, el joven ejecutivo gay.
La obra se desarrolla en dos actos y nueve escenas. El malhumorado
anciano recibe una tarde de marzo la insospechada visita de Ross
Gardiner, a quien Green cree no conocer, pero que en realidad fue
quien le atropelló con su coche hace unas semanas, razón por la cual
un juez le ha condenado a visitarlo la tarde de todos los jueves,
durante seis meses, con el n de prestarle asistencia domiciliaria. De
repente, la forma de vida rutinaria y solitaria del Sr. Green, quien ha
declarado a los Servicios Sociales no tener familia alguna, se verá
alterada. Entre las tareas que, a regañadientes, logra acordar Ross
Gardiner con el señor Green están la compra de comida y la
limpieza de la casa, que se encuentra inundada de guías telefónicas,
correo atrasado sin abrir, ores secas, cajas de galletas saladas y
folletos publicitarios.
La incipiente convivencia entre ambos y la información que
Gardiner va recabando pronto revelará algunas verdades y secretos
latentes, no sólo de la vida del señor Green, sino también de la de
Ross Gardiner, judío no practicante, que a sus treinta años padece
aún graves tensiones personales por su condición gay. Por si fuera
poco, los encuentros semanales entre ellos generarán un
tragicómico choque generacional y cultural, y un problema lial a
varias bandas. Cada jueves de visita, entorno a una deliciosa comida
kosher, se dibujará un panorama distinto, marcado por desajustes,
situaciones externas o por datos que Ross va descubriendo acerca de
la familia rota del señor Green; datos que revelan que mientras
Green rompió toda relación con su hija, tras el matrimonio de ésta
con un no-judío, su esposa, Yetta Garelick, la mantuvo secretamente
mediante cartas y conversaciones telefónicas de las que Green no
quiso saber nada, hasta que su esposa murió. Tras crisis, temores e
indecisiones del anciano y del joven, ambos se verán esperando en el
salón del apartamento, un radiante domingo de abril, a que se
recomponga la cadena de afectos que se rompió en cada caso.
Juan Echanove, al que los espectadores del Cuyás recuerdan a buen
seguro por sus soberbias interpretaciones en los montajes El verdugo
y El precio, debuta como director de escena con la obra Visitando al
Sr. Green, del norteamericano Je Baron, una tragicomedia urbana
conmovedora que aborda la complicada relación de dos personajes
diametralmente opuestos por su carácter y sus vínculos generacionales.
Los actores Juan José Otegui (el Sr. Green) y Pere Ponce (Ross
Gardiner) interpretan, respectivamente, a un octogenario judío
jubilado que acaba de perder a su esposa y vive solo en un apartamento
del Upper-West de Manhattan, y a un joven ejecutivo gay con
carencias afectivas, condenado a realizar una serie de visitas sociales
al Sr. Green tras haberlo atropellado con su coche.
La obra de Je Baron, de la que se han hecho más de doscientas
producciones en veintiún países y en catorce idiomas, además de
haber sido galardonada con numerosos premios desde que se
estrenara en 1997 en Nueva York, está salpicada de intriga
doméstica, depurado humor, drama sin estridencia, humanidad y
tolerancia. Complejos atributos todos ellos que hoy en día reclama el
público inteligente al teatro contemporáneo; un teatro que habla de
la verdadera medida de lo humano y respira al compás de la transitoriedad
de la vida y sus calambres íntimos.
Je Baron, que empezó siendo guionista de Los Simpsons, ha
indicado que el éxito del que ha gozado este texto en países tan
distintos, se debe a que trata un tema universal: las disfunciones
familiares y las siempre complejas relaciones entre seres humanos de
sensibilidades diferentes. Escribí sobre dos seres neoyorquinos muy
especícos. El hecho de que se haya representado tanto indica que
puede ser muy bien entendida por gente que, en la supercie, tiene
vidas muy distintas, explicaba el escritor estadounidense cuando
acudió a su estreno español en Madrid, quien también ha confesado
que se inspiró en su abuela para construir el personaje del Sr. Green,
un jubilado huraño, viudo y solitario, y en él mismo, para trazar a
Como ya demostrara en El precio, de Arthur Miller, al actor y director madrileño Juan
Echanove le fascina enfrentarse a los demonios personales y familiares de los personajes
que interpreta. Ahora compagina en la cartelera dos obras a las que se ha entregado
desde distintas perspectivas: Visitando al Sr. Green, de Je Baron, es su primera obra
como director, y Plataforma, la arriesgada obra de Houellebecq, el último montaje en el
que participa como actor. A juicio de Echanove, afrontar como director el texto de Je
Baron, corroboraba en buena medida el concepto de teatral coherente y honesto que
tiene, donde el amor y el humor, el contraste de caracteres y creencias, los afectos y los
tabúes aoran sobre las vidas que casi nunca son lo que parecen.
El director explica que cuando leyó la obra, una historia de soledades y miserias humanas,
por primera vez se abrió ante él un mundo de visualización y sueños que me llevaron
a aceptar la propuesta para dirigir la función. En su opinión esta obra tiene la virtud de
conmover al espectador al tiempo que le proporciona pasar de la comedia al drama, de la
sonrisa a la lágrima. A diferencia de las obras que, como ésta, abordan las complejas
relaciones entre seres humanos, aquí existe un gran sentido del humor, algo que permite
ver los colores de la vida. Para Juan Echanove Visitando al Sr. Green sobre todo muestra
claramente un conicto ciudadano de dos personajes que tienen su vida arruinada o, por
lo menos, alterada por los prejuicios y que, a diferencia de un tipo de teatro americano, Je
Baron conseguía darle la vuelta a toda la historia para darnos una idea de esperanza en
las relaciones de los seres humanos. Ante mensajes catastrostas sobre el ser humano, sobre
la condición y la relación de los distintos seres humanos, conseguía, dentro de la realidad,
sin melodrama, que se te iluminaran los ojos. También de este texto me atrajo que
conjugaba elementos de comedia con elementos de tragedia de forma fantástica. Estamos
rodeados de gente que tiene estos problemas, gente que se desorienta, que vive sola, que
tiene enfrentamientos familiares tremendos. Lo que tiene la comedia de Baron es que sus
personajes tienen sentido del humor hasta cuando realmente lo pasan mal.
En la obra, además del drama íntimo de cada uno de los dos personajes que interpretan
Otegui y Ponce, se constata el poder inhibidor de las religiones. Para el director, cada
religión tiene su especicidad. Pero todas tienen un hecho en común, que los integristas, los
extremistas, al nal son víctimas de su propia religión. Es lo que pasa entre los personajes,
que uno es ortodoxo y otro no. Y es lo que pasa entre todas las religiones. Si esta función la
hubiera escrito un dramaturgo español, en vez de Je Baron, y la hubiera situado en
Madrid, si hubiera querido situarla dentro de una coordenada religiosa seguramente la
hubiera situado con un católico integrista, apegado a la religión católica, hasta tales
extremos de arruinar su propia vida.
Echanove advierte que el teatro es una puerta y un juego de entradas y salidas pero, ¿qué
puertas hay en esta obra de Baron? Los prejuicios son esa barrera que se abre y se cierra
durante la obra. Son el umbral que no nos atrevemos a sobrepasar. Vivimos rodeados de
ellos, dentro de una sociedad altamente clasicada, que lo prejuzga todo. Y esto genera un
gran sentido del humor porque las personas, cuando están llenas de prejuicios, son ridículas,
causan risa. Por eso sigo reivindicando la capacidad de la escena para conmover, del
teatro que te invita a ver lo que ocurre en el mundo exterior y en el tuyo propio. Esa capacidad
no la tiene la televisión, la tiene la escritura. Además, ¿qué es el teatro, sino una puerta
–el telón- que se levanta y se cierra?
El actor, que recibió recientemente el I Premio Valle-Inclán de Teatro, ha señalado que
está por la labor del teatro de riesgo, pero un teatro de peso tiene que tener muchas caras,
porque hay que responder a las exigencias de los distintos tipos de público que hay. Lo que
hace al teatro potente es la honestidad, más allá del riesgo y la temática. El teatro como
espectáculo tiene un elemento irrepetible que no tienen otros soportes. El teatro siempre ha
sido el reejo de la sociedad y sigue siéndolo para un público minoritario.
De su trabajo como director explica que siempre ha tenido muy claro las cosas que
deseaba que ocurrieran dentro de este montaje. El hecho de que yo sea actor no quiere
decir que dirija mejor. Si yo no tengo claro la función que quiero montar, todos los estupendos
profesionales que me han ayudado y se han responsabilizado de esta obra tampoco lo
tendrán. Quiero decir, el espacio que luego se forma tiene que ser viable dentro del sueño
que tú tienes en la cabeza, y si no hay sueño no hay función. A lo largo del tiempo sabes
como es la luz y qué posibilidades da, no sabes ni la centésima parte de lo que sabe un
iluminador, pero, al menos, sabes sentir lo que te proponen para decir por aquí sí, por aquí
no. Eso es lo fascinante.
11_
ENTREVISTA
JUAN ECHANOVE
“Esta obra permite ver los colores de la vida”
La obra de teatro Visitando al señor Green, escrita
hace una década en Massachussets por Je Baron, es
la primera obra escrita de este norteamericano que
obtuvo un importante reconocimiento tras su estreno
en el Teatro Plaza de la Unión del O Broadway.
Protagonizada por Eli Wallach, este texto que Baron
reconoce que escribió pensando en su abuela que lo
crió siendo muy joven al morir su padre, se ha venido
representado en teatros de todo el mundo, y ha sido
traducida a veintidós idiomas.
Siempre escribo sobre relaciones humanas. Me interesa
la forma cómo las personas se tratan entre sí y las cosas
que no decimos a quienes son cercanos a nosotros,
señala Baron. La relación entre Ross y el señor Green
tiene algunos aspectos de la que yo tuve con mi abuela,
pero con una gran diferencia: ella pensaba que era
perfecta, como muchas abuelas. Para el señor Green,
Ross es un extraño, y ambos tienen problemas con sus
familias; por eso ellos forman una.
Entre los variados premios que esta obra ha merecido
están el de Mejor Obra en Israel, Grecia, Alemania, y
Turquía. También fue nominada con el premio
Molière de teatro en Francia como Mejor Obra
Nueva, y con Premio Clarín en Argentina, como
Mejor Obra. En 2001 ganó el premio de Kultur Press
Europa, convirtiéndose en el primer americano y el
primer guionista de teatro en conseguirlo. En 1999,
fue invitado a la ONU para presentar una lectura de
Visitando al Sr. Green.
Recientemente Je Baron ha terminado el guión para
una película sobre la citada obra, cuyo protagonista
será Eli Wallach. Su segunda obra, El día de la madre,
se ha estrenado en Australia, Alemania, Brasil y
Michigan (EEUU). En la próxima temporada, su
texto Los cuñados, se estrenará en París, y su obra
corta de encargo Bendígame padre, se presentó hace
poco como parte de una velada celebrada en Nueva
York cuyo programa avanzaba distintas producciones
sobre los atentados del trágico septiembre de 2001.
Baron ha dirigido la ópera de un acto, La canción de
Martina, un encargo del Carnegie Hall de Nueva
York.
Además de sus obras de teatro, Je Baron ha escrito y
vendido cuatro guiones para el cine. Para televisión y
la cadena Nicklodeon ha escrito en El Show de Tracy
Ulman, Un año en la vida, Hermanas y Casi hombre.
Su trabajo como periodista, su poesía y obra literaria
es frecuentemente publicada en revistas de Nueva
York, y en periódicos como el Herald o e New York
Daily Times.
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Juan Echanove ha dirigido Visitando al Sr. Green con
toda la experiencia que como actor y/o productor ha
acumulado. Administra los ritmos adecuadamente y
resalta los sentimientos de cada uno con equilibrio. Los
protagonistas no se lo ponen difícil en esta historia que
nos ofrece una idónea dosis de humor, patetismo y
sensibilidad.
Marc Llorente. La Información de Alicante
En Visitando al Sr. Green, Je Baron desarrolla un
pugilato entre dos personajes. Je Baron le da a la
peripecia siete vueltas de tuerca: mejor no revelarlas.
Construye una trama emocional bien medida, sin que
se note la carpintería. Está a punto de caer en la
sensiblería: se contiene. Dosica sus bazas dramáticas.
Lo mejor del trabajo de Echanove, que debuta como
director, es que apenas se nota.
Javier Vallejo. El País
Visitando al Sr. Green es, además, un texto sobre el
fanatismo, la homosexualidad, la religión judaica y la
intolerancia. Tiene un arranque vulgar y doméstico. Y
un desenlace feliz, para que la fe en el hombre no nos
abandone del todo. Trabajo digno el de Echanove en
líneas generales.
Javier Villán. El Mundo
Visitando al Sr. Green es una comedia deliciosa. Una
obra de teatro excepcional, que nos permite entrar en el
comprometido terreno de los sentimientos, de aquello
que no se dice y que nos descubre en nuestra forma de
vivir, en nuestra forma de abandonarnos, en nuestra
forma de ocultarnos, en nuestra forma de someternos,
en nuestra cobardía para rechazar lo que ansiamos
vivir... Y no nos atrevemos... Aunque hay que ser muy
fuerte para vivir renunciando día tras día... Pere Ponce y
Juan José Otegui realizan un trabajo soberbio, magní-
co, emocionante...
Sofía Basalo. Culturalia.com
Encontrar una obra bien escrita hace pensar en el teatro
de otros tiempos. Otegui incorpora con inaudita
naturalidad a un viejo judío tradicionalista que ha
convertido su casa en un fortín inexpugnable. Pere
Ponce, en un trabajo exquisito, minucioso y de gran
calado, se enfunda en el personaje y acaba
reblandeciendo la recelosa aspereza del anciano. La
dirección de Echanove sabe potenciar los retos actorales
que se esconden en la sutil estructura de la obra.
Francesc-Massip. Avui
HUMOR,
PATETISMO Y
SENSIBILIDAD
JEFF BARON
Visitando al Sr. Green (1996) fue estrenada el 28 de
noviembre de 1997 en el Unión Square eatre de Nueva
York, con Eli Wallach como Mr. Green, y David Alan
Basche como Ross Gardiner. Ha sido representada a
través de más de 200 producciones en 21 países, y en 14
idiomas, y galardonada con numerosos premios. Es una
comedia en dos actos y nueve escenas, con intermedio,
que desarrolla su acción en nuestros días, en el interior de
un apartamento de la zona alta de Manhattan, entre el río
Hudson y Central Park, habitado por un hombre de 86
años, Mr. Green, judío ashkenazic, viudo, con la vida
familiar arruinada, tintorero de profesión y de carácter
difícil.
Precisamente, la visita del título, Ross Gardiner, un joven
de buena familia, bien situado profesionalmente, pero
con carencias afectivas y gay, supondrá un extraordinario
contraste dialéctico entre mundos, generaciones, culturas
y tiempos diversos que, sin embargo, están vinculados
por unos mismos problemas eternos, como son el
autoengaño, la autorepresión y la capacidad autodestructiva,
que nos conducen externamente a la intolerancia, el
dogmatismo y el desprecio de los seres más cercanos e
incluso más amados.
Visitando al Sr. Green explora, de una forma discreta,
delicada y progresiva, cómo neutralizar esas derivas
negativas y oscuras mediante la comunicación, el amor, la
sinceridad, el humor y, en denitiva, la práctica de la
libertad individual. Por tanto, a través de las nueve
escenas de Visitando al Sr. Green, cada una de ellas
distinta de tono y asunto, cada una de ellas puerta a la
siguiente, cada una de ellas un ejercicio actoral diverso
para dos actores ricos en registros y dinámica, cada una
de ellas –en lo argumental- un acicate para cierta intriga
doméstica, la comedia permite una alternancia virtuosa y
natural entre la comedia más abierta, ingeniosa y popular
y la reexión crítica más dura sobre el daño que nos
causamos entre familiares y amigos, es decir, ese doble
nivel que ha hecho grande la comedia urbana
norteamericana, cinematográca (la buddy movie) y
teatral.
Finalmente, Visitando al Sr. Green es un verdadero regalo
al espectador, que acompaña a Green y a Gardiner en un
juego de identicación alternativa, y en una secuencia
magnícamente pautada entre los tramos cómicos y los
trágicos y en aquellos en que ambos géneros se solapan
hacia una posibilidad real de orecimiento, de apertura,
de reunión generacional y de recomposición del círculo
de afectos y sentimientos en cuyo seno podemos
mantenernos vivos y expectantes, siempre que tengamos
la valentía de vivir.
13_
POR BERNARDO SÁNCHEZ
MANTENERNOS
VIVOS
SIEMPRE
QUE
TENGAMOS
LA VALENTÍA DE VIVIR
saint’s marching in e Imagine). Las bailaoras que participan en el
mismo son la propia María Pagés, María Morales, Sonia Fernández,
Mª del Mar Jurado, Isabel Rodríguez y Tamar González, mientras que
lo bailaores son Emilio Herrera, José Barrios, José Antonio Jurado,
Alberto Ruiz y Ángel Gil. Los cantaores que acompañan son Ana
Ramón e Ismael de la Rosa, y Susana Ruiz en la voz, mientras que los
músicos son José Carrillo e Isaac Muñoz a la guitarra, y Chema
Uriarte a la percusión.
María Pagés comienza su carrera profesional con la compañía de
Antonio Gades, interviniendo en sus recordados montajes Carmen y
Bodas de Sangre. Ha sido primera bailarina de la Compañía de Mario
Maya, del Ballet de Rafael Aguilar y del Ballet de María Rosa.
De sus colaboraciones cinematográcas destaca su participación en:
Carmen, El Amor Brujo y Flamenco, de Carlos Saura, así como en La
Bella Otero y Hemingway, Fiesta y Muerte, de José María Sánchez.
Su intento siempre ha sido salir del territorio cercado y excesivamente
protegido del amenco, en busca de aire fresco. Entonces, el arte
amenco reiteraba la relación consigo mismo sin la menor preocupación
por el carácter subcultural que la cultura ocial atribuía a su
capacidad de expresión. Y Pagés, que opina y sigue creyendo que la
curiosidad es el motor de toda creación, empezó a modicar
valientemente sus códigos. Desde entonces, ha relacionado al
amenco con la pintura en La tirana, con el Surrealismo en El perro
andaluz, con su historia en Flamenco Republic y con la palabra en
Canciones, antes de una guerra, considerando la palabra como el
medio más inmediato de comunicación entre los seres humanos
alarmados por su progresivo y peligroso desgaste.
En 1995 María Pagés estrena Riverdance. e Show, como artista
invitada y coreógrafa, actuando en los teatros más importantes del
mundo, entre otros el Radio City Music Hall de Nueva York, Auditorium
de Chicago, Pantages eatre de Los Ángeles, Wang Center de Boston,
Festival Hall de Osaka, Hummingbird eatre de Toronto, Komische
Oper de Berlín, eatre National de Chaillot de París, Entertainment
Center de Sydney, e Point de Dublín, y Labatt's Apolo en Londres.
María Pagés ha creado para el Ballet Nacional de España Ilusiones
FM, con guión y dirección de José María Sánchez, que se estrenó en
2002 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Actualmente María Pagés
es miembro del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid. Con
su compañía ha producido las obras coreográcas Sol y Sombra, De la
luna al viento, El perro andaluz, Burlerías, La tirana, Flamenco
Republic, Canciones, antes de una guerra, y Sevilla.
Desde 1999 la Compañía María Pagés se establece como Compañía
Residente en el Teatro Bulevar de Torrelodones (Madrid), iniciando
un proyecto pionero en el mundo de la danza a nivel nacional cuyo
desarrollo está siendo muy fructífero.
En la cumbre de su madurez artística, la bailaora y coreógrafa
sevillana María Pagés, se encuentra en su mejor momento creativo.
Con su personal concepción del amenco, Pagés, que entiende el arte
como algo ilimitado, ha conquistado un lugar de gran relieve en el
panorama de la danza mundial utilizando los códigos fundamentales
del lenguaje amenco e investigando dentro y fuera del mismo.
Convencida de que los intercambios artísticos no sólo favorecen una
mayor comprensión entre los seres humanos, sino una superación
enriquecedora de las diferencias culturales, María Pagés –la primera
amenca distinguida con el Premio Nacional de Danza en 2002- es
reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del
arte amenco. Utilizando las acentuaciones amencas clásicas, sus
obras confrontan al amenco con otras artes, ampliando su horizonte
y abriendo un nuevo camino para el futuro de la danza amenca. Con
su compañía, creada en 1990, regresa al Teatro Cuyás en donde hace
un tiempo presentó Flamenco Republic, para cautivarnos con su
penúltimo espectáculo Canciones, antes de una guerra, estrenado hace
tres años en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.
No hay cultura que se escape de los mundos invisibles de los espíritus.
No hay cultura que se escape de las guerras. Tampoco la hay que se
escape del amor. Alrededor de estos temas surgen los ritmos populares.
Y por ello María Pagés ha dedicado este montaje a Manuel
Vázquez Montalbán, quien denió a la música popular como el cauce
más apto para representar la historia sentimental de un pueblo.
Canciones, antes de una guerra reivindica la palabra que María Pagés
considera tan desgastada. Y reivindica a la canción popular que le
permite a la bailaora la libertad de la danza contemporánea y la
técnica impecable del amenco.
El nombre del montaje, que se desarrolla con un claro tono
antibelicista, fusiona el amenco con otros sonidos, y está
inspirado en Canciones para después de una guerra, película
documental de Basilio Martín Patino que fue censurada por el
regimen franquista. Pagés, en lugar de referirse a la dramática
reconstrucción de un país, da vuelta en positivo, y se para a
reexionar sobre lo que está pasando, sobre este convulso
momento, para ofrecernos una posible salida en clave optimista.
Esta obra, que apela a valores como la solidaridad, se presenta
como una sucesión de canciones, tanto del repertorio popular
español como del amenco, entre los que guran temas de John
Lennon, Guzmán Merino, Valerio y Quiroga, a Henri Salvador,
Atahualpa Yupanqui y Alberto Cortez. Así, durante el montaje, se
bailan textos tan dispares como las Nanas de la Cebolla de Miguel
Hernández, Imagine de John Lennon, o When the saints go marching in
de Louis Armstrong.
El espectáculo está dividido en quince cuadros (Boquerones del
alba, Presentación, Blues Dingue, Tatuaje, Guitarra dímelo tú,
Soleá de la cueva, Publicidad, Percusión luces, Taranto para mujeres,
soñar, Nanas de la cebolla, Alegría, Traveller´s lament, When the
ANTOLÓGICO EXPERIMENTO COREOGRÁFICO CONTRA LA VIOLENCIA
_14
La coreógrafa y bailaora sevillana María Pagés reconduce la energía del
flamenco, para presentarnos un espectáculo de tono antibelicista que reivindica
el optimismo y la memoria sentimental
CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA
15_
La leyenda del amenco se agiganta con propuestas tan valientes y frescas
como la de la bailaora y coreógrafa sevillana María Pagés (Premio Nacional de
Danza en 2002). Fantasía renovadora, aires desaantes para un género
anclado en los convencionalismos de la tradición, ecos fronterizos con el
espíritu de la modernidad y respeto honesto también a las raíces sobre las que
se sedimenta su legado, caracterizan el sello pagés. Si cuando dicen de mí que
doy una vuelta de tuerca al amenco eso signica que este baile avanza y
evoluciona, estoy de acuerdo. Lo más que me interesa del amenco son sus
tremendas posibilidades, su potencial como manifestación expresiva de lo
popular, sus recursos para conservarse gracias a la tradición y a su aspecto
conservador, siendo a la vez un arte actual al que se le abre un mundo de ricos
contrastes.
Su espectáculo Canciones, antes de una guerra surge de un compromiso vital
cuando se producen dos de los episodios bélicos que han marcado la política
internacional del nuevo siglo: la invasión de Afganistán en 2001 y la posterior
guerra de Irak en 2003. Quise acudir a la reexión, reclamar el diálogo y la
tolerancia para impedir la guerra. Aquellos acontecimientos removieron las
conciencias de muchos ciudadanos, y pensé que desde la creación yo también
podía aportar mi mensaje, mi disconformidad con la utilización de la violencia
y la fuerza como único método de solucionar los conictos. Acudí entonces a
canciones que se encontraban varadas en nuestra memoria sentimental para
inspirarme y construir este montaje.
Sin embargo, deja claro que Canciones, antes de una guerra posee un aire
optimista, aunque conesa que, por carácter, no se considera un ser
positivista. Las cosas se pueden afrontar de dos maneras: desde lo positivo o
desde la pesadumbre. Siempre es mejor hacerlo desde el optimismo. A pesar de
que nos referimos a un tema trágico y dramático como es la guerra, en realidad
hay que defender otras formas de afrontar la vida. En el montaje funciona muy
bien lo irónico-positivo. El amenco es un claro ejemplo de cómo la unión entre
culturas, razas y religiones puede crear un eco común.
María Pagés no se identica con un arte militante. Cuando hay situaciones
desquiciantes, todos debemos desarrollar nuestra conciencia moral y social. La
guerra siempre perjudica a multitud de personas inocentes. La militancia no sé
lo que signica. Para mí es habitual experimentar e investigar, dice Pagés, que
ya mostró su interés y curiosidad en montajes anteriores como Un perro
andaluz. Quiero fomentar con mis creaciones un panorama del mundo más
esperanzador.
Las músicas que integran este espectáculo las ha tatareado en muchas ocasiones
la bailaora. Esas canciones te inuyen; se las has escuchado a tus padres
cantar y has crecido con ellas. En la época de la posguerra muchas de ellas
fueron verdaderos himnos que insuaron esperanza y demandaron otro mundo
y otra sociedad posible. Desde Tatuaje a Nanas de la cebolla, al Imagine de
Lennon. No faltan las letras anónimas de nuestro cante amenco. Lo más
importante de todo ello es saberlas bailar y expresar. Aunque provengo del
amenco clásico y tradicional, otro tipo de música me inspira, me invitan a
bailarlas. Las coreografías se mantienen eles a mi estilo.
Pagés señala que construye sus montajes a partir de imágenes visuales que
retiene en su mente. Desde las luces al movimiento, pasando por la puesta en
escena, va articulándose como un puzzle sugerente y mestizo. Su compañía
trabaja en la actualidad todo el repertorio que mantiene en activo. Así las
producciones no se desgastan y se mantienen vivas, asegura. Por ello sus giras
suelen ser de lo más variadas. Acaba de llegar de Moscú de presentar Sevilla,
su última producción, y después de sus actuaciones en Gran Canaria y
Tenerife, viaja a El Cairo con Flamenco Republic.
_16
ENTREVISTA
MARÍA PAGÉS
“Quiero fomentar con mis creaciones un
panorama del mundo más esperanzador”
María Pagés, una vez más, es la estrella
absoluta, en una obra que le ofrece
múltiples ocasiones para el lucimiento
personal. Su baile es estatuario, de
registros múltiples que llevan su sello.
Cuando se recoge, o cuando se suelta, todo
el quehacer de la bailaora es un prodigio
de entrega absoluta.
El País
María Pagés es una de las más innovadoras
guras del baile amenco actual. Espectáculos
como Canciones, antes de una
guerra son buenas muestras de su heterodoxia,
su atrevimiento y su búsqueda
constante de nuevas formas de expresión
dentro del amenco.
Abc
El baile amenco, con raíces en una
tradición de orgullo, tiene un rigor y una
pureza propios, pero María Pagés lo
empuja con fuerza hacia la contemporaneidad...
lo desnuda hasta su esencia con
un sentido magistral de su geometría
formal.
Newsday
Dueña de los palos festivos y refugiada en
lo poético a la hora de lo jondo... María
Pagés reivindica la alegría del movimiento,
es líder y compañera, y crea un ejercicio
del que nadie puede desprenderse.
El Mundo
Los increíbles brazos de María Pagés se
doblan y ondean como ramas de un árbol
en medio de la tempestad. En su fervor
revolucionario, Pagés vuelve al futuro: esto
es lo que el verdadero amenco debería
ser.
e Boston Globe
María Pagés es otra cosa que la danza
amenca. El triunfo de la inteligencia...
Tiene un concepto del amenco desbordante.
Es capaz de materializarlo. Estamos
en presencia de una de las grandes.
La Razón
17_
En el bazar de las ideas hemos encontrado unas viejas canciones. Las hemos escuchado
y hemos decidido bailarlas. Los tonos de esos sonidos evocativos, pacícos, divertidos,
como se divierten los niños; el sentido de esas palabras-versos, tan simples, tan
solidarios, nos han provocado la reexión que origina este experimento coreográco.
En particular, dedico La nana de la cebolla a mi hijo Pancho y a todos los adolescentes,
que empiezan a alejarse del maravilloso mundo de la infancia, ya en la frontera de la
comprometida jurisdicción de los adultos, para que nunca olviden que la fantasía, los
sueños, la sonrisa y la tolerancia, son las herramientas más apropiadas en ese taller
donde los adultos tenemos que trabajar para la construcción del equilibrio social más
justo para todos.
POR MARÍA PAGÉS
LOS SONIDOS EVOCATIVOS
DEL BAZAR DE LAS IDEAS
LA CRÍTICA SE RINDE ANTE
LOS INCREÍBLES BRAZOS
DE LA PAGÉS
_18
El Teatro Cuyás concluye su octava temporada
con una obra del más universal de los
escritores canarios, Benito Pérez Galdós. La
versión teatral libre que han realizado Juan
Altamira y Carlos Villacís de su novela El
abuelo, se presenta para cerrar campaña con
dirección de uno de los grandes comediógrafos
y directores de escena españoles, Ángel
Fernández Montesinos, e interpretación en
sus papeles principales por Nati Mistral,
Zorión Eguileor y Marisa Segovia. En 1897,
Benito Pérez Galdós publica su novela
dialogada El abuelo, que en 1904 adapta al
teatro. La obra es un buen ejemplo del interés
de su literatura por analizar la sociedad
española del nal de siglo XIX y principios
del XX.
La transformación evidente en esta versión
con respeto a la original escrita por Galdós es
que el personaje principal del abuelo (Don
Rodrigo) es una mujer (Doña Mariana) en
esta adaptación que se presenta como un
tablero de personajes en donde caben todas
las cualidades y defectos humanos: la
gratitud, el odio, el rencor o la generosidad.
Esta nueva versión del clásico de Galdós,
reeja los usos sociales y las costumbres de la
España del siglo XIX dominada por conceptos
como el honor y el linaje de la sangre. Su
argumento se centra en la curiosidad que ya
en el ocaso de su vida, incomoda a la anciana
Condesa de Albrit, Doña Mariana, que se ve
forzada a regresar a la villa de Jerusa, las
tierras de sus antepasados, con el n de
resolver una duda, que desde la muerte de su
único hijo y heredero directo de la Casa de
Albrit, viene amargando su existencia. Con
este n concerta una entrevista con su nuera,
la Marquesa de Laín, madre de las dos nietas
que llevan la sangre de la estirpe de los Albrit.
Sólo una de ellas es la legítima heredera, la
portadora del recuerdo del hijo muerto en
extrañas circunstancias. ¿Pero cuál? ¿Cuál de
ellas devolverá la felicidad y el sosiego
espiritual a Doña Mariana?
La veterana actriz Nati Mistral representa a la
mujer a la que el transcurrir de la vida no la ha
tratado bien y que lo ha perdido todo, el amor
de su hijo, la hacienda, los amigos..., pero que
mantiene su clase con dignidad, su nobleza y
su orgullo como la gran señora que pretende
ser hasta su muerte. La obra de Galdós
trasmite al espectador que lo importante no es
el honor o la pureza de la sangre, sino el
derecho a conocer la verdad, poniendo
además de relieve el anticlericalismo que fue
propio del autor de los Episodios Nacionales.
Tratado despectivamente por muchos, entre
ellos los de la Generación del 98, Pérez Galdós
supo mostrar como pocos la España del siglo
XIX y la de principios del XX. En esta obra
traza un retrato de la aristocracia y sus valores
en un momento en el que están ya en decadencia.
La obra no defrauda a los amantes de Galdós,
que muestra un retrato detallado de la vieja
aristocracia nisecular y las frivolidades de la
alta burguesía, con temas como el honor, el
descubrimiento de la verdad, el reconocimiento
de los propios errores y, sobre todo, el poder
transformador de la virtud por encima de la
sangre y el dinero. Como advirtió el propio
Galdós en el prólogo de la novela en cinco
jornadas El abuelo, en toda novela en que los
personajes hablan, late una obra dramática. El
Teatro no es más que la condensación y acopladura
de todo aquello que en la novela moderna
constituye acciones y caracteres.
La puesta en escena descansa en una elegante
escenografía de época que sitúa el espacio
escénico en el amplio interior del salón de la
casa de los antepasados de Albrit. El vistoso
vestuario, el buen juego de la iluminación y
los efectos sonoros ayudan a recrear el
ambiente.
Como señala el catedrático de la Universidad
Autónoma de Madrid, José Luis Mora, el
teatro era en Galdós el punto de llegada natural
de la novela cuyo mensaje era necesario que se
compartiera grupalmente como sólo la puesta
en escena permite. Y así fue entendido. Las
críticas de la época resaltaban su mensaje por
encima de sus valores teatrales y sus obras de
mayor éxito lo fueron por su signicado social.
Cuando el protagonista de una obra literaria es
colectivo exige necesariamente su representación
para que la identicación o el rechazo se
produzcan colectivamente. No son, pues,
gratuitas las referencias que al Siglo de Oro
había hecho Galdós en sus textos teóricos,
desde los más tempranos pues, en plena
Restauración alfonsina, el teatro vino a cumplir
una misma función compensatoria o encauzadora
de los sentimientos grupales cuando la
política no permitía hacerlo.
LA DUDA
EL PODER TRANSFORMADOR DE LA VIRTUD POR ENCIMA DE LA SANGRE
Y EL DINERO
Nati Mistral encabeza un amplio reparto de la versión teatral de la
novela de Galdós, El abuelo, que dirige Ángel Fernández Montesinos
19_
Es indiscutiblemente una de las damas de nuestra escena. Ha interpretado cientos
de personajes con los que ha crecido como actriz y como persona, y recibido
multitud de premios (el último este mismo año, el Nacional de Teatro José Isbert
que concede la Asociación de Amigos de los Teatros de España (AMITE), constituida
para la protección de los teatros históricos de España), pero siempre le gusta
puntualizar que su mejor obsequio es el aplauso y el cariño que le profesa el público
al concluir cada función. Nati Mistral encarna a Doña Mariana en esta obra de
Galdós, que la veterana actriz dene como una pieza maravillosa y excelente, como
todo lo que escribió Pérez Galdós, cuya moraleja es que, a pesar de todo, quien
siempre decide es el corazón, que es lo único que vale. En este texto Galdós nos avanza
que ni la sangre, ni el dinero, ni el linaje, ni la raza, le dicta al corazón sus sentimientos,
señala.
Según Mistral, el director de La duda, Ángel Fernández Montesinos, siempre dirige
muy bien a los actores. Es muy importante que siempre haya un director que sea
capaz de entender lo que un actor siente y es capaz de entregar al texto y a sus exigencias.
Toda esta producción es un lujo, desde el reparto a la escenografía. Doña
Mariana –apunta la actriz- es una mujer cántabra, recia, entera, adusta, como dirían
los alemanes, auténtica. Educada en una disciplina inexible, pero a la que luego la
puede el corazón. A nales del siglo XIX con setenta años se era una anciana. Hoy, las
mujeres de setenta años somos princesas aún llenas de belleza. Acepta la vejez y yo la
interpreto y la marco así. Cosa que ya no se hace en el teatro de hoy. Esa Mariana
tiene mucho que ver con los principios en los que se educó una importante generación
de españoles, sobre todo en la moral, que es un valor que se ha olvidado lamentablemente
en la actualidad.
Sobre el cambio de sexo que ha sufrido su personaje en esta versión libre que han
escrito Juan Altamira y Carlos Villacís (Pérez Galdós en realidad escribe El abuelo
centrando su personaje principal en la gura de un varón), Nati Mistral cree que ha
sido todo un acierto. Don Benito quiso epatar al escribir este texto. Y Don Benito
pensó en un hombre rudo para justicar lo que sucede en la trama de esta novela,
pero es más lógico que fuese una mujer la que representara el conicto y el enfrentamiento
con la nuera. ¿Cómo puede pedir un hombre a una mujer justicación de sus
pecados, si los hombres son unos pecadores por naturaleza? ¿Cómo puede un hombre
pedir santidad a su nuera cuando los hombres son los primeros en no practicarla? Ese
enfrentamiento entre nuera y suegra es más lógico y entendible en esta versión.
También es más lógico que al nal de la obra, una de las dos niñas se quiera quedar
con su abuela, porque con un abuelo antipático, maleducado y adusto, una niña no
decide permanecer a su lado. Lo normal es que una niña de doce años se quede con
su abuela porque es la que la consiente, la quiere y la mima.
La obra aborda una cuestión de honor. Doña Mariana pretende averiguar cuál de
sus dos nietas lleva su sangre. Ahora estas dudas están pasadas de moda, pero
todos en el fondo del corazón seguimos sufriendo indelidades y mentiras de
nuestros seres más cercanos. La mentira siempre será mentira, el deshonor será
siempre deshonor y la vergüenza siempre será vergüenza. La verdad, como dice
Doña Mariana, está en el corazón de las personas.
Siempre le ha gustado decidir por sí misma y no depender de nadie. De alguna
manera, como dice un personaje de La Celestina, a quien le entregas tu secreto le
entregas tu libertad. Si dependes regalas tu libertad y eso no está bien.
Según Nati Mistral sigue trabajando con vitalidad a su edad por salud. Si te esfuerzas
por aprender los textos y ejercitar sobre el escenario el músculo de actor, sin duda
te encontrarás mejor físicamente. Mejor que si te encuentras en tu casa viendo la
televisión… Y después porque hay que seguir pagando impuestos y nunca se tiene
bastante. El teatro me ha dado mi medio de vida y la posibilidad de realizarme como
persona interpretando obras de Lorca, Unamuno, Valle Inclán, Lope de Vega…
Muchos valores, muchos sentimientos... Y si la actriz es permeable, pues esas cosas te
van calando y te van dejando un poso bastante digno para vivir. Me ha entregado la
posibilidad de meterme en la piel de tantos papeles y personajes, desde reinas y
monjas a prostitutas, pasando por locas. Yo tengo mucho de monja y de reina. Eso te
otorga mucha sabiduría, pero también para el público, porque creo que la gente que
va al teatro es mucho más rica, porque vive vidas que no puede vivir.
ENTREVISTA
NATI MISTRAL
“La verdad está en el corazón de las personas”
Pocos directores españoles pueden decir que han ganado en dos ocasiones el Premio
Nacional de Teatro. Ángel Fernández Montesinos (que dirigió hace un año en el Teatro
Cuyás Filomena Marturano) afronta esta versión libre sobre la obra de Galdós, El abuelo,
que fue primeramente escrita en forma de novela por el escritor canario, y posteriormente
trasladada a la escena como comedia dramática. Para el director, que nunca antes
había afrontado un Galdós, este texto estrenado en el Teatro Español de Madrid en 1904,
y que se ha llevado en varias ocasiones al cine (la última dirigida por José Luis Garci con
Fernando Fernán Gómez como actor protagonista), esta nueva versión escoge lo mejor
de la comedia y de la novela, eliminando lo superuo y algunos cuadros con la intención de
otorgar mayor protagonismo a la casona de Jerusa, en la que se desarrolla la acción y la
unidad de ambiente. Para Montesinos ha sido difícil trabajar con un material tan rico
como el escrito por Galdós, para quedarse nalmente con el nudo del drama, que aborda el
tema del honor.
Destaca como una invención estupenda y un acierto convertir el personaje del abuelo en
una señora. Todo el problema del odio y las diferencias existentes se sostenían mejor entre
Mariana y Lucrecia, entre la condesa y la marquesa, entre dos mujeres, entre nuera y
suegra. El director dene La duda como una comedia dramática, un melodrama, el
género más difícil que existe en el teatro porque hay que evitar las estridencias. Hemos
dulcicado el drama otorgándole un aire de naturalidad eliminando las frases altisonantes
de Galdós, que son más propias de un teatro decimonónico. Es un melodrama para que el
público lo pase muy bien y también para llorar porque contiene emoción. Los espectadores
salen del montaje exclamando: ¡Esto sí que es teatro!
Su dirección en este montaje se ha sustentado en el sentimiento, en los ambientes, en el
clima. El público se introduce en la época de 1900 y en esa vivienda que es como un gran
fanal cuyo decorado ha diseñado López Barajas. Los efectos contribuyen a crear ese clima
con la lluvia, los días de tormenta… La intensidad dramática, su realismo y los personajes
hacen el resto, explica Montesinos que desde los años sesenta ha dedicado su vida enteramente
al teatro. El nudo del drama conecta, a juicio del director, con el público de hoy.
Ni la verdad ni el sentimiento pasan de moda. Me parece que el asunto del honor y del
deshonor interesa a todo el mundo; hablamos de comportamientos humanos. Para el
público es emocionante la resolución del problema planteado sobre el escenario, con la que
de alguna manera se pone n a la hipocresía de una sociedad. Galdós reconstruye una
época ironizando y satirizando la sociedad del momento. El espectador se encuentra con los
problemas de los protagonistas y con una brillante solución nal, en la que importan más
la honradez y el amor que los lazos de sangre. Cuando se levanta el telón y nos encontramos
con la palabra y el sentimiento, sólo queda respirar hondo.
Para Montesinos, que esta función la interprete Nati Mistral es todo un placer. Ella es una
actriz con mucho carácter, con una fuerte personalidad. Tiene una vitalidad envidiable y
una dicción perfecta que muchos actores jóvenes querrían. Es una de las pocas grandes que
le quedan al teatro español. Estoy muy contento y satisfecho con el trabajo realizado en esta
producción. Me siento reconfortado porque éste era un espectáculo muy difícil: era una
versión libre sin perder las esencias galdosianas. Todos mis montajes representan mucho en
mi carrera, y más si cabe si hablamos de un texto de un autor español. Soy un admirador y
un lector convencido de toda la obra novelística de Galdós.
No le preocupa que lo encasillen como un director de teatro de repertorio. Estoy encantado
con el teatro de repertorio, que es lo que he venido haciendo desde los años sesenta. Me
parece necesario y esencial el teatro de repertorio, y no creo que sea justo privar a las nuevas
generaciones de las obras claves de la literatura dramática. ¿Qué pasaría si renunciáramos
a Shakespeare, Pirandello, Ibsen… porque son clásicos? Desde su perspectiva, Ángel
Fernández Montesinos, no es muy optimista con la situación del teatro en España. No
soy muy optimista con las cosas que veo a mi alrededor. Cada vez es más difícil acometer
las giras por España, y el panorama de distribuidores, compañías, empresarios, programadores,
productores, teatros públicos y privados ha complicado en exceso el pulso de vida del
teatro, que se convertirá con el tiempo en una especie de vestigio.
_20
ENTREVISTA
ÁNGEL FERNÁNDEZ
MONTESINOS
“La duda ha sido una producción complicada
al tratarse de una versión libre que no
debía perder las esencias galdosianas”
21_
El Teatro Cuyás inaugurará su nueva temporada
a mediados del próximo mes de
septiembre con la actuación del Ballet
Flamenco de Andalucía que dirige Cristina
Hoyos, compañía que presentará un espectáculo
inspirado en el popular Romancero
gitano de García Lorca. En estas páginas
adelantamos al público los nombres de
algunos de los montajes que subirán al
escenario del espacio que gestiona el Cabildo
grancanario, durante el primer periodo de la
que constituye su novena campaña.
El teatro de autor vuelve a ser un referente de
la programación del Cuyás. Montajes como
Carnaval, de Jordi Galcerán (autor del texto
El método Grönholm); Móvil, de Sergi Belbel
(director del Teatro Nacional de Cataluña);
El cerco de Leningrado, de Sinisterra; El guía
del Hermitage, de Herbert Morote, o El
apagón, de Peter Shaer, son algunos de los
títulos que se complementan con el atractivo
del famoso musical Fama (noviembre) o la
presencia estelar también en noviembre de
los bailarines Sylvie Guillem y Akram
Khan, con el montaje Sacred Monsters,
una inteligente fusión entre la tradición y la
danza contemporánea.
También los grandes centros productores
como el Centro Dramático Nacional, con un
particular homenaje a Miguel Mihura, Las
visitas deberían estar prohibidas por el código
penal (octubre); el Teatre Lliure con el
Shakespeare, Otello (octubre) o la Joven
Compañía Nacional de Teatro Clásico, con la
comedia Las bizarrías de Belisa, de Lope de
Vega, vuelven a erigirse en una garantía de
calidad en la oferta del Cuyás. En este último
caso, la CNTC que dirige Eduardo Vasco,
opta por la última comedia publicada
póstumamente en 1637 del citado dramaturgo,
una pieza urbana sobre los amores de
los jóvenes, planteada por Lope a modo de
manual en la que se incluyen algunos de los
momentos poéticos más bellos de su teatro.
El Teatro Cuyás prosigue apostando por la
danza, que también se erige como una
propuesta sugerente dentro de la
programación de la próxima temporada. A
los nombres de la francesa Sylvie Guillem y
del británico Akram Khan, se unen los de
la compañía canadiense de Marie Chouinard,
con la versión de Debussy, Preludio a la siesta
de un fauno y La consagración de la
primavera, de Igor Stravinsky (octubre). Otra
gran compañía que podrá contemplarse en el
Cuyás será el Ballet Imperial Ruso, que en
enero presentará durante sus nueve días de
estancia entre nosotros, tres títulos distintos:
El Cascanueces, Carmina Burana y Bolero.
La oferta infantil se concentra en esta
primera etapa de la temporada en los
espectáculos de la compañía canaria
Zalakadula, que estrenará como es habitual
en el Cuyás su nuevo musical en fechas
navideñas, los alemanes Teatro Delusio y su
emocionante y excitante obra de teatro de
marionetas, y el Petit Liceu, que ofrece
Soñando el carnaval de los animales, un
concierto dramatizado con títeres de gran
formato, presidido por el humor y la poesía,
inspirado en la obra compuesta por Camille
Saint-Säens, Carnaval de los animales, y el
Preludio a la siesta de un fauno de Claude
Debussy.
_22
AVANCE TEMPORADA 2007/2008
CITA CON EL TEATRO Y LA DANZA DE CALIDAD
El teatro de autor, el musical Fama, las actuaciones estelares de la bailarina
Sylvie Guillem, la compañía canadiense de Marie Chouinard, o del Ballet
Imperial Ruso, marcan la oferta de los primeros meses
Móvil Teatro Delusio
Guillem es una de las grandes estrellas de la danza internacional.
Su trayectoria ha experimentado un amplio giro en
las últimas décadas hacia expresiones más contemporáneas
del movimiento. Estrenado en Londres en
octubre pasado, Sacred Monsters constituye un encuentro
entre los conocimientos, la herencia artística y los recuerdos
de infancia de dos bailarines que, a pesar de haberse
formado en una tradición clásica, comparten un deseo de
exploración y renovación. Creado con la voluntad de
encontrar un punto intermedio entre la tradición y la
danza contemporánea, Sacred Monsters une el ballet con el
kathak, una de las danzas clásicas de la India.
Incluye un solo de Sylvie Guillem, coreograado por Lin
Hwai-min, director artístico del Cloud Gate Dance
eatre de Taiwan, y un solo de Akram Khan, de la coreógrafa
y gurú de la danza kathak, Gauri Sharma Tripathi,
con música creada por el compositor y violoncelista Philip
Sheppard. Akram Khan (Londres, 1974) participó a los
catorce años en el legendario Mahabharata de Peter
Brook, y el año 2000 creó en Londres su propia compañía.
Sylvie Guillem (París, 1965) empezó su carrera en el París
Opera Ballet de Rudolf Nureyev, y en 1990 ingresó en el
Royal Ballet de Londres.
Primero fue un lme de éxito en los ochenta, que luego se
convirtió en una serie televisiva de larga duración. Actualmente
este musical se está representando en todos los
continentes y en casi todas las lenguas. Fama demuestra
ser intemporal y universal debido al poder de atracción
que despierta en cada nueva generación.
Situado durante los últimos años de la célebre High School
for the Performing Arts, en la calle 46 de la ciudad de
Nueva York, este musical narra una historia agridulce pero
denitiva, inspirada en un variado grupo de estudiantes
que se comprometen durante cuatro años a un exhaustivo
trabajo artístico y académico con candor, humor y
entrega. El espectáculo explora los temas a los que se
enfrentan muchos sectores de la juventud de hoy en día:
situaciones de prejuicio, identidad, conanza en sí
mismos, cultura, sexualidad, drogas, perseverancia, falta
de perspectivas laborales…
Con sus maneras tópicas, selección multiétnica de los
actores, cantantes, bailarines e instrumentistas, y repertorios
musicales de pop contemporáneo, de alta energía,
entre los cuales se incluye el título de la canción de mayor
éxito Fame, esta superproducción cautivará a los públicos
de todas las edades.
SYLVIE GUILLEM, TODO UN
LUJO PARA LOS AFICIONADOS
A LA DANZA
FAMA, EL MUSICAL
23_ Sacred Monsters
Fotografía: Bill Cooper
Fotografía: Anouk Nitsche
Fama Otello
Las visitas deberían
estar prohibidas por
el código penal
El Teatro Cuyás se ha embarcado en uno de los proyectos de coproducción
más ambiciosos que hasta la fecha haya afrontado en sus
ocho temporadas de existencia. Y, posiblemente, en uno de los que le
rentará más crédito como teatro público en la escena nacional.
Conjuntamente con el Teatre Lliure de Barcelona y el Teatro Español
de Madrid, y bajo la dirección de Álex Rigola, coproducirá la
adaptación teatral de la novela 2666, que si duda está considerada
como la obra maestra del escritor chileno Roberto Bolaño, fallecido
con 50 años en 2003. El montaje, que se estrenará este verano en
Barcelona y Francfort, se incluye en la programación escénica de la
próxima temporada 2007-2008.
Se diría que es la gura de Von Archimboldi, un enigmático escritor
alemán, el hilo secreto que cosería entre sí las cinco partes de que se
compone 2666. Una fecha en cuya perspectiva tan remota debe
ordenarse la impresionante maraña de destinos, de personajes, de
líneas argumentales y genéricas, una vastísima constelación marcada
por el signo de la pérdida y del olvido, de la insignicancia, de la
desmesura inútil, de la equivocación y del malentendido. Desde las
ruinas de Europa, recorridas en vertiginosos travellings, hasta el
desierto de Sonora, donde viene sucediéndose una interminable
cadena de asesinatos de mujeres, la novela de Bolaño propone un
recorrido abismal, amortiguado entre carcajadas, por una cultura y
una civilización en derrota, en las que la literatura continúa
invocando el simulacro de una redención.
La mejor novela de este autor excepcional, el único autor en lengua
castellana que fue incluido en la lista de los 100 libros del año de e
New York Times, ha sido adaptada a la escena a través de un duro y
complicado proceso de selección literaria al que Rigola se ha
entregado desde hace casi un año, para condensar en algunas horas
la dimensión y la genialidad vertida en las más de mil páginas en las
que Bolaño puso en pie todas sus obsesiones. Rigola, que ha
comprado los derechos de la novela a la viuda de Bolaño, ha venido
trabajando codo a codo con Pablo Ley, ex crítico del diario El País, en
la adaptación teatral de la novela póstuma del novelista y poeta
chileno. El director del Teatre Lliure explica que para poder resumir
las 1.600 páginas de 2666 en dos horas de función, ha tenido que
diseccionar bien lo que quería contar el autor, hacer una columna
vertebral y buscar un camino para contarlo al espectador.
Àlex Rigola no ha temido adaptar al teatro una novela cuyo punto
nal se alcanza en la página 1119 y que antes de llegar a él se pasea
por cinco partes, estilos, épocas, países y cientos de personajes. Pero
a pesar de que la extensión ha espantado (lamentablemente) a más
de un lector, el director señala que la longitud no le ha preocupado.
Su mayor dicultad ha sido otra: pasar de novela a teatro. Un
verdadero desafío considerando este escrito que él describe como
una novela río que cada vez desborda más temas y se va abriendo.
Rigola se ha comprometido con esta ingente tarea movido por su
atracción a Bolaño. Consultado sobre lo que le sorprende de 2666
responde que básicamente todo. Es que es un repaso al último siglo XX
desde un punto de vista globalizador. Representa muy bien lo peor de
nosotros, sobre todo la forma como evitamos mirar lo que produce
nuestra cultura, ese pensamiento liberal que tenemos y que genera que
existan ciudades donde la violencia es normal y la vida no tiene
ningún valor. Creo que está la denición de este no querer mirar.
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UNA ADAPTACIÓN QUE DARÁ QUE HABLAR
El Teatro Cuyás coproduce con dirección de Álex Rigola, la obra cumbre del
escritor chileno Roberto Bolaño, fallecido hace cuatro años
Escritor nacido en Santiago de Chile, Bolaño ha llevado
una existencia bastante trashumante. A los 15 años estaba
viviendo en México, donde comenzó a trabajar como
periodista y se hizo troskista. En el 73 regresó a su país y
pudo presenciar el golpe militar. Se alistó en la resistencia
y terminó preso. Unos amigos detectives de la adolescencia
lo reconocieron y lograron que a los ocho días
abandonase la cárcel. Se fue a El Salvador: conoció al
poeta Roque Dalton y a sus asesinos. En el 77 se instaló en
España, donde ejerció (también en Francia y otros países)
una diversidad de ocios: lavaplatos, camarero, vigilante
nocturno, basurero, descargador de barcos, vendimiador.
Hasta que, en los 80, pudo sustentarse ganando concursos
literarios. A nes de los años 90 la suerte empezó a estar de
su lado: Los detectives salvajes (1999) obtuvo el premio
Herralde y el Rómulo Gallegos, considerado el Nobel de
Latinoamérica. Es autor de las novelas, La pista de hielo
(1993), La literatura nazi en América (1996), Estrella
distante (1996), Amuleto (1999), Monsieur Pain (1999),
Nocturno de Chile (2000), Una novelita lumpen (2002) y
2666 (2004), ésta última póstuma; los libros de relatos
Llamadas telefónicas (1997), Putas asesinas (2001) y El
gaucho insufrible (2003) y los poemarios Los perros
románticos (2000) y Tres (2000). También escribió
Amberes (2002), que recoge varios textos del autor y Entre
paréntesis (2004), un recopilatorio de artículos, conferencias
y otros textos publicados en varios medios de comunicación.
Murió el 14 de julio del 2003 a consecuencia de
una insuciencia hepática, lamentablemente en el
momento justo de su despegue internacional.
Bolaño es ahora un escritor de culto, un icono que muchos
incluso no dudan en poner a la altura de genios como
Kaa, o bien anteponerlo en importancia a Vargas Llosa o
García Márquez. Sus creaciones aceleran una especie de
microclima cargado de misterio y melancolía. La mezcla
de surrealismo, lirismo, invención, política y análisis
psicológico con la que Roberto Bolaño aliña sus creaciones
ha fascinado a la crítica y a los lectores, que han descubierto
en los últimos años toda la dimensión que se
parapeta tras su literatura.
Como advierte el escritor argentino Rodrigo Fresán, la
literatura es contingente. Si Einstein no hubiera
descubierto la teoría de la relatividad, lo hubiera hecho
algún otro. Pero si Cervantes hubiera muerto en Lepanto,
no habría nada parecido al Quijote. Si Max Brod hubiera
hecho caso a Kaa, nadie hubiera descrito su particular
angustia. Nuestro mundo sería un poco más gris, y lo que
es peor, ni siquiera nos enteraríamos. Con la prematura
muerte de Bolaño, nunca sabremos que es lo que hemos
perdido. Toda poesía -dice Bolaño en 2666-, en cualquiera
de sus múltiples disciplinas, estaba contenida o podía estar
contenida en una novela. Esta declaración de principios
proviene de un escritor que, desde sus inicios, se consideró
ante todo poeta, si bien el reconocimiento le llegó por su
prosa.
Más información: www.robertobolano.com
DE LAVAPLATOS A
ESCRITOR DE CULTO
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29 Y 30 DE JUNIO, 20:30 H.
1 DE JULIO, 20:30 H.
Duración: 1 H. Y 30´ sin pausa
MARÍA PAGÉS
CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA
P.INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO DE BUTACAS 24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
1ER ANFITEATRO BAJO 24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
1ER ANFITEATRO ALTO 18.00 16.00 14.00 13.00 09.00
1º ANFITEATRO 15.00 13.50 12.00 10.50 07.50
CABARET El Musical danza
PATIO DE BUTACAS 40.00
1ER ANFITEATRO BAJO 40.00
1ER ANFITEATRO ALTO 37.00
2º ANFITEATRO 27.00
musical
1 Y 2 DE JUNIO, 19:00 Y 22:30 H.
3 DE JUNIO, 17:00 Y 20:30 H.
5, 6 Y 7 DE JUNIO, 20:30 H.
8 Y 9 DE JUNIO, 19:00 Y 22:30 H.
10 DE JUNIO, 20:30 H.
Duración: 2 H. sin pausa
J´ARRIVE...! danza
MARTA CARVASCO Cía. de Danza
15 Y 16 DE JUNIO, 20:30 H.
Duración: 1 H. y 15 sin pausa
PRECIO ÚNICO SIN DESCUENTO : 12.00
teatro
22, 23 Y 24 DE JUNIO, 20:30 H.
Duración: 1 H. Y 45´ con pausa
de Jeff Baron
Dirección: Juan Echanove
Con Juan José Otegui y Pere Ponce
VISITANDO AL SR. GREEN
P.INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO DE BUTACAS 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1ER ANFITEATRO BAJO 15.00 13.50 12.00 11.00 07.50
1ER ANFITEATRO ALTO 13.00 12.00 11.00 09.00 06.50
1º ANFITEATRO 11.00 10.00 09.00 08.00 05.50
teatro
6, 7 Y 8 DE JULIO, 20:30 H.
Duración: 2 H. con pausa
de Benito Pérez Galdós
Nueva versión teatral de El Abuelo
Dirección: Ángel F. Montesinos
Una producción de Juanjo Seoane
Con Nati Mistral
LA DUDA
P.INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO DE BUTACAS 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1ER ANFITEATRO BAJO 15.00 13.50 12.00 11.00 07.50
1ER ANFITEATRO ALTO 13.00 12.00 11.00 09.00 06.50
1º ANFITEATRO 11.00 10.00 09.00 08.00 05.50
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JULIO TEMPORADA 2007
LA GRANADA
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DEL PLATA
24 de junio, 21.00 h.
“La secreta obscenidad
de cada día ”
de Marco Antonio de la Parra
PROYECTO TEATRAL
LA ENCRUCIJADA
“La encrucijada”
28, 29, y 30 de junio, 21.00 h.
1 de julio, 21.00 h.
de Ángel Cabrera
Dirección: Ángel Cabrera
KLÓTIKAS
12, 13, 14 y 15 de julio, 21.00 h.
de Enzo Scala
Dirección: Enzo Scala
“La pen última y nos vamos”
AL UNÍSONOX TEATRO
2RC TEATRO COMPAÑÍA
DE REPERTORIO
5, 6, 7 y 8 de julio, 21.00 h.
“P ère Lachaise”
de Itziar Pascual
Dirección: Rafael Rodríguez
PRODUCCIONES
DEL MAR
14, 15, 16 y 17 de junio, 21.00 h.
“Sof á para dos”
de Marc Camoletti
Dirección: Severiano García Noda
LA CHARLATANA “Sherezade y el Rey
de los Sueños”
22 de junio, 19.00 h.
23 y 24 de junio, 12.00 h. y 18.00 h.
de Sancho Hernández Rivero
Dirección: Sandro Hernández Rivero
7, 8, 9 y 10 de junio, 21.00 h.
“El cuarto escondido”
y “The rarities collection”
de Ruth Moreno y Orlando Ortega
RUTH MORENO Y
ORLANDO ORTEGA