Nº33
Mayo-Junio 2008
LA SEÑORITA JULIA
María Adánez juega con fuego
LA TORTUGA DE DARWIN
Una fábula a la medida de Carmen Machi
SONATA DE OTOÑO
Marisa Paredes no defrauda a
Ingmar Bergman
LAS BIZARRÍAS DE BELISA
Lope pone a prueba a la Joven
Compañía Nacional de Teatro Clásico
EL PRINCIPITO
El monarca de nuestra infancia
HUMO
La adicción a las
falsas apariencias
HIGH
SCHOOL
MUSICAL
Fin de curso con
Disney Channel
Presidente del Cabildo de Gran Canaria
José Miguel Pérez García
Consejera de Cultura y Patrimonio
Histórico y Cultural
Luz Caballero Rodríguez
Presidente de la Fundación Canaria
Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
Roberto Moreno García
Gerente
José Ramón Risueño
Director Artístico
Gonzalo Ubani
Jefe de Redacción
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Coordinadora de Redacción
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y Archivo del Teatro
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04
LA SEÑORITA JULIA
Un drama que sitúa al espectador
ante el juego brutal y provocador de
un complicado triángulo amoroso
07
ENTREVISTA CON
MARÍA ADÁNEZ
La actriz señala que este Strindberg
pone de manifiesto “la violencia
psicológica que se establece muchas
veces en las relaciones y conductas
entre hombres y mujeres”
08
LA TORTUGA DE DARWIN
Un vertiginoso viaje por el espacio y
por el tiempo que pone al descubierto
el lado más ominoso de nuestra
historia reciente
11
ENTREVISTA CON
CARMEN MACHI
La popular actriz confiesa que la
filosofía de vida de la tortuga
Harriet le ha enseñado mucho como
persona, y que cuando uno es capaz
de adaptarse, termina siendo
mejor persona
12
SONATA DE OTOÑO
Bergman nos recuerda todas las
contradicciones de la vida que somos
incapaces de expresar
15
ENTREVISTA CON
MARISA PAREDES
La actriz se refiere a las diferencias
entre el cine y el teatro
16
LAS BIZARRÍAS DE BELISA
La Joven Compañía Nacional de Teatro
Clásico nos propone una mirada del
anciano dramaturgo Lope de Vega, en
esta comedia de capa y espada
20
EL PRINCIPITO
Un cuento fascinante que nos
recuerda esa forma inocente de
mirar al mundo que teníamos
cuando éramos niños
23
ENTREVISTA CON
EDUARDO CASANOVA
El joven actor señala que lo más que
le gusta de El Principito es su pureza
y su capacidad de asombro
24
HIGH SCHOOL MUSICAL
El musical basado en la película de
televisión de la cadena Disney
Channel se convierte en el mayor
fenómeno mundial del entretenimiento
para adolescentes
28
HUMO
¿Qué vacíos se esconden tras el
brillo de una identidad social
construida para satisfacer las
demandas de una definición
convencional del éxito?
31
ENTREVISTA CON
JUAN CARLOS RUBIO
El actor, dramaturgo y director
subraya que “el amor es como
el humo”
32
CONVÉNCEME
Una iniciativa que descubre el teatro
por dentro a los espectadores
34
PRECIOS
35
BONOS Y DESCUENTOS
SUMARIO
TEMPORADA
2007/2008
Foto: Sergio Parra / Juan Luis Galiardo y Kiti Mánver en Humo
Foto: Luis Castilla
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Miguel Narros dirige este tormentoso y pasional drama de Strindberg, que interpretan
María Adánez, Raúl Prieto y Chusa Barbero
LA SEÑORITA JULIA
EXCITANTES JUEGOS DE SEDUCCIÓN AL CALOR DEL VERANO
Estrenado en 1888, muchos estudiosos apuntaron que August
Strindberg plasmó en La señorita Julia una de sus experiencias
matrimoniales para, de paso, formular un retrato que dibuja el
infierno de la violencia psicológica entre un hombre y una mujer, así
como las diferencias ideológicas entre las clases sociales de la Europa
de finales del siglo XIX. Dirigido por el veterano director Miguel
Narros, este texto de Strindberg, considerado el padre de la literatura
contemporánea sueca, es un drama que sitúa al espectador ante el juego
brutal y sádico de tres personajes (la noble hija de un conde, su criado
y la cocinera) en la cálida noche de San Juan, fiesta pagana del solsticio
de verano. El instinto de supervivencia de las clases emergentes sirve
de contrapunto en esta pieza a una aristocracia en clara decadencia,
analizada por el dramaturgo sueco en La señorita Julia a través de una
tormentosa relación de pasión y manipulación.
Interpretada por María Adánez (que regresa al Cuyás nuevamente
dirigida por Narros tras sus interpretaciones en El príncipe y la corista
y Salomé), Chusa Barbero y Raúl Prieto (al que también volveremos a
ver tras su actuación en la obra Móvil), La señorita Julia nos muestra
tres rostros humanos complejos que se terminarán quemando en su
propio infierno, al compás del violín de Andrea Szamek y el acordeón
de Scott S. Singer, interpretados en directo. Para Narros, esta obra que
ya había dirigido en la década de los cincuenta en una única sesión
en un teatro de cámara, y que retoma ahora de forma muy diferente
con la violencia entre sexos de forma explícita, es una muestra del
despertar del mundo feminista a finales del XIX en Suecia. También
tras este texto de Strindberg se vislumbra un enfrentamiento de la
razón religiosa frente al ateísmo, la monarquía frente a la república,
la emancipación de la mujer frente a su dependencia. Una lucha, en
definitiva, de clases, de sexos e ideas.
Con producción y espacio escénico, como suele ser habitual en los
montajes dirigidos por Narros, de Andrea D’odorico, la obra que fue
estrenada en Alicante, parte de la versión íntegra que ha adaptado
Juan Carlos Plaza. La historia que narra el texto de Strindberg
aborda el triángulo existente entre la señorita Julia (María Adánez)
una caprichosa e insatisfecha joven de la nobleza, educada por una
madre feminista y un padre misógino; Juan (Raúl Prieto), un atractivo
criado de su servicio, y Cristina, la cocinera de la casa (Chusa Barbero)
y supuesta novia de Juan. Atraída por Juan, en la sofocante noche de San
Juan y en ausencia de su padre, Julia invita a bailar a su criado iniciando
un peligroso juego con éste hasta seducirlo, intentando generar un
cambio en su propia vida.
Juan, cuyas aspiraciones están por encima de lo que correspondería
a un sirviente, es dueño de una ambición que supera a su tediosa tarea
de limpiar las botas al conde, padre de Julia, y no desecha la posibilidad
de huir de esa condena en la que se encuentra y hacer fortuna por sí
mismo hasta conseguir, algún día, ser el propietario de un pequeño
hotel de lujo en Italia. Mientras tanto, Cristina, la cocinera, acaba su
agotadora jornada diaria durmiéndose por los rincones de la mansión,
y contrarresta los momentos en que da rienda suelta a sus instintos
con Juan, agarrándose a una enfermiza fe religiosa que le impide ver
más allá y la deja anclada a una miserable posición social que nunca
se permitiría, por iniciativa propia, abandonar. La tragedia empezará a
cocerse a fuego lento cuando ésta descubre el juego entre Julia y Juan y
son amenazados por la pacata cocinera.
La definición de los complejos personajes, las descripciones y
abundancia de diálogos, así como la efectiva y estupenda escenografía
de esta producción, aportan credibilidad a este montaje. Para María
Adánez, La señorita Julia es un reto maravilloso, que la ha llevado por los
recovecos del alma humana, pues mi personaje transita de la euforia a la
depresión, de la fortaleza a la ausencia total de voluntad. Padece lo que
hoy se llamaría personalidad bipolar, señala la actriz, quien asimismo
destaca que con este montaje el director ha decidido potenciar todas las
grandes pasiones, con lo que tiene ese punto de función sexual, erótica, a
través de la lucha psicológica de los dos protagonistas que se desean el uno
al otro. Tanto Julia como Juan son dos personajes enfermos por el contorno
y presionados por su educación y la sociedad que les rodea. Adánez ha
subrayado que, desde el momento en que los dos protagonistas hacen el
amor, la obra se convierte realmente en otra función, en un camino hacia
la destrucción, sobre todo del personaje de Julia, que ella encarna.
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TRES OBRAS PARA LA ETERNIDAD
El Ballet Imperial Ruso baila las evocadoras melodías arabescas de Rimsky-Korsakov, los ecos
triunfales de Orff, y la melodía obsesiva de Ravel
Estrenado el 4 de junio de 1910 en el Theatre
National de l’Opéra de París por los Ballets
Rusos de Diaghilev, el ballet Scheherazade
está basado en el cuento sobre Shakhriar y su
hermano, de Las mil y una noches. El romance
furtivo entre la favorita del harén y el esclavo
de oro, constituye el núcleo del ballet que
Mikhail Fokine creó sobre la partitura de
Rimsky-Korsakov, una obra sinfónica de 1888,
que contó con los bailarines Vaslav Nijinsky,
Ida Rubinstein y Enrico Ceccheti, como el
esclavo favorito de Zobeida, su amante y el
gran eunuco, respectivamente.
La escenografía y el vestuario que Bakst
creó, hechizó al público de la época con sus
reminiscencias orientales, marcando un estilo
característico repleto de colores en llamas,
trajes y ambientes de una novedosa calidad para
los escenarios de ballet, que inmediatamente
fueron puestas de moda por diseñadores y
joyeros.
La suite sinfónica Scheherazade data de
1888. Se divide en cuatro movimientos,
cada uno con un título que hace referencia
a diferentes narraciones. En todos ellos está
presente, a modo de hilo conductor, el tema
de Scheherazade, enunciado por el violín,
acompañado por tenues arpegios en el arpa
y dotado de una melodía llena de arabescos,
evocadora del ambiente exótico en que se
desenvuelve la historia.
En el prefacio de la partitura original de la
Suite Scheherazade (1888), Nikolay Rimsky-
Korsakov (1844-1908) sintetizaba la historia
SCHEHERAZADE
CARMINA BURANA
BOLERO
Foto: Luis Malibrán
LOS CONTRASTES VITALES
DE STRINDBERG
August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912) fue un
hombre de contrastes y crisis personales, en las que el
amor y el odio se alternaron de forma caprichosa. Su
obra tiene un marcado tinte autobiográfico y refleja
con maestría y dominio narrativo, la sociedad y la
problemática de la Europa de finales del XIX. Hijo de
padre noble arruinado y madre sirvienta, la producción
literaria del universal autor sueco recorre prácticamente
todos los géneros, y está recogida en 50 volúmenes, a
los que hay que sumar otros 22 de carácter epistolar. Lo
mejor de su extensa obra son sus dramas. Escritos de
forma directa y sin concesiones, reflejan toda una serie
de conflictos individuales, familiares y de clase, que
constituyen un duro golpe a los estómagos agradecidos
de la sociedad de cualquier época. Entre todos ellos
destaca con luz propia La señorita Julia, aunque también
hay que señalar La danza de la muerte, La sonata de los
espectros, El pelícano o La más fuerte.
Esta obra cumbre de la literatura dramática está inspirada
en hechos autobiográficos reales: los caprichos de
la primera mujer del autor, una aristócrata finlandesa; el
suicido de la escritora sueca Victoria Benedictsson con
una navaja de afeitar, y la sorprendente noticia aparecida
en la prensa sobre la seducción de un criado por una
noble, que terminó de camarera en un restaurante. Este
punzante análisis sobre un desafortunado encuentro
sexual entre un ambicioso lacayo y la hija neurótica de
un conde que es La señorita Julia, fue adaptado para el
cine en 1951 por el director también sueco Alf Sjöberg.
También sobre esta obra se ha escrito una ópera en 1965,
obra del compositor norteamericano Ned Rorem, y un
ballet (1950) puesto en escena por la coreógrafa sueca
Birgit Cullberg. Su influencia sobre el drama moderno
se distingue junto al noruego Henrik Ibsen y al ruso
Antón Chéjov. Su influencia se dejó sentir en numerosos
autores teatrales posteriores como Sean O’Casey,
Eugene O’Neill, Luigi Pirandello y Pär Lagerkvist, como
demuestra en parte el hecho de que todas las obras
mencionadas continúan representándose hoy en día
en los escenarios de todo el mundo. Directores como
Bergman y Fassbinder la han llevado al cine; actrices
como las suecas Bibi Andersson y Anita Björk, la
francesa Isabelle Adjani o la inglesa Saffron Burrows, la
han interpretado. Incluso directores como Woody Allen
han mostrado una debilidad por este autor sueco. No en
vano en su película Match Point, le hace un homenaje
haciendo que su protagonista, un joven ambicioso y
sin escrúpulos como Juan aparezca leyendo sus obras.
August Strindberg apuntó: Quiero escribir de forma
hermosa y luminosa, pero no me está permitido; no lo
consigo. A decir verdad, estoy comprometido con ello
como con un deber horrible: la vida es indeciblemente
desagradable...
Para que nadie pudiera malinterpretar el sentido de
su obra, Srindberg dejó muy clara la naturaleza del
personaje en La señorita Julia, llevando su conducta
más allá de lo puramente fisiológico o lo puramente
psicológico o lo puramente moral. Escribe: He motivado
el trágico destino de la señorita Julia con un buen número
de circunstancias: el carácter de la madre, la equivocada
educación que le da su padre, la influencia del novio
en un cerebro débil... Hay, además, otros motivos más
próximos: el ambiente festivo de la noche de San Juan
(...) sus ocupaciones con los animales, la excitación del
baile, la influencia afrodisíaca de las flores y, finalmente,
la casualidad, que lleva a la pareja a una habitación
solitaria, amén del atrevimiento del hombre excitado.
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Ahora lo que desea es permanecer una larga etapa sobre el escenario.
Los espectadores del Cuyás la recuerdan por sus interpretaciones en los
montajes El príncipe y la corista y en Salomé. María Adánez se enfrenta a
uno de los papeles que jamás haya encarado hasta ahora, a la caprichosa
Julia creada por el turbulento y omnipresente Strindberg, una mujer
que arrastra sus frustraciones, contradicciones y soledades, y en cuyos
ojos afilados aún permanece intacto el fuego de su juventud. En La
señorita Julia, la actriz reconoce afrontar una obra fascinante, de épicas
dimensiones emocionales. La historia se inicia como un juego templado
lleno de sensualidad y provocación, y concluye como una pesadilla
angustiosa. Es una función muy dura para el público y los actores, con
muchísimo desgaste emocional, pero también es una de las grandes obras
del teatro contemporáneo.
Su personaje, Julia, divaga en sus emociones y diríase que posee una
personalidad bipolar. Transita de la euforia a la depresión, se comporta
racionalmente en algunas ocasiones pero denota en otras un estado que
limita con la locura. Pasa por todos los estados y recovecos del alma
humana. Para María Adánez, la aristócrata Julia de August Strindberg,
se comporta con tan descontrolado desahogo debido a su educación en la
absoluta contradicción por parte de su madre, que la induce a odiar a los
hombres, y su padre, que la conmina a despreciar su propio sexo. Con un
cuadro tan desgarrador, es difícil que una mujer halle en la vida sosiego
vital y en el amor la tabla salvadora de su existencia. Julia es un aliento
que se ahoga a causa de la imposibilidad de ser y del dolor letárgico que
ha tomado las riendas de su vida. Juan le sirve de espejo para dirigirse
hacia la destrucción –como proclama el propio autor sueco en el prólogo
del texto- de un individuo y de toda una familia.
Confiesa que le ha costado penetrar en el personaje por sus infinitos
matices y recovecos. Los personajes leen al actor. Desde que leí con
Miguel Narros La señorita Julia, mi única duda fue estar a la altura como
mujer y como actriz de tan importante personaje femenino, que ha sido
clave en la historia del teatro. Julia me está enseñando y enriqueciendo
mucho como ser humano. Hago todos los días lo que jamás se me ocurriría
hacer con otra persona y no deseo que hagan conmigo. Eso me llena de
fortaleza.
Para Julia, Juan es el pálpito y el olor de la tierra, es el calor y la vida,
la pasión sin necesidad de filtrarla a través de la inteligencia. Con esa
relación se quiebran las normas de su condición social y todo lo establecido.
Con respecto a la claudicación final de Julia en la obra, María Adánez
no tiene nada que objetar. Strindberg es un autor muy inteligente, y sus
obras son de una maquinaria perfecta. En La señorita Julia todo lo que
sucede es por algo y nada sobra. El final del montaje proclama –muy cerca
de la Revolución- el nacimiento de una nueva especie en la persona del
criado Juan, y la desaparición de la decadente aristocracia representada
por Julia, que representa el romanticismo y el nihilismo.
El texto de Strindberg se ha respetado en su totalidad, y la dirección de
Miguel Narros refuerza la violencia psicológica que se establece muchas
veces en las relaciones y conductas entre hombres y mujeres. El texto
del autor contiene mucha violencia psicológica. Nos hemos decantado
por una acentuación de esta circunstancia y por la dimensión erótica en
esta función. Es una apuesta arriesgada que imprime aún más carácter
a nuestra versión.
María Adánez explica asimismo que este Strinberg es muy contemporáneo
porque coloca ante nuestros ojos la eterna lucha de sexos y las
conductas obsesivas que concluyen en caminos oscuros y humillantes
para muchas mujeres. Existen muchos patrones enfermos y obsesivos
de los que muchas mujeres no pueden escapar. Me da miedo que nos
inmunicemos ante el dolor, y creo que cada vez que muere una mujer se
debería movilizar muchísimo más la sociedad. La violencia psicológica es
igual de mala que la violencia física. Las personas que sufren violencia
psicológica pierden su autoestima y los parámetros para saber qué está
bien o qué está mal. Este tipo de violencia te anestesia el alma.
MARÍA ADÁNEZ
“La violencia psicológica te anestesia el alma”
ENTREVISTA
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Foto: Marc de Cock-Buning
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LA TORTUGA DE DARWIN
LAS BISAGRAS DE LA HISTORIA Y SU FRENESÍ
A las órdenes de Ernesto Caballero, Carmen Machi interpreta junto
a Vicente Díez, Susana Hernández y Juan Carlos Talavera, un texto
desafiante de Juan Mayorga, el autor de moda del teatro español
Harriet fue el nombre del ejemplar hembra de tortuga gigante que el naturalista Charles Darwin llevó
desde las islas Galápagos hasta Inglaterra en 1835. El exótico animal vivió 176 años y, cuando la noticia
de su desaparición saltó a los periódicos, el dramaturgo Juan Mayorga se apasionó por la historia y
comenzó a recrear en su cabeza el viaje iniciático del citado quelonio casi bicentenario por la convulsa
Europa de los siglos XIX y XX.
El autor teatral le contó sus fantasías literarias al director Ernesto Caballero cuando ambos decidieron
colaborar en algún proyecto, y de este modo nació La tortuga de Darwin, una obra que se sustenta en
un inteligente y reflexivo texto, al que se suma la admirable interpretación de la actriz Carmen Machi,
recuperada para el teatro tras sus incursiones televisivas, en el papel de protagonista, junto a los actores
Vicente Díez, Susana Hernández y Juan Carlos Talavera. La tortuga de Darwin es una fábula en
la que resuenan ecos de Kafka, Ionesco y Bulgakov: Se trata de un cuento que no es moralizante, tan
sólo inquietante, que sacude y hace que nos planteemos esos límites de nuestras certezas más íntimas,
comentan tanto el autor como el director de esta pieza con la que se trata de aprender del pasado con
ligereza, humor e inteligencia.
Harriet cuenta la historia del XIX y del XX desde la perspectiva de los que la padecen, no de los que la
cuentan, señalan a propósito de este personaje que sabe que su único capital es su pasado y que para
ambientar su viaje han situado en un gran terrario creado por el escenógrafo José Luis Raymond. Es la
primera vez que Ernesto Caballero dirige un texto de uno de los dramaturgos de moda, Juan Mayorga,
con el que estaba interesado en trabajar tras admirar su brillante trayectoria y, sobre todo, tras el éxito
del Hamelín, que Mayorga creó para la compañía Animalario.
El resultado para Caballero es este texto muy rico que se abre en muchas direcciones. Un texto dúctil
que ofrece muchas caras y es capaz de mostrarse entretenido, desafiante, provocativo, interrogativo,
emocionante, tierno, crítico, áspero y compasivo. Es un cuento gótico a ratos kafkiano y a ratos farsa
delirante –explica el director de escena- cuya dificultad reside en encontrar el tono adecuado en cada
momento, algo que el director de escena ha logrado a través de un diálogo continuo con los actores
del reparto y el autor durante el proceso de ensayos del montaje. Esta dialéctica teatral entre autor y
director une así a dos representantes de una nueva generación del teatro español, a los que se suma
Carmen Machi, una actriz habitual en los montajes de Caballero y formada en La Abadía (uno de los
santuarios del teatro madrileño), a la que Mayorga auguró un éxito personal con el entrañable personaje
de Harriet. No se equivocó.
La tortuga Harriet es para Mayorga una abuelita ingenua y cada vez más humana e intensa que ofrece
su pasado y su memoria vital a unos seres humanos que, a cambio, sólo buscan aprovecharse de ella. Un
papel con el que Machi regresa al teatro que ha supuesto un antes y un después en su vida profesional,
y con el que descubre el porqué de una profesión cada vez que regresa a ella.
Para este montaje Juan Mayorga escoge de nuevo a un animal como protagonista de uno de sus relatos
teatrales tras Últimas palabras de Copito de Nieve, también llevado a escena por Animalario, y Paz
perpetua, otro de sus textos que ya prepara José Luis Gómez para el Centro Dramático Nacional.
Los dos personajes principales de la obra son la tortuga Harriet (Carmen Machi) y el Profesor (Vicente
Díez). Caballero ha comparado los caracteres de ambos protagonistas con un chamán y Don Quijote,
respectivamente, roles de los que se sirve para hablar de los grandes horrores desencadenados en el
siglo XX como el estalinismo o el fascismo, consecuencia de la hipertrofia del sueño de la razón.
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LA HISTORIA DESDE ABAJO
POR JUAN MAYORGA
Harriet fue un ejemplar hembra de tortuga gigante que Charles
Darwin transportó en el Beagle desde el archipiélago de las Galápagos
hasta el puerto inglés de Falmouth. Por lo visto, disfrutó de una vida
bastante tranquila, pero yo la imaginé escapando del jardín de Darwin,
arrastrándose hasta la agitada Londres y luego cruzando el Canal de la
Mancha para, en el continente, proseguir un viaje que duraría hasta
hoy. Imaginé a una tortuga de casi doscientos años que ha sobrevivido
a once papas y a treinta y cinco presidentes norteamericanos, a dos
guerras mundiales, a la Revolución de Octubre y a la Perestroika. Un
animal que, habiendo tenido que adaptarse una y otra vez a las más
diversas circunstancias, ha evolucionado hasta ser casi una persona, o
hasta ser algo más que una persona. Un testigo extraordinario que ha
visto la Historia desde abajo, a ras de tierra.
Cuando Ernesto Caballero –a quien admiro desde que soy
espectador de teatro- me propuso escribir una obra que él dirigiría,
inmediatamente le hablé de Harriet. Siento mucha gratitud hacia él y
hacia estos magníficos actores por el talento con que han puesto en pie
la extravagante historia de una señora que, además de concha, lleva
encima dos siglos de Europa. La historia de Harriet, nuestra abuela de
las Galápagos.
EL MUNDO, UN TERRARIO
POR ERNESTO CABALLERO
La historia del devastador siglo XX es el tema principal de esta Tortuga de
Darwin, una sugerente fábula escrita por Juan Mayorga en la que resuenan ecos
de Kafka, Ionesco y Bulgakov. Harriet, la tortuga bicentenaria que estudiara el
autor de El Origen de las especies, nos hace emprender un vertiginoso viaje por
el espacio y por el tiempo como una suerte de chamán capaz de instalarnos
en otro ámbito perceptivo desde donde nos es dado contemplar condensados
múltiples y determinantes acontecimientos.
Esta distorsión del tiempo y del espacio para mirar, consustancial al hecho
teatral (su propia raíz etimológica remite a esta circunstancia) ha sido uno
de los elementos en los que más nos hemos detenido a la hora de concebir
nuestra propuesta escénica: un planteamiento que pretende ahondar en
el terreno de lo alegórico y lo fabuloso, y que nos ha llevado a idear como
espacio de representación, un gran terrario en el que cohabitan los personajes
de la obra con algunos de los inopinados dirigentes que han protagonizado el
lado más ominoso de nuestra historia reciente.
Se pretende así resaltar las cuestiones que con agudeza e ironía se suscitan en
la pieza: los resultados de los proyectos emancipadores, el supuesto final de la
Historia, la objetividad de su relato… Así como la aversión-fascinación hacia
lo que la convención social establece como lo monstruoso, en esta ocasión
encarnado en una mujer-tortuga, emblema elocuente de todos nuestros
temores y recelos hacia el extraño, hacia el diferente...
Foto: Marc de Cock-Buning
(Autor del texto y Premio Nacional de Teatro)
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A ras de suelo. Así ha visto
pasar el tiempo en esta última
etapa de su vida profesional
la actriz madrileña Carmen
Machi. En el montaje La tortuga
de Darwin, que la devuelve al Teatro
Cuyás tras su reciente presencia
en Auto, interpreta a Harriet Robinson,
un más que centenario y
entrañable quelonio, que aguarda la
compasión de aquellos que pueden devolverla
a su paraíso natural, de donde un
día fue arrebatada por el que fuera el naturalista
que sentara las bases de la moderna teoría de
la evolución. Machi se desenvuelve arrastrándose
lentamente por la poética contenida
en el inteligente texto escrito por Juan Mayorga,
filtrando la dilatada experiencia de una vida modesta,
a la que poco ya importan las identidades nacionales y
las fronteras, después de haber sufrido tanta devastación
en sus dos últimos siglos apocalípticos de existencia.
Harriet es un testigo de la historia más reciente, que ha
evolucionado a ser humano, basándose en la teoría de la
evolución de Charles Darwin, y se comporta como una anciana
de doscientos años. Cuenta la historia desde la Primera
Guerra Mundial hasta la Revolución de Octubre y la Perestroika,
las fumatas blancas de doce papas, y ha conocido a más de una treintena
de presidentes norteamericanos, pero siempre invitándonos a la reflexión.
Machi, de 45 años, puntualiza que la obra que dirige Ernesto
Caballero, es una comedia. La función no es una lección de historia,
es una comedia fresca en la que el público se ríe mucho y se emociona.
El espectador se siente cómplice de este bicho, lo cual es muy satisfactorio.
La tortuga de Darwin habla del ser humano más canalla que hay en cada uno de nosotros.
Ahora está pasando lo mismo que hace cincuenta años. Harriet, que empezó
creyendo en la capacidad regeneradora del ser humano, poco a poco termina contemplando
con desolación que el hombre es también capaz de las mayores atrocidades. En un instante
del montaje la tortuga dice a ver si con el cambio climático mutáis y sale algo más decente.
Por ello, la actriz confiesa que Harriet le ha enseñado mucho. Es el personaje más
complejo y hermoso que he interpretado en toda mi carrera, y no creo que vaya a encarnar
otro así. Tiene todos los ingredientes para enamorarte de ella, para respetarla y entenderla.
Todo lo que cuenta está narrado desde la neutralidad y con la inocencia de un animal.
No juzga, no sabe lo que es la maldad… el espectador es quien luego toma partido.
Su frase es vivir es adaptarse, y yo he aprendido mucho de ella, porque cuando uno se
adapta se hace mejor persona. Sin embargo Harriet es fuerte, y es una mujer muy vital,
y por eso a mí me gustaría ser tan anciana como ella, pero tener doscientos años no.
Cuenta Carmen Machi que se comprometió a interpretar el papel principal del
texto escrito por Mayorga sin haberlo leído, cuando Caballero se lo propuso en
uno de los ensayos de Auto. Ni siquiera pregunté de qué obra se trataba; simplemente
dije que sí porque era algo que venía de dos personas que son, ahora
mismo, dos columnas importantísimas del teatro de nuestro país. Pero cuando
leí el texto por primera vez pensé: ¿Y esto cómo se hace? Para la actriz, que la
escena española se refresque con propuestas como la de dramaturgos jóvenes
es importante para todos los agentes que integran la cuadrícula del teatro,
desde el público a los actores, pasando por los productores, programadores
y la red de teatros nacionales. Estamos viviendo un momento muy brillante
de autores en España y eso debe hacernos felices a todos los que amamos
el teatro. Juan Mayorga está en un momento muy dulce, y todo lo que escribe
se convierte sobre la escena en algo maravilloso. Está marcando una
manera de entender el teatro desde los códigos de la actualidad. Todos los
nuevos dramaturgos, desde Mayorga a Belbel, pasando por José Ramón
Fernández, Luisa Cumillé o Juan Carlos Rubio, entre otros, llegan al espectador
cada uno con su sello personal con textos refrescantes y un lenguaje
actual, porque el teatro es comunicación y es la manera de contar
historias viéndolas. Como espectadora y como actriz, el nuevo teatro
español me transmite aire fresco, transparencia y generosidad, que va a
durar mucho, porque son éstos los autores que la gente está reclamando.
ENTREVISTA
CARMEN MACHI
“Harriet es el personaje más
complejo y hermoso que he
interpretado en toda mi carrera”
Foto: Álvaro Villarrubia
11_
SONATA DE OTOÑO
José Carlos Plaza materializa el
sueño perdido de Bergman en este
drama familiar, con Marisa Paredes,
Chema Muñoz, Pilar Gil y Nuria
Gallardo
HAY GENTE QUE NO EXISTE, SINO QUE ESTÁ
La versión teatral del aclamado drama psicológico que el director
y escritor sueco Ingmar Bergman llevó al cine en 1978, Sonata de
Otoño, acaba de llegar a los escenarios españoles de la mano de José
Carlos Plaza, con un elenco extraordinario de actores integrado
por Marisa Paredes, Nuria Gallardo, Chema Muñoz y Pilar Gil. La
obra, que el director de escena madrileño había montado hace seis
años en Buenos Aires, supone un nuevo encuentro de Paredes con
el teatro, tras su interpretación de la reina Gertrudis.
A juicio de José Carlos Plaza, Sonata de Otoño es una obra que se
centra en el alma humana, una obra sobre las contradicciones de la
vida que somos incapaces de expresar, sobre las relaciones familiares,
sobre las madres y las hijas, el rencor, el amor y otras dependencias
y frustraciones. Y también es una obra sobre el triunfo y sus consecuencias.
Sobre la imposición de metas y también sobre la huida. Es
una obra que lo tiene todo. Y, además, unos personajes construidos
excepcionalmente para una dramaturgia perfecta.
Bergman reconoció que la estructura de la obra poseía más intensidad
dramática para acomodarse al teatro que al cine. En las memorias
del genial director sueco queda de manifiesto su disconformidad
con el resultado final de la película que protagonizó la actriz
Ingrid Bergman, quien prefirió realizar una versión menos realista
y más onírica. Por eso Bergman dijo que Sonata de Otoño era un
sueño de dos voces y que todo lo demás era accesorio. La versión
de Plaza explota los andamiajes teatrales de la historia y recupera
lo que es el Bergman íntimo, que perseguía colocar las almas puras
en una situación determinada y en un espacio minimalista, en el
que tan sólo vale el mundo interior de los personajes, explica José
Carlos Plaza.
El argumento de la obra es bastante simple, pero lo que se cuenta
no lo es en absoluto. En Sonata de Otoño descubrimos todos los
problemas que pueden hacer que una persona se olvide completamente
de sus responsabilidades porque el miedo al compromiso
no le permite comportarse como se espera de su rango humano. El
cuarteto escenificará un profundo drama que pone en el punto de
mira las deterioradas relaciones entre una pianista y sus dos hijas.
La madre se reencuentra con ellas tras siete años, un periodo que
ha dedicado por completo a forjar una brillante carrera internacional
en el ámbito de la música. Las personalidades de las protagonistas
chocarán, dando lugar a una cadena de reproches que intensificarán
el potencial de una historia por la que flotan conceptos como
el rencor, la necesidad de afecto y la familia.
La complicada relación existente entre una madre egoísta y sus dos
Fotografías: David Ruano
_12
ción titulada Sonata de Otoño, compuesta por Mariano Díaz. En su
montaje, Plaza ha creado un espacio de ensoñación, minimalista,
lleno de primeros planos a pesar de tratarse de teatro, y en el que
la iluminación es un personaje más.
Marisa Paredes interpreta a Charlotte, una ambiciosa pianista que
ha sido capaz de ceder el cariño de sus hijas por el éxito de su talento.
Nuria Gallardo, por su parte, encarna a Eva, la hija mayor
de la pianista, casada con un pastor protestante, al cuidado de su
hermana Helena, una joven impedida. Con la llegada de Paredes
tras siete años de huida, la tragedia familiar emerge. Por eso el espectador
va a sentir el vapuleo del alma, explica la actriz Nuria
Gallardo. Chema Muñoz señala como un atractivo superlativo en
la obra, el conflicto que enfrenta a esa madre con sus hijas. La vocación
por el talento peca a veces de falta de entrega con lo que tienes
alrededor, es decir, con la propia familia. Pese a la circunstancia de
que la protagonista es música, es decir, una artista, Muñoz destaca
la universalidad del conflicto en Sonata de Otoño.
¿Cuántos padres trabajan para su familia y, sin embargo, no la ven?,
se pregunta el actor. Gallardo, por esta razón, concluye que los espectadores
estarán unas veces a favor de la madre y, en otras ocasiones,
se mostrarán a favor de las hijas.
hijas defraudadas y heridas de corazón, está resuelta a juicio del
director con crueldad, porque en esta obra hay mucha sangre que
brota del alma. El director subraya que Bergman realiza en este
memorial del dolor una biopsia del alma que muestra una gran profundidad
que también se contempla en Shakespeare y en muchísimos
otros grandes autores, aunque en el caso de Bergman, al elegir tan
sólo a dos personajes, va hasta dentro y llega a límites tremendos,
en los que se cuecen frases tan profundas y rotundas como angustiantes,
entre las que destaca hay gente que no existe, sino que está.
La dureza de la madre contrastará con la ingenuidad de una de las
hijas, que tiene a su cuidado a la otra descendiente de la pianista,
afectada por una enfermedad mental. Un argumento en apariencia
simple que desemboca en un duelo cruzado de elevada intensidad
psicológica.
La producción, como no podía ser menos atendiendo a su propio
título, posee una ambientación musical resuelta en la que suena el
Preludio nº 2 de Chopin, que interpretan madre e hija, y que evoca
dos fuerzas que se encuentran en medio de una escenografía diseñada
por Paco Leal, en la que los espacios aparecen y desaparecen
en un clima sin límites, predominando la estética de la estación
del otoño. Además de esa pieza, el espectáculo incluye una crea-
13_
BERGMAN CONTRA
BERGMAN
Cuando el director contrató a Ingrid Bergman
para protagonizar su película no pensó que su
proyecto fuese a ser tan complicado. En sus memorias
tituladas Imágenes, editadas en Tusquets
(1992), llega a percibirse cierto rechazo hacia la película
realizada a finales de la década de los setenta,
que se corrobora cuando afirma que había hecho un
filme sobre Ingrid Bergman y no de Ingmar Bergman.
Posiblemente ése fue el error; tenía que haber seguido
siendo un sueño. No una película de sueños. Sino un sueño
cinematográfico basado en cuatro, especialmente en
dos personajes. Debía de haber prescindido del ambiente
realista y todo lo demás. Nada de decorados engorrosos,
cuatro caras en tres luces diferentes (de atardecer, de noche y
de mañana). Así era como me imaginaba Sonata de Otoño.
Ingrid, que nunca había trabajado a las órdenes del director de
obras maestras como El séptimo sello, La flauta mágica o Gritos
y susurros, entre otras muchas, destrozó su sueño. El sueco se
vio arrastrado, además, por las modas coloristas y realistas de la
industria cinematográfica estadounidense y su proyecto intimista,
pensado seguramente en blanco y negro y en penumbras, se
distorsionó con los caprichos de Ingrid. La otra protagonista, Liv
Ullman, fue otra de las víctimas del atormentado proyecto del autor
sueco, y también reconoció su descontento con Sonata de Otoño.
Sonata de Otoño fue uno de los dos últimos trabajos de Ingrid. Luchaba
contra el cáncer, que le concedió una tregua para poder rodar
aún Una mujer llamada Golda (1982). El día que cumplía los 67 años
fallecía en Londres, mientras que su compatriota, Ingmar Bergman lo
hacía a los 89 años en su casa de la isla sueca de Faarö, en el Mar Báltico.
El director advirtió en una ocasión que la vida era una ininterrumpida e
intermitente sucesión de problemas que sólo se agotaban con la muerte.
_14
De esposa de militar anciano en El coronel no tiene quien le escriba,
a desafortunada suegra en La vida es bella, pasando por
prostituta en Frío sol de invierno o monja en Entre tinieblas. La
actriz madrileña ha interpretado a lo largo de su fecunda carrera
multitud de papeles, que la acreditan como una de las artistas
más versátiles e ilimitadas del cine y el teatro español. En el
marco del VIII Festival Internacional de Cine de Las Palmas de
Gran Canaria, una de las musas más apreciadas del cine español,
recibió un cálido homenaje a su intensa trayectoria profesional
con la entrega de la Lady Harimaguada de Honor.
Marisa Paredes encarna a la pianista y madre egoísta creada por
el maestro Bergman, un papel que también parecía estar reservado
para ella, aunque reconoce que el reto de reencontrarse
nuevamente con el público le ha causado respeto. Plaza ha logrado
una puesta en escena manteniendo la fidelidad al lenguaje
cinematográfico en Sonata de Otoño, explica Paredes, que se enfrenta
en esta obra a lo más crudo de sus sentimientos. Es como
estar desnuda bajo un juego de luces con más de cien efectos diferentes,
explica la actriz y ex directora de la Academia de Cine.
El escenario de un teatro siempre resulta imponente. En el cine
siempre puedes rectificar y tienes que mantener una verdad distinta,
pero en teatro no hay vuelta atrás, señala. De ambas manifestaciones
disfruta de distinta manera. El cine tiene esa posibilidad
gloriosa de que te vean aquí y allá, sobre todo si tienes
la suerte de que la película se distribuya fuera de España. Te ve
gente de distintos lugares y sensibilidades. La magia del teatro es
inigualable. Los actores siempre decimos que hay una comunicación
con el público, cada día es diferente, depende del público, de
cómo se encuentre tu espíritu esa tarde. El teatro implica que no
hay vuelta atrás. Hay que ir siempre para adelante. En el teatro,
los actores son los únicos responsables con su interpretación de
interesar al público, de conmoverlo.
En realidad, según explica Paredes, se trata de una segunda
vuelta, dado que el pasado año interpretó el personaje de
la reina Gertrudis en la superproducción de Lluis Pasqual,
Hamlet, en la que se enfrentaba a las dificultades de comunicación
que tenía su desquiciado hijo, que sólo perseguía la
venganza tras la muerte de su padre. Para Marisa Paredes el
teatro impone a los actores otras estrategias, desde proyectar
la voz, hasta asumir el valor del gesto para llenar el escenario…
es muy distinto del cine. La expresividad dramática es
muy diferente en el cine que en el teatro. Lo bueno del teatro
con relación al cine, es que cada día puedes aportar algo distinto.
Es estupendo, es como los escultores que nunca acaban
una escultura.
Cerca de la madrileña Plaza de Santa Ana respiraba de
niña el arte que se concentraba en los alrededores de los
teatros de la zona: yo intuía que allí dentro de los teatros
había una magia que no existía fuera. Para mí el teatro
era y es la libertad. La plaza tenía como el arte en el aire,
y yo lo respiraba y aspiraba a formar parte de ese mundo
mágico, que era escapar de la realidad, trascenderla. La
realidad era una España negra y terrible, una posguerra
que duró muchos años, soportando huellas profundísimas
de la guerra, oscurantismo, represión. Ser actriz era escapar
de aquel pozo oscuro de la dictadura, alcanzar la libertad
que en la vida real no existía. Después de estudiar
en la Escuela de Arte Dramático, a los 14 años ingresó
a la Compañía de Conchita Montes. Su progreso teatral
pronto encuentra una salida en el cine, y rueda los filmes
Policía al habla, de José María Forqué (1960), y El mundo
sigue, de Fernando Fernán-Gómez (1963). Su última
película, cuyo rodaje ha compaginado con los ensayos de
Sonata de Otoño es Tuya, de Beda Docampo.
ENTREVISTA
MARISA
PAREDES
“La magia del teatro es inigualable”
Foto: Outumuro
15_
La Joven Compañía Nacional de
Teatro Clásico estrena su primera
producción, una obra del último
Lope de Vega, que su director,
Eduardo Vasco, sitúa en el Madrid
de los años veinte
LAS BIZARRÍAS
DE BELISA
JUVENTUD, DIVINO TESORO
Foto: Chicho
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Llega al Teatro Cuyás por vez primera la Joven Compañía Nacional
de Teatro Clásico, impulsada recientemente por Eduardo Vasco, e
integrada por catorce actores en esta su primera producción escénica,
atreviéndose con un texto del último Lope de Vega, Las bizarrías de
Belisa, una mirada del anciano dramaturgo hacia el amor de los más
jóvenes; un montaje situado en los años veinte con el suntuoso vestuario
de Lorenzo Caprile (quien ya había colaborado con la Compañía
Nacional de Teatro en Don Gil de las calzas verdes), que nace plagado
de sueños y saludable ambición de permanencia y proyección. La Joven
Compañía pretende ser un espacio de permanente práctica y reflexión
sobre nuestro patrimonio clásico, un instrumento al servicio del teatro
público, una posibilidad de experimentación e investigación en el que
se formen los que llegarán a ser los grandes pesos pesados de nuestra
escena en el futuro inmediato.
Los actores que conforman el elenco, elegidos entre casi un millar, tras
cuatrocientas audiciones cuyo único requisito inamovible era poseer
menos de treinta años, son actores de Madrid, San Sebastián, Logroño,
Vigo, Cádiz, Valencia y Alicante, principalmente, muchos de ellos viejos
conocidos y ex alumnos de la Real Escuela Superior de Arte Dramático
(RESAD), que ven en el verso la mejor disciplina para un actor y la base
fundamental de su carrera. De los mil currículos llegados a la CNTC
en dos años, se seleccionaron 400 jóvenes para hacer audiciones, y de
ellos, una treintena participó en un taller de dos meses. Buscábamos
versatilidad, artistas con capacidad para afrontar desde las propuestas más
ortodoxas a las de corte experimental, señala Eduardo Vasco, quien se
felicita de la formación extraordinaria de nuestros actores, consecuencia
del trabajo de los últimos años en las escuelas oficiales, especialmente
en la RESAD.
La compañía ya prepara la que será su próxima obra con dirección
de Elena Pimenta, La noche de San Juan, otro texto de Lope y que, al
igual que Las bizarrías de Belisa, nos remite a historias pastorales de
amores jóvenes, vistos desde la mirada de un ya anciano Lope. Con
esta nueva formación, la CNTC continúa su línea de trabajo, apoyada
en la utilización de la palabra. Pretendemos que nuestro teatro sea vivo,
verosímil y cumpla un servicio ciudadano, sostiene su director.
Estrenada en verano del año pasado en el Festival de Clásicos de Alcalá,
Las bizarrías de Belisa es una comedia de capa y espada que tiene como
hilo conductor la búsqueda del amor. Lope emplea el oficio adquirido a lo
largo de toda una vida para depurar un argumento simple, pero efectivo,
que conforma una trama sin fisuras, la peripecia de cuatro jóvenes
amantes engarzados por una cadena de amores no correspondidos: El
Conde ama a Belisa; Belisa, a Don Juan; y Don Juan, a Lucinda. Al inicio
de esta comedia, Belisa cuenta a Celia cómo un desconocido defiende
a un caballero atacado por varios hombres. A partir de ese momento
nuestra dama protagonista tomará la iniciativa en la conquista amorosa
de este valeroso caballero. Ante los desdenes reiterados de éste decide
darle celos para conseguirlo.
Eduardo Vasco opina que ésta es una pieza muy adecuada porque todos
sus personajes son jóvenes y, como no hay personajes represores, el amor
se vive de una forma más libre, con pasión. Esta obra fue escrita por el
dramaturgo del Siglo de Oro en un tiempo amargo, en el que rememoraba
sus amores de juventud y sus métodos de cortejo. Y es que, precisamente
el amor y la forma en que lo entienden y se enamoran sus protagonistas,
es el hilo conductor de esta primera producción con ciertos aires de
libertad, que lleva el texto de Lope a los alocados años veinte, e incorpora,
además, escenas de otras comedias y sonetos del dramaturgo para dar
cabida a todos los integrantes del elenco.
Sólo un piano y catorce sillas acompañarán a los actores sobre el
escenario, de modo que, el peso de su interpretación, centra durante
casi toda la función la atención del público. La obra se endulza con
ambientaciones sonoras que van desde el jazz al swing, pasando por
composiciones de Ligeti, como base para las declamaciones. El montaje
obedece a esa percepción de la realidad tan ecléctica que nos rodea, en
el que puedes salir de ver una comedia del Siglo de Oro, encontrarte con
una casa del XVII, a la vez que escuchas en un iPod a los Beatles o a
Monteverdi, explica el director.
Y entre esta visión alternativa aparecen personajes también diversos
como Belisa, interpretada por Eva Rufo, una dama acostumbrada hacer
siempre lo que quiere y que se viste de hombre, lucha y pelea para
conseguir a Don Juan, de quien se enamora; o el Conde Enrique, al que
da vida David Boceta, que con su séquito y un gramófono a cuestas
intentará conquistar a la bella Belisa.
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UN FÉNIX COLECCIONISTA DE AMORES
POR ALONSO ZAMORA VICENTE
Félix Lope de Vega Carpio nació en Madrid en 1562 y falleció en 1635. Estudió en el colegio de los jesuitas de esta ciudad y en la Universidad de Alcalá,
aunque no llegó a graduarse. Joven fogoso e inquieto, escapó de su casa al poco de morir su padre (aunque no consiguió llegar muy lejos) y se embarcó
en aventuras militares como la expedición del marqués de Santa Cruz a la isla Terceira de las Azores y en la Armada Invencible. Coleccionó, y no sólo
de joven, amores más o menos afortunados, uno de los cuales le acarreó sendas penas de destierro de la corte y del país; otros, en compensación, le
proporcionarían vivas alegrías, aunque, eso sí, todos ellos fueron fuente de fecunda inspiración.
A los veinte años era ya conocido como poeta y como comediógrafo, y su fama fue creciendo, imparable, hasta convertir el nombre de Lope en sinónimo
de lo mejor, feliz conquista que no le evitó cosechar –o quizá por ello mismo- considerables enemistades entre otros escritores de su época.
En 1614, cuando sus obras se contaban ya por centenares, viudo y muy afectado por la muerte del pequeño Carlos Félix –el hijo de su segunda esposa,
Juana Guardo- decidió ordenarse sacerdote. Pero ello no le impediría reanudar al poco sus escarceos amorosos ni caer rendido, finalmente, ante los
encantos de otra mujer, Marta de Nevares, con la que vivió años de paz y recuperada juventud, apenas turbados por ciertos remordimientos de conciencia.
En 1632, Amarillis – nombre con el que Lope cantó a Marta en sus versos- murió, ciega y loca, sumiendo al ya anciano escritor en la soledad y la tristeza
más profundas.
Lope de Vega, el Fénix de los ingenios, uno de los pocos hombres que han tenido el privilegio de disfrutar plenamente en vida –y desde bastante joven- del
sabor de la fama y la gloria, murió en1635. La comitiva que acompañó su entierro reunió a todo Madrid en un auténtico duelo popular.
Foto: Chicho
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EL AMOR COMO FUERZA INCENDIARIA
POR EDUARDO VASCO
Los últimos años de la vida de Lope de Vega nos han dejado un
corpus literario que la crítica ha calificado como ciclo de senectud,
eligiendo como inicio de dicho periodo la fecha en la que fallece Luis
de Góngora. A mí, un lopiano entregado desde la infancia, es uno de
los momentos que más me apasionan de este monstruo, cualitativa y
cuantitativamente hablando, de nuestra literatura. Este Lope, el que
tanto amó, el que tanto vivió, contempla desde una posición muy
distinta los mismos temas, los mismos personajes que trató en sus
obras durante toda su vida.
Si lo leemos con atención encontramos el impulso vital que acompaña
a toda su producción literaria, pero unido al punto de vista de un
anciano que observa como todo va cambiando a su alrededor. La
expresión poética deriva hacia el culteranismo, que Lope utiliza
suavemente, casi con la boca pequeña, a la vez que critica sus excesos.
Los nuevos dramaturgos han aceptado su fórmula incorporando
nuevos recursos, llevando más allá los límites de los géneros, rizando
el rizo como primer paso a lo que será, más de un lustro después, un
camino sin retorno para la comedia nacional.
Esta bellísima obra, considerada la última que escribió Lope de Vega,
se publica póstumamente en 1637 dentro de La vega del Parnaso,
aunque su manuscrito autógrafo, firmado el 24 de mayo de 1634 –un
año antes de la muerte de Lope- se conserva, ya ven ustedes, en el
British Museum de Londres. El Fénix concibe, en los últimos años
de su vida, una comedia urbana, madrileña, sobre amores juveniles,
una comedia que insiste en un tema común en su dramaturgia: el
amor como destino definitivo, como fuerza incendiaria de la que no
se puede escapar. Las bizarrías de Belisa es una de las comedias más
ortodoxas del poeta, escrita sin concesiones, casi de manual, y que, sin
embargo, contiene alguno de los momentos más hermosos y poéticos
de su teatro. Sencillamente, un maravilloso canto del cisne.
Con este título inicia su andadura sobre los escenarios uno de los
proyectos que más nos ilusionan: la Joven Compañía Nacional.
La Joven, como ya se denomina coloquialmente en la casa, arranca
tras dos años de preparación, en los que seleccionamos currículos y
realizamos casi cuatrocientas audiciones a jóvenes actores, antes de
comenzar la fase de formación que culmina con el estreno de este
espectáculo. Vivimos otros tiempos y existen otras necesidades, por
lo que consideramos imprescindible disponer de una cantera de
profesionales, para que la transmisión no se interrumpa, para que la
tradición no vuelva a estar ausente; por eso, La Joven no pretende ser
una escuela, sino una compañía de actores jóvenes que se dedicará
más intensamente que otros elencos a la investigación y al estudio, y a
través de su primer trabajo, Las bizarrías de Belisa, se presentan ante
el público.
Senado ilustre, nuestros actores más jóvenes interpretan para ustedes
al Lope último, al más nostálgico, al que nunca olvidarán, con la
intención de que ustedes guarden también un rinconcito en su
memoria para el anciano poeta.
(Director del montaje y autor de la versión)
19_
El jovencísimo y televisivo Eduardo Casanova,
junto a Itziar Miranda, Mario Sánchez y Pep
Munné, protagonizan la versión teatral que dirige
Pablo Ramos Escola, de uno de los cuentos más
populares de la literatura universal
EL PRINCIPITO
FASCINANTE MARAVILLA PLANETARIA
Foto: Pedro Gato
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Cuando se lee El Principito siendo niño, uno se queda asombrado por el universo
al que ha viajado y no cree que los adultos puedan entender todo lo que en ese
delicado libro se narra. Cuando se relee de mayor, es cuando se descubre que ese
lugar al que fue transportado uno cuando era pequeño, está más cerca de lo que se
había imaginado, y no cree que los niños vayan a ser capaces de entender todo.
Sin renunciar a la magia de este cuento imperecedero que posee un gran componente
filosófico, la productora Come y Calla propuso hace dos años a Pablo Ramos Escola
que dirigiera la adaptación de la obra de Antoine de Saint-Exupéry, que había
realizado Luis López de Arriba. Protagonizada por el jovencísimo y televisivo actor
conocido por su papel de Fidel, en la serie Aída, Eduardo Casanova, Pep Munné (en
el papel del aviador), Itziar Miranda (que interpreta a la zorra, la rosa y la serpiente)
y Mario Sánchez (que se desdobla para encarnar al vanidoso, al rey, al farolero,
al hombre de negocios y al geógrafo), el equipo creativo del montaje se completa
con el canadiense Carl Fillion (colaborador habitual de Robert Lepage) y Ricardo
Sánchez-Cuerda en la escenografía, Ouka Lele en el diseño del cartel promocional,
Pablo Salinas en el espacio sonoro y la partitura, que interpreta Aurora Beltrán, del
grupo Tahúres Zurdos.
Luchando con los baobab, cuidando su rosa, viviendo para imaginar, imaginando y
soñando para vivir, El Principito no sólo es uno de los grandes clásicos de la narrativa
infantil y juvenil, sino también uno de los títulos más conocidos y populares de la
literatura universal de todos los tiempos y de todas las edades. La bellísima fábula del
aviador y escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, aquel piloto metido a novelista
que desapareció con su avión el 31 de julio de 1944 en el Mediterráneo, durante una
misión en la Segunda Guerra Mundial, llega al escenario del Teatro Cuyás en forma
de producción apta para todos los públicos, en la que sus autores han buscado la
plasticidad de la escenografía, un lenguaje visual, atractivo y sorprendente, que
refleja la magia del mundo de este tierno personaje que reflexiona sobre temas tan
profundos como la amistad, el amor o el sentido de la vida, pero siempre desde la
inocencia de los ojos de un niño.
Pablo Ramos Escola confiesa que pensó en el proyecto de El Principito porque
de pequeño me había maravillado, aunque cuando leí la obra de mayor descubrí
muchísimas cosas que entonces no había entendido. La novela tiene capítulos muy
cortos en los que se explican cosas importantes que nosotros hemos ido salpicando
por el montaje. También hemos querido presentar una narración lineal, ordenada
cronológicamente, para favorecer la comprensión. El aviador, que funciona como
narrador, no abandona la escena en ningún momento.
El resultado es un espectáculo que goza de una producción tan ambiciosa como
sencilla. Un montaje dirigido al público adulto, principalmente, aunque siempre
es deseable que los niños puedan acompañar a sus padres a esta producción, cuya
escenografía está inspirada en la imaginería del siglo XVII y repleta de esferas y
mecanismos de absoluta complejidad, que destilan magia y belleza.
Para el director, tenemos una vista entrenada para dar respuestas inmediatas. Esto
es rojo, esto es azul, aquella chica es alta, aquel hombre es negro... Aunque el dibujo
sea de un elefante en el interior de una boa, nosotros vemos el dibujo de un sombrero.
Y creemos firmemente que eso es así, y se nos olvida que puede haber más opciones,
más colores, más cualidades que no se ven… y nos negamos la posibilidad de ver un
poco más allá de la simple apariencia de las cosas. Cuando releo El Principito de
adulto, recuerdo esa forma inocente de mirar al mundo que tenía al ser niño. Cuando
era capaz de mantener las preguntas y no trataba de responderlas. Cuando podía ver
elefantes donde aparentemente sólo hay sombreros.
Pablo Ramos Escola explica que su propuesta ha sido adaptarse a la poética del texto
de Exupéry. La poética del texto original exige que la puesta en escena sea tratada
de igual manera. En nuestras atmósferas lo sencillo se convierte en sorprendente.
El Principito mira la vida tal y como es, sin emitir juicios negativos sobre ella. La
observa con curiosidad. Nuestro planteamiento ha consistido en mirar el mundo de El
Principito de la misma manera, dejándonos sorprender por lo sencillo. Con elementos
que, sin cambiar de forma, consiguen que los veamos de diferente manera. El ejemplo
más claro está en el propio texto. El dibujo que el aviador bosqueja puede ser un
sombrero o una boa engullendo a un elefante.
La motivación principal de cada uno de los personajes es la soledad, prosigue el
director. Por ello, hemos tratado de potenciar esta cualidad en el planteamiento
escenográfico. Los cinco planetas se encuentran vagando lejos los unos de los otros en
un cosmos indefinido e infinito. Cada uno de esos planetas ocupa una porción muy
pequeña dentro del escenario, y están muy separados. Cada uno de ellos, es un fiel
reflejo de la personalidad de su habitante.
21_
UNA HISTORIA QUE AJUSTA LA REALIDAD A NUESTROS DESEOS
El Principito vive en su mundo y aún tiene muchas cosas que descubrir de la vida. También tienen muchas cosas que descubrir con él todos los que le
conocen. El aviador, por ejemplo, revivirá con él una infancia que nunca tuvo e intentará desvelar el misterio de un ser que todavía no sabe a dónde
mirar.
El aviador se siente solo. Desde el momento en que aceptó que el mundo sólo permite hablar de golf, política y dinero, y que lo importante de la vida
es que las cosas se mantengan estables y no cambien, abandonó su interés por la pintura y se dedicó a cosas prácticas, que se supone que es lo que debe
hacer un adulto. El Principito se siente solo. Ha vivido solo mucho tiempo, sin contacto con otras personas y tiene esa forma de mirar al mundo que le
permite sorprenderse siempre, ya que no trata de entender las cosas, sino que se limita a observarlas y a dejarse transformar por ellas. Pero necesita a
alguien con quien compartirlas. Cada uno emprende un viaje diferente para tratar de ajustar esa realidad a sus deseos. Para tratar de cambiar aquello
que los rodea: El aviador recorriendo la Tierra con su avión y El Principito visitando diferentes planetas.
Ese viaje les lleva a encontrarse y a darse cuenta de que lo que buscaban ya lo tenían cuando partieron, sólo que no habían sabido verlo. Ambos han
necesitado un largo viaje para descubrir que el fin se encuentra en el mismo punto de partida. La grandeza está en saber mirar la belleza que las cosas
poseen, y no en tratar de transformar las cosas para que tengan la belleza que consideramos que deberían tener.
Foto: Pedro Gato
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Saint Exupéry ha conseguido ser uno de los autores más leídos gracias a este cuento para
mayores que tiene como protagonista a un niño. Come y calla, una productora joven se
ha atrevido con un montaje inusualmente bello a la hora de transportarnos a ese universo
particular del escritor francés que todos hemos imaginado alguna vez. Y Eduardo Casanova,
se ha enfundado en el papel del Principito sin complejos.
Es mi primer trabajo en teatro y ha sido un regalo, afirma el joven actor, que comparte
escenario con Itziar Miranda (Amar en tiempos revueltos) que interpreta a la serpiente, la rosa
y el zorro-a del cuento, y Pep Munné, que da vida a los planetas. Aún recuerda cómo llegó El
Principito a su vida: Llegué de grabar agotado, me senté en el sofá y apareció mi madre con algo
en la espalda (a mí me encantan los regalos). Cuando vi lo que era me puse como loco. El joven
protagonista, que con 16 años goza de una popularidad notable después de sus apariciones
en la serie Aída, advierte que para meterse en el papel ha sido importante obsesionarme con el
personaje y querer hacerlo. Lo grande, lo espectacular es la obra, eso hace que pueda interesarle
a tanto público. El personaje me gusta mucho porque es puro, básico, simple y según va viajando
y conociendo gente se va llenando de sabiduría. Yo creo que esa pureza es lo que más me gusta. Y
la capacidad de asombro y la capacidad de absorción que caracteriza a los niños.
Y para qué complicarse ahora la vida con un personaje tan difícil. Eduardo Casanova lo tiene
muy claro. No puedes dejar pasar oportunidades como ésta. Para mí es muy importante hacer
teatro, actuar. El teatro es el complemento del actor. Y este proyecto era muy chulo. La televisión
te lleva a hacer teatro, aunque es mucho más artificial; el teatro es más auténtico, más puro, más
grande. Posiblemente me entretenga más hacer teatro que televisión. Aún así me gusta mucho crear
personajes, sea en cine, teatro o televisión. Además, meterme en esto me ha ayudado a comprender
muchas de mis limitaciones. Es su primer gran trabajo teatral, y la valoración que hace el actor es
positiva: El teatro es mucho más cercano, porque los espectadores están ante ti en carne y hueso. Es
bonito ponerle caras a las personas que han ido a ver tu trabajo, pensar que la gente paga por verte.
El principito no tiene nada que ver con su personaje de Aída. El público intenta buscar
similitudes y la verdad es que espero que no lo consigan, explica Casanova, quien confiesa que
le gustaría dirigir una “peli”, o por lo menos un corto. Quiero que se publique algún libro mío,
escribo novelitas cortas. Quiero trabajar con Tim Burton o con John Waters. Respeto mucho la
profesión pero me parece que trabajar toda la vida actuando a mí me resultaría aburridísimo.
Porque como actor tú no puedes tener una imagen, porque si tienes una muy definida te van
a encasillar y la imagen que tú tengas como persona te la van a transformar en un personaje
parecido. Pero si eres director, cantante, artista, puedes llevar la estética que lleves, que luego tú,
como artista, harás lo que quieras, aunque no tenga nada que ver con la imagen que proyectes,
porque no siempre quieres plasmar en tu obra lo que tú eres. Por eso a mí me gusta más ser
artista que actor.
Si no fuera actor, qué sería Eduardo, ¡Astronauta! Cualquier cosa relacionada con esto, con el
arte, concluye.
EDUARDO CASANOVA
“No podía dejar pasar una oportunidad como ésta”
ENTREVISTA
23_
El mensaje de este éxito de Disney Channel es que
la vida merece la pena, que la amistad verdadera
existe, que nada se consigue sin esfuerzo y que
no hay nada más gratificante que la generosidad
y la bondad
HIGH SCHOOL
MUSICAL
FIEBRE ADOLESCENTE CONVERTIDA
EN FENÓMENO MUNDIAL
Las Imágenes de High School Musical corresponden
al montaje del musical norteamericano
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Bienvenidos al mundo de los institutos made in USA. Se presenta en
España High School, el musical basado en la película de televisión de la
cadena Disney Channel, que se ha convertido en el mayor fenómeno
mundial del entretenimiento para adolescentes. La versión española
que llega al Teatro Cuyás -cuyo presupuesto ronda los tres millones
de euros- se presentará en más de 35 ciudades del país, producido
por la multinacional del espectáculo Stage Entertainment España,
responsables de algunos de los musicales de éxito en cartel más
destacados como Jesucristo Superstar, La Bella y La Bestia, Cabaret
o Mamma Mia!! España es el tercer país del mundo en el que se ha
estrenado este gran musical, tras hacerlo en Estados Unidos y Gran
Bretaña.
La filosofía de la trama de High School es claramente estadounidense,
pero lo que se cuenta en el musical es trasladable a la situación
que viven los adolescentes de cualquier país de nuestro entorno.
Es una historia universal, explica Julia Gómez, directora ejecutiva
de la productora, quien señala que su empresa tuvo que superar el
escepticismo que provocaba trasladar a España una obra con un sello
estadounidense tan definido. Como toda obra de la factoría Disney
que se precie, el mensaje de este éxito mundial es que la vida merece
la pena, que la amistad verdadera existe y que no hay nada mejor
que la bondad. En un mundo donde prima el individuo, High School
habla del trabajo en equipo y de la sensación que tienen las personas
de sentirse apoyadas por su grupo, comenta el director artístico del
musical, Ariel del Mastro.
De cara al desembarco en España de la versión española, sus
productores tenían claro que este montaje necesitaba rostros y
savia nueva. Es decir, actores que no estuvieran bregados en otros
espectáculos musicales, ofrecieran un aire fresco sobre el escenario,
y que conectaran con un público mayoritariamente joven. Al casting
de este musical que ha superado las expectativas en medio mundo,
se presentaron a las audiciones organizadas durante cinco meses en
Madrid, Sevilla y Barcelona, unas cinco mil personas, de las que fueron
seleccionadas unas sesenta con las que se trabajó inicialmente, hasta
que, finalmente, unas treinta y dos fueron las elegidas para configurar
el elenco de personajes de la serie que ha revolucionado la escena
mundial, y que en su primera emisión en España, en Disney Channel,
se convirtió en la película Disney más vista de toda la historia. La
madrileña Macarena García de la Camacha, en el papel de Gabriela;
el también madrileño Daniel Diges, como Troy, la gallega Ana San
Martín, interpretando a Sharpay, el riojano David Moreno en el papel
de Ryan, Mireia Maken, en el de Taylor y, el angoleño Ricardo Nkosi
Kiala, como Chad, son los seis actores protagonistas del musical.
La música de los dieciocho pegadizos temas que configuran el libreto
de High School Musical está interpretada en directo por una orquesta
formada por nueve músicos. La versión española ofrece dos nuevos
temas que no constan en la banda sonora de la película. Todas las
canciones han sido traducidas del inglés al castellano, con el objetivo
de conectar mejor con el público español. El director musical de la
obra, Santiago Pérez, considera incluso que los temas son más ricos
que los de la película. Las canciones y la música, a la vez que la historia,
son totalmente fieles a la película original, dice. La producción cuenta
con la coreógrafa Maite Marcos, responsable de las coreografías de
la última gira mundial de Shakira (Fijación Oral Tour) y asesora en
videoclips de artistas como Chenoa o Alejandro Sanz, entre otros,
quien ha diseñado todos los números de los bailes que se suceden
sobre el escenario.
25_
La trama del musical es sencilla y responde al espíritu de toda una
generación de adolescentes que empiezan a configurar su personalidad
y escala de valores en una sociedad que en muchas ocasiones los utiliza
como mercancía y los instrumentaliza como futuros consumidores.
Los prototipos humanos se amparan en el paisaje que hoy por
hoy decora cientos de miles de institutos de ciudad, eso sí, menos
idealizados que el East High School en el que tiene lugar la historia
original. Es una historia en la que se narran con un lenguaje cercano,
las situaciones cotidianas que puede ocurrirle a un chico o una chica en
cualquier escuela con un lenguaje cercano, afirma Ariel del Mastro. El
musical gira en torno a la persecución de los sueños que tiene cada
personaje: la música.
Chicas simpáticas e inteligentes, guaperas líderes, empollones
egocéntricos, enamoradizos, deportistas saludables… Las vacaciones
de Navidad unen a Troy y Gabriella en un karaoke... dos adolescentes
que no tienen nada en común, excepto su aún desconocida pasión
por la música. A la conclusión de ese periodo vacacional ambos
coincidirán en el mismo instituto, en donde Troy es toda una estrella
del equipo de baloncesto. Tras su reencuentro, deciden presentarse al
casting para el musical anual de la escuela. El mejor amigo de Troy,
Chad, y Taylor, la nueva amiga de Gabriella, intentan disuadirlos,
pero son Ryan y su hermana Sharpay, los pérfidos talentos musicales
del instituto, quienes realmente traman frustrar sus esfuerzos. Ellos
complican todo para que el mismo día se celebre la obra musical, el
campeonato de baloncesto y las competencias académicas en las que
participa Gabriella. Para conseguir su sueño deberán enfrentarse a los
prejuicios de sus compañeros y enseñarán a toda la escuela el valor
de la amistad, la aceptación y cómo perseverar en lo que uno siempre
desea siendo uno mismo, para intentar alcanzarlo con honestidad.
Situaciones cómicas, tensiones, romance y muchas, muchas canciones
inundan este musical, al que ya algunos califican como el Grease o el
West Side Story adolescente del siglo XXI.
Quizás esta falta de pretensiones sea precisamente lo que ha llevado
a High School Musical a convertirse en un éxito rotundo para Disney
Channel, con una cuota de más de siete millones de espectadores. El
filme batió todos los récords desde su transmisión original el 20 de
enero de 2006. Con sus repeticiones ya lo han visto más de 26 millones
de televidentes. Es el programa de entretenimiento más visto de la
historia del mercado total de televisión entre el público de 6 a 14 años.
Pronto Disney se percataría del filón económico que podía explotar
con la serie, y empezó a lanzar productos que han proporcionado a la
industria un rédito espectacular en EE.UU, en donde un 45 por ciento
de sus ventas se han canalizado a través de Internet.
El DVD vendió 1,2 millones de copias en apenas seis días, su banda
sonora se colocó en el décimo puesto del Billboard estadounidense
en su tercera semana en el mercado, y su canción, Breaking free, ha
ocupado el primer puesto en dos ocasiones, despachando más de
3,5 millones de discos. Además, fue la primera película que se pudo
comprar a través de iTunes, por 9,99 dólares. Siguiendo la senda de
otros títulos de la casa como La Bella y la Bestia o El rey león, estaba claro
que la posibilidad de que High School se convirtiera en una producción
musical estaba más que cantada. La licencia High School Musical se ha
convertido en un filón para Disney, que ha vendido las tres películas
realizadas hasta la fecha en numerosos países, ha creado videojuegos
y supervisado la versión teatral. En España, las cifras también son
notables. Casi diez millones de personas ya ha visto al menos una vez
High School Musical en nuestro país, y la banda sonora original de la
serie es ya doble platino con más de 160.000 copias vendidas.
Las Imágenes de High School Musical corresponden
al montaje del musical norteamericano
_26
Gabriella Montez (La nueva del Instituto)
Es una chica simpática, inteligente y estudiosa, las ciencias son
su fuerte. Aunque cuando descubra su pasión por la música todo
cambiará para ella.
Troy Bolton (El guapo)
Es el líder del instituto: Guapo, educado y capitán del equipo de
baloncesto. Todas las chicas están locas por él, pero sólo una ha
robado su corazón...
Sharpay Evans (La cursi)
Es egocéntrica, mandona y creída... pero como todos, tiene su
corazoncito. Es la presidenta del club de teatro de East High School
y hará lo que sea para conseguir el papel protagonista en el musical
de invierno, algo que ha hecho en las últimas 17 representaciones.
Chad Danforth (El colega)
Es el mejor amigo de Troy, su compañero de equipo y su gran
confidente... Hasta que descubre la pasión de Troy por la música y es
incapaz de comprender que para su amigo haya algo más importante
en el mundo que el baloncesto.
Taylor McKessi (La compi)
Es la empollona de East High School, líder del club de ciencia
del instituto y la primera amiga que Gabriella tendrá al llegar
a la escuela. Pero también tiene bastantes prejuicios contra los
que tienen otras aficiones y le costará comprender la pasión de
su amiga.
Ryan Evans (El hermano de la cursi)
Es el hermano de Sharpay y su mayor fan. Siempre a la última
moda, disfruta interpretando con su hermana y ayudándola a
desarrollar sus perversos planes.
Kelsi Nielsen (La compositora)
Es la compositora del musical del colegio. Sharpay y su hermano
intentarán cambiar todas sus canciones, pero Kelsi encontrará en
Troy y Gabriela a los intérpretes perfectos para su obra.
Señorita Darbus (La profe)
Es la profesora de interpretación y la responsable del musical del
instituto. Le encanta el teatro e intentará transmitir esta pasión a
sus alumnos.
¿QUIÉN ES QUIÉN?
27_
Juan Luis Galiardo, Kiti Mánver, Gemma
Jiménez y Bernabé Rico interpretan el
reconocido texto del autor andaluz Juan Carlos
Rubio, que también dirige esta tragicomedia que
critica las apariencias sociales
HUMO
LAS ADICCIONES INSANAS DE LA VIDA
Foto: Sergio Parra
_28
Juan Luis Galiardo y Kiti Mánver son los actores
protagonistas de la obra Humo, que dirige y escribe el
cordobés Juan Carlos Rubio, un convincente montaje
de éxito considerado de manera unánime, tanto por
el público, como por la crítica especializada, como una
propuesta valiente inspirada en un texto innovador y
actual. El citado texto, que mereció el Premio SGAE de
Teatro en 2005, sitúa al espectador en el epicentro de un
drama muy actual: ¿qué dice de nosotros nuestra fachada
social, qué vacíos se esconden tras el brillo de una
identidad social construida para satisfacer las demandas
de una definición convencional del éxito?
Humo avanza la historia del terapeuta Luis Balmes, quien
lleva casi dos décadas viajando por el mundo, ayudando
a todo el que pague por ello a librarse de la peligrosa
adicción al tabaco. Su famosa terapia le ha llevado hasta
Málaga, ciudad en la que reside su ex esposa, Ana. Decide
entonces ir a visitarla al periódico local (en el que la
mujer trabaja e intenta sacar a flote su vida profesional y
personal) y confesarle el más inconfesable de los secretos:
ha vuelto a fumar. Éste es el punto de partida de esta
tragicomedia, para detenerse luego en el sibilino y opaco
mundo de las apariencias, las adicciones y las mentiras.
Una vez juntos, las miserias de ambos irán saliendo a
flote. Nada es lo que parece. El pasado y el presente se
mezclan en una noche que se presenta larga. Y es que a
ambos les cuesta reconocer que la adicción más peligrosa
que comparten es su propio amor.
Rubio asegura que su texto aborda las tensiones
consignadas en nuestras vidas que constituyen las
verdades y mentiras. Aunque quizá, puntualiza el
autor, más allá de la verdad o la mentira, haya algo más
importante: la fe que para mí supone perseverar en lo que
uno cree y volver a empezar pese a todo, asegura uno de los
autores que más expectativas levanta del panorama actual
del teatro español.
Gemma Jiménez y Bernabé Rico son los otros dos actores
que completan el reparto de esta obra, que produce el
propio Galiardo, y que ya ha sido estrenada en buena
parte de los escenarios españoles, Santiago de Chile, París,
Miami o Puerto Rico. El autor y director de Humo valora
el compromiso de Juan Luis Galiardo: tiene fe, como actor
y productor, en un teatro vivo, contemporáneo, español;
en apoyar la creación artística actual y no acomodarse al
último éxito del extranjero o a la undécima repetición de
nuestros clásicos.
El estreno de esta obra ha supuesto para Rubio (que
también ha sido guionista de televisión en series como
Farmacia de guardia) dejar atrás el teatro alternativo
donde hasta ahora se había desarrollado su carrera. En
una sala de este circuito, la Triángulo, montó hace un
par de años Las heridas del viento, una pieza estrenada
en Estados Unidos, donde obtuvo un galardón y cuatro
nominaciones más en los premios de la Asociación de
Críticos del Espectáculo de Nueva York en 2005.
El psiquiatra Manuel Trujillo, autor del prólogo de la
edición lanzada por la SGAE en sus cuadernos teatrales,
subraya que el autor evoca un - ¿infinito? - ciclo de fulgor
y de fracaso, en cuyos escombros los protagonistas, a pesar
de todo, encuentran la fe para iniciar, una y otra vez,
nuevos proyectos. Inmersos en sociedades de abundancia
material, escépticos de ideas y escasos de aquellos valores
que tradicionalmente emanan de autoridades externas,
los hombres y mujeres post-modernos nos afanamos en
construir identidades que nos faciliten el éxito social y que
también nos permitan vivencias de plenitud y de sentido.
Trujillo añade que la autenticidad del ser, viene a decirnos
Rubio, ha de buscarse, tras el fracaso de un particular
proyecto, entre los doloridos escombros que resultan de
los mismos. El ritmo intenso y vertiginoso de la obra, la
muy ágil y moderna escenificación propuesta, y la tensión
dramática mantenida durante los tres actos, contribuyen a
la creación de un clima óptimo para tal indagación.
29_
¿NOS SALVAREMOS TODOS ALGÚN DÍA?
El escenario es un ámbito mágico donde se descubren dimensiones escondidas
de la existencia: sueños, pesadillas, ilusiones, anhelos, recuerdos,
deseos ocultos, esperanzas y temores… El enigma de la vida, que
se escapa tantas veces a los argumentos de la razón, se muestra en el
escenario con toda su grandeza.
En ese gigantesco espejo tratamos de reconocernos y, al actuar, sentimos
que existimos. Lo mismo hace cada ser desde que nace hasta que muere;
repetir concienzudamente su papel durante toda su vida.
Apariencia y simulacro, eso es Humo. Si alguna vez llegamos a comunicarnos
con los demás es sólo por azar. La máscara es la existencia posible.
Sin ella los tigres del pasado que esconden nuestra conciencia nos
comerían por dentro. Sólo si nos alejamos de nosotros mismos podemos
ver, y burlarnos, cómo representamos ante el mundo nuestro absurdo y
tonto papel.
Algunos incidentes aparentemente triviales marcan nuestro destino, nos
guste o no, y después dedicamos el resto de nuestra vida a defendernos
como víctimas, haciendo el papel de culpables, ante el gran jurado del
mundo. La única forma de sobrevivir sin caer en la locura es reírnos de
nosotros mismos.
En Humo se intenta entrar en el misterio de esas zonas oscuras de la mente
y sacarlas a la luz, para que todo se haga presente ante los ojos de los
espectadores al levantarse el telón. Sale el actor y mira al público desde la
inmensidad del escenario, interrogándose sobre dónde está el lugar de la
auténtica representación. La vida del drama se convierte así en el drama de
la vida, y, por medio del arte teatral, en un juego, en bálsamo tranquilizador
para nuestro espíritu.
La sociedad en la que vivimos hace ya tiempo que perdió la fe, vive permanentemente
engañándose a sí misma y a los demás, la mentira se ha
enseñoreado de nuestro tiempo. ¿Por qué?
Perdimos la fe en la religión porque abusaron en exceso de nuestros miedos.
Perdimos la fe en las ideologías porque fracasaron. El capitalismo se
ha adueñado de la llamada sociedad del bienestar de todos los espacios,
es el menor mal que somos capaces de digerir, por eso la aparición de los
farsantes es necesaria y justificada.
Esta obra habla de eso, de los vendedores de humo, pero habla con ternura
porque no salvándose casi nadie, nos abre la puerta a la esperanza de salvarnos
todos algún día.
Foto: Sergio Parra
_30
Es uno de los autores de moda de la nueva dramaturgia española. El
actor, director y dramaturgo cordobés Juan Carlos Rubio, ha obtenido
con Humo un reconocimiento unánime que sólo ha venido ha corroborar
la solvencia de buena parte de sus anteriores trabajos, estrenados
algunos de ellos en Estados Unidos, Puerto Rico o Perú, entre
otros países. Desde el año 1992 comenzó a compaginar su trabajo de
actor con la escritura de guiones televisivos (Farmacia de Guardia,
Pepa y Pepe, Colegio Mayor o A las once en casa) con trabajos cinematográficos
(El calentito) y como autor teatral. Su último texto sobre la
intolerancia y la xenofobia, Arizona, acaba de estrenarse en Madrid,
y próximamente se iniciará el rodaje de dos guiones suyos, Retorno a
Hamsala y Bon apettit.
Rubio confiesa que en Humo intentó retratar el mundo de las apariencias
en las que se entremezclan las verdades y las mentiras, y en el que,
por desgracia, hemos perdido la fe. El drama, el humor y la ternura contenidos
en el texto, son los elementos –unido por supuesto a la excelente
interpretación de Mánver y Galiardo, a través de los que se llega al público.
Sus protagonistas viven inmersos en la mentira, mientras desean
escapar de ella. Se habla de desamor, de esperanza, de desengaños…
porque el amor es como el humo, pero el tabaco es una simple excusa. Es
básicamente un espectáculo de entretenimiento que invita al espectador
a la reflexión.
Su actividad ha sido intensa en los últimos años. Mi mayor lección
como actor de teatro fue recorrer los teatros de toda España. Como actor
ya cumplí un ciclo; compartí escenarios con gente muy importante,
aunque todo acabó cuando descubrí el veneno de la escritura: me es
más fácil, me satisface más. Lo de dirigir también ha sido algo puntual,
y confieso que ha sido un lujo y un placer tener a los actores de
Humo en mis manos y, a la vez, un reto el hecho de enfrentarme a
dirigir mi propia obra. En definitiva, en mi carrera, interpretar o dirigir
son anécdotas; donde básicamente quiero desarrollarme es como autor,
ya sea en teatro, cine o televisión, pero escribiendo. Ha trabajado en tres
películas: Slam y Fin de curso, de Miguel Martí; y en El calentito, de
Chus Gutiérrez. Tres largometrajes diversos para distintas audiencias.
A este país le hace mucho daño el concepto de cine de autor; está bien
contar tus historias, pero creo que hay que contar historias que interesen
a la audiencia. Parece que hay que pedir perdón por decir ciertas cosas:
puedo hacer una obra como Arizona y tener una mención en el Premio
Lope de Vega; puedo hacer Las heridas del viento y ser nominado en
Nueva York al mejor drama del año, o puedo hacer una película de
adolescentes y no pasa nada. No estoy obsesionado en contar siempre la
misma historia; no tengo traumas que saldar.
Está por un teatro actual, capaz de refrescar la escena española. Tenía
claro que lo que nunca quería como autor si llegaba a serlo, era aburrir
al patio de butacas. Quiero entretener, y después, si es posible promover
la reflexión alrededor de un asunto. Humo divierte y arroja a la vez
ciertas preguntas al público sobre la condición humana. Los textos deben
recoger los dilemas e inquietudes de los ciudadanos de hoy en día,
dice el director de Humo. Para Rubio, es muy sano que los autores
españoles contemporáneos podamos estrenar este tipo de obras con las
que el público disfruta. Durante muchos años se ha dado la espalda a
los autores de ahora, que empiezan a cobrar protagonismo en la última
década. Dentro de varios años esta dramaturgia arrojará elementos
de valor sobre las inquietudes y la realidad de este país, porque el teatro
también metaboliza de alguna manera la pulsión doméstica de un
determinado espacio. Yo nunca he pretendido sentar cátedra con mis
textos, sólo expongo la vida de unos personajes sobre el escenario, que
podría ser la de cualquiera de nosotros.
Humo surge amparado en la amistad que alimenta desde hace años
con Juan Luis Galiardo, con el que trabajó en Diez, que escribió hace
cinco años para el actor. Queríamos volver a colaborar y pensé en un
vehículo para él, mezclado con las ganas que tenía de escribir sobre las
verdades, las mentiras y la fe en la sociedad actual. En cuanto la leyó
quiso estrenarla.
“Con mi teatro no deseo sentar cátedra,
porque no tengo traumas que saldar”
JUAN CARLOS RUBIO
ENTREVISTA
31_
El Cabildo grancanario pone en marcha en el Teatro Cuyás la iniciativa Convénceme, una experiencia en
la que actores y directores revelan al espectador, antes de la presentación en escena de algunas obras,
las claves de los textos y los matices que se esconden detrás de los pliegues de cada personaje
EL OTRO TEATRO QUE SE EXPLICA
ANTES DE QUE SUBA EL TELÓN
¿Puede explicarse el teatro? En la época de la mercadotecnia cultural
y la sociedad del espectáculo, ¿puede el efecto fugaz del teatro movilizar
la conciencia del espectador? ¿Qué piensan los nuevos dramaturgos
de la escena española? ¿Cómo llega a germinar el espíritu de los
personajes contenidos en un texto dentro de los actores?
La Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural del Cabildo
de Gran Canaria ha impulsado por vez primera esta temporada
en el seno del Teatro Cuyás, el ciclo denominado Convénceme, una
iniciativa que, paralelamente a su programación teatral, pretende de
alguna manera articular respuesta a algunos de esos interrogantes en
un espacio en el que público, actores, directores y autores, se miran
de frente para intentar despejarlos. La actividad se puso en marcha
hace unos meses con la presentación del montaje de Eric Emmanuel
Schmitt, El Sr. Ibrahim y las flores del Corán. Sus dos protagonistas,
el veterano Juan Margallo y el joven Julián Ortega, adelantaron a todos
aquellos que quisieron descubrir las interioridades de esta obra,
el pulso contenido en este texto de éxito que habla al corazón de los
hombres, y propone el valor de la amistad como camino para superar
las diferencias culturales y religiosas. Margallo se propuso desde
su sólida experiencia profesional explicar al público con generosidad
abrumadora, el hechizo de esta obra que fue programada por el Teatro
Cuyás también en sesiones escolares.
La iniciativa Convénceme persigue desentrañar algunas de las claves
que siguen convirtiendo el teatro como un acontecimiento cultural
irrepetible. Antes de que suba el telón y de comienzo el espectáculo
de la representación por excelencia, los actores mantienen con
el espectador un bis a bis sincero y desinhibido, descubriéndole multitud
de matices sobre la obra que habrá de escenificarse, aclarándole
rasgos definitorios de los personajes, sugiriéndole lecturas paralelas,
desvelándole las paradojas de la dramaturgia, sincerándose, en
definitiva, sobre las intimidades de una profesión que el cine y la televisión,
ha idealizado y sobredimensionado. Como explica el propio
Margallo, no es frecuente que un teatro posibilite al espectador
este marco de reflexión. Es una experiencia muy enriquecedora para
los actores y para el público. Lejos de hacerles ver la obra como la veo
yo, lo que he pretendido en mi acercamiento con el espectador del Cuyás,
ha sido hacerle entender que existen muchos matices que no pueden
ser mostrados, y que son los que de verdad importan en el texto
de Schmitt … son los que hacen que los actores se comporten de
una manera concreta sobre la escena, y explican las diferencias entre
el amor y el sexo, el deseo y la necesidad, la aflicción y la derrota, la
generosidad y la compasión, los hilos invisibles que unen el presente
con el pasado…
El teatro cobra en estos encuentros fuerza renovadora, manifestándose
como un instrumento vivo de cultural e intercambio de ideas.
El teatro es creación, y como todo proceso sujeto a las acrobacias de
la historia, pone a prueba con demasiada frecuencia, las costuras de
nuestra sensibilidad y talla moral.
El segundo de los encuentros abiertos con el público se produjo con
el escritor y crítico literario Pablo Ley, autor junto a Álex Rigola, de
la adaptación de la obra póstuma del chileno Roberto Bolaño, 2666,
que coprodujo el Teatro Cuyás con el Teatre Lliure y el Festival Grec
de Barcelona. Con la colaboración del Club de Lectura de la Biblioteca
Insular del Cabildo grancanario, fue organizado un nuevo encuentro
con dos protagonistas de la obra de cinco horas de duración
que dirigió Rigola: la actriz Chantal Aimée y el propio Pablo Ley.
Para Ley, Bolaño era un autor que vivía con la peligrosa proximidad
de una muerte posible, y es verdad que en 2666 aletea la conciencia
Fotografías: Enrique Massó y Alejandro Quevedo
_32
de que esta novela pueda ser su testamento literario, el testamento literario de un
gran autor cuya grandeza se mide, sobre todo, por la ambición de los objetivos intelectuales
que se impuso.
Pablo Ley se reunió también durante su estancia en la isla, con actores y directores
teatrales con el objeto de adelantarles algunas pautas sobre su trabajo en la adaptación
de la novela de Bolaño. Es ese encuentro, el autor catalán advirtió que había
creado un marco escénico para que la literatura de Bolaño fuera pronunciada
con respeto reverencial y que luego Rigola pudiera llevársela estéticamente a su
manera de entender el teatro. Por su parte, la actriz Chantal Aimée señaló que a
veces el público agradece un cuaderno de bitácora en obras tan densas y complicadas
como lo es 2666, en donde el espectador participa de un viaje emocionante
por las realidades íntimas y más oscuras de los seres humanos. La literatura
de Bolaño fagocita la noche, la fiebre y la muerte, el dolor y el sexo, las sombras
de las primeras horas de la madrugada, los desiertos íntimos más allá
de los inhóspitos paisajes… Y todo ello es explicable desde la perspectiva
actoral y dramatúrgica.
La última sesión de los encuentros tuvo lugar hace pocas semanas
con ocasión de la presentación del montaje de James Goldman, El
León en Invierno. Manuel Tejada y Alicia Sánchez, actores principales
de la obra, acompañados de algunos personajes del resto
del elenco, también explicaron al público los pormenores de esta
historia de ambiciones familiares que podría haber estado escrita
por el mismo Shakespeare. El Cabildo grancanario pretende
ofrecer al público con la iniciativa Convénceme, una oferta alternativa
a su política de exhibición. Una puerta abierta a la trastienda
del escenario y los textos que sobre sus tablas se representan.
Una posibilidad de conocer de cerca a los actores que interpretan
los grandes papeles que han configurado la historia de la
excelente literatura dramática de todos los tiempos de Europa.
33_
PRECIOS
MAYO MAYO - JUNIO
LA SEÑORITA JULIA teatro drama
De August Strindberg
Dirección: Miguel Narros
Con María Adánez, Raúl Prieto y Chusa Barbero
Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
LA TORTUGA
DE DaRWIN teatro comedia
De Juan Mayorga
Dirección: Ernesto Caballero - Con Carmen Machi
Teatro El Cruce y Teatro de la Abadía
Jueves 8, Viernes 9, Sábado 10, 20.30 h.
Domingo 11, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 40 minutos sin pausa
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 21.00 19.00 17.00 15.00 11.00
1er ANFITEATRO BAJO 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1er ANFITEATRO ALTO 15.00 14.00 12.00 11.00 08.00
2o ANFITEATRO 12.00 11.00 10.00 09.00 06.00
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 21.00 19.00 17.00 15.00 11.00
1er ANFITEATRO BAJO 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1er ANFITEATRO ALTO 15.00 14.00 12.00 11.00 08.00
2o ANFITEATRO 12.00 11.00 10.00 09.00 06.00
LAS BIZARrÍAS DE BELISA teatro clásico
De Félix Lope de Vega
Dirección: Eduardo Vasco
Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico
Viernes 23 y Sábado 24, 20.30 h.
Domingo 25, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 40 minutos sin pausa
EL PRINCIPITO teatro familiar
De Antoine de Saint-Exupéry
Dirección: Pablo R. Escola
Con Eduardo Casanova, Pep Munné e Itzar Miranda
Mayo: Jueves 29, Viernes 30 y Sábado 31, 20.30 h.
Junio: Domingo 1, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 15 minutos sin pausa
ADULTOS (+14 AÑOS) NIÑOS (-14 AÑOS)
PATIO BUTACAS 15.00 12.00
1er ANFITEATRO BAJO 12.00 10.00
1er ANFITEATRO ALTO 12.00 10.00
2o ANFITEATRO 08.00 06.00
HIGH SCHOOL
MUSICAL teatro musical
Dirección artística: Ariel del Maestro
Un nuevo musical basado en la exitosa
película de Disney Channel
HUMO teatro comedia
De Juan Carlos Rubio
Con Juan Luis Galiardo y Kiti Mánver
Dirección: Juan Carlos Rubio
Viernes 27 y Sábado 28, 20.30 h.
Domingo 29, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
SONATA DE OTOÑO teatro drama
P. INICIAL
PATIO BUTACAS 40.00
1er ANFITEATRO BAJO 40.00
1er ANFITEATRO ALTO 37.00
2o ANFITEATRO 27.00
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1er ANFITEATRO BAJO 15.00 13.50 12.00 11.00 07.50
1er ANFITEATRO ALTO 13.00 12.00 11.00 09.00 06.50
2o ANFITEATRO 11.00 10.00 09.00 08.00 05.50
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 21.00 19.00 17.00 15.00 11.00
1er ANFITEATRO BAJO 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1er ANFITEATRO ALTO 15.00 14.00 12.00 11.00 08.00
2o ANFITEATRO 12.00 11.00 10.00 09.00 06.00
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1er ANFITEATRO BAJO 15.00 13.50 12.00 11.00 07.50
1er ANFITEATRO ALTO 13.00 12.00 11.00 09.00 06.50
2o ANFITEATRO 11.00 10.00 09.00 08.00 05.50
De Ingmar Bergman
Dirección: José Carlos Plaza
Con Marisa Paredes, Nuria Gallardo y Chema Muñoz
Viernes 16 y Sábado 17, 20.30 h.
Domingo 18, 19.00 h.
Duración: 2 horas sin pausa
Los menores deberán ir acompañados de un adulto y las localidades deberán adquirirse en conjunto
(mínimo una entrada de adulto y una de infantil)
Domingo 8, 18.30 h. Y 21.30 h.
Martes 10, 20.00 h.
Miércoles 11, 20.00 h.
Jueves12, 18.30 h. y 21.30 h.
Viernes 13, 18.30 h. y 21.30 h.
Sábado 14, 18.30 h. y 21.30 h.
Domingo 15, 18.30 h.
Martes 17, 20.00 h.
Miércoles 18, 20.00 h.
Jueves 19, 18.30 h. y 21.30 h.
Viernes 20, 18.30 h. y 21.30 h.
Sábado 21, 18.30 h. y 21.30 h.
Domingo 22, 17.30 h.
Duración: 2 horas y 10 minutos con pausa
Precio único sin descuento
Viernes 2 y Sábado 3, 20.30 h.
Domingo 4, 19.00 h.
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BONOS Y DESCUENTOS
CARNÉ UNIVERSITARIO / CARNÉ JOVEN
Presentando el carné de estudiante universitario
(comunidad europea) o el carné joven euro26
junto con el D.N.I., se beneficia de un descuento
de aproximadamente el 30% sobre la tarifa inicial,
en los espectáculos sujetos a descuentos.
Tanto a la hora de adquirir localidades como
para acceder a la sala, deberá presentar dichos
documentos.
Menores de 14 años
Presentando el D.N.I. o libro de familia de los
más jóvenes de la casa, estos automáticamente
son beneficiarios de un descuento del 30%
aproximadamente sobre la tarifa inicial, en los
espectáculos sujetos a descuentos.
Condiciones de los bonos
· Tanto a la hora de adquirir localidades como para acceder a la sala, deberá presentar el D.N.I. y documento acreditativo.
· Tienen carácter personal e intransferible y de vigencia anual (excepto bono senior de vigencia permanente).
· Los descuentos sólo serán aplicables a las compras realizadas por taquilla.
· Los descuentos no son acumulables.
Discapacitados en silla de ruedas
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento equivalente
al precio del 2º anfiteatro en todos los
espectáculos.
Dispondrán de los espacios habilitados para ello
en el patio de butacas.
Deberán presentarse en el teatro 30 minutos
antes del comienzo del espectáculo para una
correcta ubicación.
Precios de grupos
Existen descuentos especiales para grupos
concertados a partir de 14 personas. Consultar
en taquilla.
BONO 10
Por la adquisición de
un mínimo de tres
espectáculos diferentes
se beneficiará de un
descuento del 10%
aproximadamente sobre
la tarifa inicial, sólo en
los espectáculos sujetos
a descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá
adquirir localidades
con el mismo tipo de
descuento a lo largo de
la temporada vigente.
El Bono 10 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos.
BONO 20
Por la adquisición de
un mínimo de cinco
espectáculos diferentes
se beneficiará de un
descuento del 20%
aproximadamente
sobre la tarifa inicial,
sólo en los espectáculos
sujetos a descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá
adquirir localidades
con el mismo tipo de
descuento a lo largo de
la temporada vigente.
El Bono 20 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos.
BONO 30
Por la adquisición de
un mínimo de ocho
espectáculos diferentes
se beneficiará de un
descuento del 30%
aproximadamente
sobre la tarifa inicial,
sólo en los espectáculos
sujetos a descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá
adquirir localidades
con el mismo tipo de
descuento a lo largo de
la temporada vigente.
El Bono 30 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos.
BONO 50
Por la adquisición de un
mínimo de un espectáculo,
acreditando que es
jubilado y con ingresos
inferiores al salario
mínimo interprofesional
(540,90€, fotocopia de:
D.N.I. y acreditación
correspondiente) se
beneficiará de un descuento
del 50% aproximadamente
sobre la tarifa inicial, sólo en
los espectáculos sujetos a
descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá adquirir
localidades con el mismo
tipo de descuento a lo largo
de la temporada vigente.
El Bono 50 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros bonos
ni descuentos.
BONO SENIOR
Por la adquisición
de un mínimo de
un espectáculo,
acreditando que es
pensionista mayor
de 65 o jubilado se
beneficiará de un
descuento del 30%
aproximadamente
sobre la tarifa
inicial, sólo en los
espectáculos sujetos a
descuentos.
El Bono Senior
es personal e
intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos
y de vigencia
permanente.
Tanto a la hora de adquirir localidades como para
acceder a la sala, deberá presentar uno de los
dos documentos.
Desempleados
Presentando la tarjeta de desempleo
vigente junto con el D.N.I., se beneficia de un
descuento de aproximadamente del 50% sobre
la tarifa inicial, en los espectáculos sujetos a
descuento.
Sólo se podrán adquirir espectáculos cuyas
funciones coincidan en la fecha con la vigencia
de la tarjeta de desempleo.
Tanto a la hora de adquirir localidades como
para acceder a la sala, deberá presentar dichos
documentos.
Otros descuentos
Condiciones GENERALES
· Las entradas no podrán ser cambiadas ni reembolsadas.
· No se harán reservas de entradas si no es para grupos.
· Una hora antes de cada función no habrá venta anticipada.
· Los descuentos sólo serán aplicables a las compras realizadas en taquilla. En ningún caso después de haber sido emitida la entrada.
· Los descuentos no son acumulables.
· Si una vez comenzada la función ésta es cancelada por causas ajenas al teatro, no será posible el reembolso del importe de la entrada.
· La cancelación del espectáculo será la única causa admisible para la devolución del importe de las mismas.
· El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a descuentos.
· Los discapacitados en sillas de ruedas deberán presentarse en el teatro 30 minutos antes del comienzo del espectáculo para una correcta ubicación.
· Las entradas compradas por internet o venta telefónica se recogerán en los cajeros expendedores de entradas situados en el patio del cuyás
o cualquier otro punto de recogida (consultar con la Caja de Canarias).
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