Nº37
Marzo - Abril 2009
Presidente del Cabildo de Gran Canaria
José Miguel Pérez García
Consejera de Cultura y Patrimonio
Histórico y Cultural
Luz Caballero Rodríguez
Presidente de la Fundación Canaria
Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
Roberto Moreno García
Coordinadora de Artes Escénicas
Rosa Férez
Gerente
José Ramón Risueño
Director Artístico
Gonzalo Ubani
Jefe de Redacción
José Jiménez Almeida
Coordinadora de La Luna
Pilar Martínez Rivas
Fotografía
Productores de espectáculos
y Archivo del Teatro
Depósito Legal G.C.880-2001
Dirección de Arte y Maquetación
Maldito Rodríguez
Imprenta
San Nicolás
Taller postal / Envío suscriptores
Vía Directa Marketing
SUMARIO
TEMPORADA
2008/2009
04
GRAN CANARIA, ESCENARIO MAX
Todos los secretos para seguir la gala de
entrega de los Premios MAX que se celebrará
el 30 de marzo en el Teatro Cuyás.
06
ENTREVISTA
Óscar Millares nos cuenta la importancia
que los MAX tienen para el Teatro Cuyás.
08
TODOS LOS FINALISTAS DE LOS
PREMIOS MAX
El Cuyás, un escenario MAX.
10
DOS MENOS
José Sacristán y Héctor Alterio plantan
cara a la muerte en un montaje que ha
arrasado en Buenos Aires y Madrid.
12
SOMBREROS
Philippe Decouflé hace un viaje onírico por
México con una fábula de danza contemporánea
que rinde homenaje al cine.
16
¿ESTÁS AHÍ?
Todo el histrionismo de Paco León en una
historia de pareja y fantasma.
18
DESORDANCES3
El coreógrafo argentino Dani Pannullo une
a derviches sufíes y bailarines urbanos de
break dance en una lección magistral de
fusión cultural.
22
NOVIEMBRE
Una comedia ácida y gamberra sobre la
ambición y el poder con texto de David Mamet
e interpretación de Santiago Ramos.
26
SEVILLA
La bailaora María Pagés nos invita a un
paseo musical intenso y evocador por las
calles y jardines de la capital de Andalucía.
30
PRECIOS
31
BONOS Y DESCUENTOS
Una de las imágenes del inclasificable espectáculo Sombreros. Foto: Olivier Simola
LOS PREMIOS
MAX
EL OSCURO OBJETO DEL DESEO
UN INSTRUMENTO PARA LOGRAR LA
MÁXIMA DIFUSIÓN POSIBLE DE LOS
PROFESIONALES DE LAS ARTES
ESCÉNICAS
SALUDA DE LA CONSEJERA DE
CULTURA Y PATRIMONIO HISTÓRICO
Y CULTURAL
Los Premios Max nacen con el propósito de estimular y premiar el
talento de los artistas y profesionales de las artes escénicas de nuestro
país. Siguiendo el modelo de los galardones Molière en Francia, los
Olivier en Gran Bretaña o los Tonys de Broadway. Sus creadores son
la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor. A
estos premios concurren todos los espectáculos estrenados o reestrenados
en la temporada anterior, junto a sus autores, traductores,
adaptadores, compositores, directores, coreógrafos, escenógrafos,
figurinistas, productores, actores e intérpretes de danza que hayan
formado parte en los mismos. Los ganadores son elegidos mediante
el voto de sus compañeros de profesión.
Los objetivos que persiguen los Premios Max de las Artes Escénicas
son, por una parte, reconocer el trabajo realizado por los profesionales
de las Artes Escénicas, (creadores, intérpretes y productores), y
por otro, siendo unos premios de prestigio, su finalidad es convertirse
en un referente para los espectáculos, y servir de estímulo para las
trayectorias de los profesionales y la vitalidad de las producciones.
En este sentido, se busca, a través de los galardones, alcanzar la máxima
difusión entre el público en general para lograr la promoción de
las artes escénicas y lograr una máxima implicación de la sociedad
a partir de la estrecha colaboración de los propios profesionales del
sector, junto con los principales agentes culturales, públicos y privados.
El poeta y artista plástico Joan Brossa es el creador del trofeo Max
de las Artes Escénicas. La escultura viene a simbolizar una metáfora
del teatro. La manzana redonda y plateada, del tamaño de un puño y
con un antifaz dorado simboliza el teatro porque según palabras de
su creador parece una cabeza y al mismo tiempo una manzana, un
fruto pecaminoso y frívolo; el antifaz aporta la dimensión dramática y
el misterio escénico.
Joan Brossa nació en Barcelona en 1919 y murió en la ciudad condal
en 1999. Fue uno de los impulsores del grupo plástico poético catalán
Dau al Set, uno de los colectivos renovadores del arte español de
posguerra. En su trayectoria artística el lenguaje escrito y el lenguaje
visual se combinan en busca de nuevos significados. En su obra se
desarrollan de forma paralela tres códigos: el poético, el dramático
y el plástico.
En 1941 conoció a Joan Miró con quien estableció una larga amistad.
Cinco años después conoció a Joan Ponç y Antoni Tàpies, con quienes
fundó la revista Dau al Set. Durante los años cincuenta, Brossa se
dedicó a la poesía escénica, y con sus Accions trató de encontrar una
cuarta dimensión a sus poemas visuales; expuso un poema-objeto en
el escaparate de una sastrería del Paseo de Gracia de Barcelona.
La etapa más claramente plástica de su trabajo comenzó a mediados
de los años setenta. Fue cuando aparecieron los poemas transitables,
objetos escultóricos cuya temática proviene de la poesía visual y cuyo
significado sólo se completa con la participación activa del espectador.
El próximo 30 de marzo, el Teatro Cuyás se convertirá en el centro
indiscutible de las Artes Escénicas de todo el territorio nacional. Ese
lunes, día tradicional de descanso para todos los profesionales que
hacen posible la magia del teatro, el musical y la danza, estarán en
Gran Canaria los que, a juicio de sus propios compañeros de profesión
han sido considerados los mejores en cada una de las disciplinas
que integran el hecho escénico. Esa noche compartirán en el Teatro
Cuyás un año de duro trabajo, ilusiones y esperanzas. La celebración
en nuestra isla de la XII Edición de los Premios MAX viene a culminar
una temporada intensa que se cierra con el reconocimiento de la
propia profesión al trabajo de sus compañeros.
La elección del Teatro Cuyás como sede de esta fiesta de la escena no
es casual ni tampoco un capricho. Es, simplemente, la constatación
del estatus que nuestro teatro, el teatro de todos los grancanarios y
grancanarias, ha alcanzado como uno de los recintos escénicos más
importantes de España. Un escenario que, además, cumple su décima
temporada de andadura con líneas claras que lo han llevado a
estar entre los 10 mejores teatros nacionales.
Han sido diez años bajo diferentes administraciones; con distintos
directores; con un equipo de trabajadoras y trabajadores que ha puesto
todo su esfuerzo para que el Cuyás sea grande. Un trabajo de diez
años que siempre ha tenido como guía el convencimiento de que la
isla de Gran Canaria merece una programación escénica de calidad
que rivalice en igualdad de condiciones con la de los grandes coliseos
españoles a pesar de las dificultades que plantean la lejanía e insularidad.
No hay más que echar un vistazo a la nómina de candidatos
que se sentarán en el patio de butacas de nuestro Cuyás para darse
cuenta de la calidad de la programación de la que disfruta el público
grancanario. Los grandes nombres de la escena que compiten por la
preciada manzana ya pasaron antes por las tablas de Viera y Clavijo
con los montajes que aspiran a llevarse los premios más importantes.
Una calidad, en definitiva, que ha sido posible mantener gracias a un
público fiel y entendido que ha hecho del Cuyás su casa.
En este recorrido, el teatro realizado en Canarias no ha estado ausente.
El teatro Cuyás, en su programación, establece una constante
referencia a la calidad; un punto de contacto con los grandes nombres
de la escena y con los valores de la profesión. Pero también se
ha involucrado de manera decidida con el desarrollo de la actividad
escénica insular mediante la exhibición y coproducción de montajes
realizados en Canarias que, sin duda alguna, han contribuido a la
evolución de las compañías y productoras de las islas.
Y ahora llega el momento de celebrarlo. Y la XII Edición de los Premios
MAX es una buena forma de hacerlo. Las grandes ciudades de
España esperan cada año ser sede de esta fiesta de las Artes Escénicas
y esta vez, coincidiendo con el décimo aniversario del Cuyás, le toca
turno a Gran Canaria. Con todos los ojos de la cultura posados en la
isla, será un buen momento para demostrar que la sociedad grancanaria
es protagonista de una intensa actividad cultural y que nuestra
isla, más allá de sus encantos naturales y su envidiable clima, es uno
de los centros de Cultura más importantes de España.
Luz Caballero Rodríguez
Consejera de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural del Cabildo
de Gran Canaria
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Foto: Ángel Medina
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ÓSCAR
MILLARES
EL VALOR DE QUIENES HACEN POSIBLE
LA DANZA Y EL TEATRO
Óscar Millares vivirá de manera especial esta XII edición de los Premios
Max. Este grancanario afincado en Madrid no sólo lleva sobre
sus hombros la responsabilidad de ser el coordinador del área de Artes
Escénicas de la Sociedad General de Autores (SGAE), sino que
como canario y ex director del Teatro Cuyás tiene un gran orgullo
cuando recuerda que la principal fiesta del teatro español va a tener
por escenario un espacio muy querido no sólo por lo que significa para
la isla de Gran Canaria sino por lo que significó la lucha social que
consolidó al Cuyás como un centro para la cultura frente a otros proyectos
que sólo veían el valor inmobiliario de la parcela. Es por ello que
celebrar los Max en el Cuyás sea algo muy especial para él.
Porque los Max no son moco de pavo. La crítica internacional especializada
en Artes Escénicas cuando trata de galardones, reconoce que
los Premios Max de las Artes Escénicas son los homólogos en España
de los Moliére en Francia, los Oliver en Gran Bretaña o los Tony en
EEUU y, es obvio constatar que si se habla de ello fuera de nuestras
fronteras es debido a que la aportación del teatro y la danza que se ha
realizado y realiza desde el estado español es importante para la cultura
de la comunidad mundial, señala Millares.
Más de 300 espectáculos han optado a los premios y es la profesión,
con sus votos, la que decide quiénes son los mejores de cada temporada
en las 23 categorías. Esta gala no sólo sirve para premiar ese
esfuerzo, sino para promocionar el hecho escénico en sí, comenta
Millares. Cualquier actuación dirigida a informar, potenciar y promocionar
el teatro y la danza de nuestro país es bueno para la salud
de nuestra cultura reconocida internacionalmente y, a su vez, ayuda
a consolidar un público más activo y crítico. Para los que piensen que
los Premios Max empiezan y acaban con una gala cada año en la cual
se entregan unos trofeos con forma de manzana – diseñada por el ya
desaparecido Joan Brossa - a los ganadores, les puedo afirmar que no
es sólo eso. Detrás de esta noche de glamour y flashes de prensa hay
años de trabajo y, lo que es más importante, el reconocimiento de
todos los profesionales que forman parte de este mundo. Éstos son
unos premios totalmente democráticos, recuerda el responsable de Artes
Escénicas de la Sociedad General de Autores y Editores.
Para que todo esto sea posible, funciona permanentemente desde la
Fundación Autor de la SGAE, entidad fundadora y organizadora de
los Premios Max de las Artes Escénicas, un equipo humano preparado
para ejecutar todo el protocolo de actuación y ordenamiento
democrático de estos galardones que se sostiene y garantiza a través
de un reglamento aplicado bajo la tutela de su máximo órgano, el
Comité Organizador de los Premios Max, compuesto por dramaturgos,
coreógrafos y compositores escénicos, todos ellos consejeros de
la SGAE, el Presidente del Consejo de Dirección de la SGAE, y finalmente,
Presidente, Secretario General y responsable de Artes Escénicas
de la Fundación Autor. Clave es, también, la colaboración de las
entidades y asociaciones que tienen que ver con el mundo de la danza
y el teatro en todo este proceso donde la web, www.premiosmax.com,
que contiene todo lo relacionado con el pasado y presente de los Max,
entre otras cosas, desde hace tres ediciones es la herramienta por la
que se realizan las votaciones a través de nuestro Censo Electoral de
profesionales acreditados.
Para Gran Canaria, pues, ésta es una gran ocasión para mostrar al
resto de España el nivel que, gracias al Teatro Cuyás, ha alcanzado el
universo de las Artes Escénicas en la isla. El Teatro Cuyás es un referente
mucho más que simbólico para la ciudad de Las Palmas de Gran
Canaria, insiste Millares, quien señala que más allá de lo que significó
que el mundo de la cultura luchara para que el espacio quedara como
un lugar destinado a las artes, el coliseo de la calle Viera y Clavijo se
ha consolidado entre los más grandes porque cuenta con una programación
de calidad apabullante.
Y llegará el 30 de marzo y Las Palmas de Gran Canaria se colocará
en el universo Max con un Cuyás que inscribirá su nombre junto a
otros mitos de la escena española como el Lope de Vega de Madrid,
el Arriaga de Bilbao o La Maestranza, en Sevilla. Entonces, señala el
que fuera director del primer recinto escénico de Canarias en su primera
etapa, sonarán en su mente las palabras del mito que tuvo la deferencia
de reinaugurarlo como centro de sueños, tramas, venganzas
líricas, canciones y piruetas de bailarines virtuosos. Yo me acordaré
del gran Paco Rabal, que a pecho descubierto y sin más escenario que
su voz y su presencia inició una andadura que ya va por los diez años.
Foto: Ignacio Evangelista
Foto: Ignacio Evangelista
LISTADO DE CANDIDATOS
A LOS PREMIOS MAX
Mejor Espectáculo de Teatro:
1. 2666 - Teatre Lliure, Grec´08, Teatro
Cuyás/Cabildo de Gran Canaria.
2. Argelino, servidor de dos amos - Teatro de
la Abadía y Animalario.
3. Barroco - Teatro Fernán Gómez-Centro
de Arte.
Mejor Espectáculo de Teatro Musical:
1. Boscos Endins - Dagoll Dagom.
2. Cabaret Líquido - Lavi e Bel.
3. Spamalot - Filmax Stage & Events,
Stromboli.
Mejor Espectáculo de Danza:
1. Carmen - Compañía Antonio Gades -
Fundación Antonio Gades.
2. De Cabeza - Teresa Nieto en Compañía.
3. Sirena a la plancha - Sol Picó Cía. de
Danza.
Mejor Autor Teatral en Castellano:
1. Alfredo Sanzol - Sí, pero no lo soy.
2. Jordi Galcerán – Carnaval.
3. José Sanchís Sinisterra - El Cerco de
Leningrado.
4. Juan Mayorga - La Tortuga de Darwin.
Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano:
1. Carol López – Germanes.
2. Lluisa Cunillé - Après moi, le déluge (Después
de mi, el diluvio).
3. Sergi Belbel - A la Toscana.
Mejor Autor Teatral en Euskera:
1. Aizpea Goenaga Mendiola - Ezker Eskuma.
2. Joseba Sarrionandia (Poemas), Mireia
Gabilondo (Espectáculo) - Hnuy illa.
3. Raúl Cancelo, Izpiñe Soto, Argia Gardeazábal,
Pío Ortiz, Julen Gabiria – Superplas.
Mejor Autor Teatral en Gallego:
1. Cándido Pazó - E ti quen vés sendo?
2. Eduardo Alonso - Extrarradios (Comedia
Das Mulleres Desamparadas).
3. José Luis Prieto Roca - O ridículo desamor
dun home máis ou menos normal.
Mejor Adaptación de Obra Teatral:
1. Alberto San Juan - Argelino, servidor de
dos amos.
2. Calixto Bieito, Marc Rosich - Tirant lo
Blanc.
3. Esteve Riambau, José María Pou - Su
seguro servidor Orson Welles.
Mejor Composición Musical para Espectáculo
Escénico:
1. Albert Guinovart - A la Toscana.
2. Álex Polls – Espectres.
3. Carles Santos – Tirant lo Blanc.
4. Orestes Gas - Las Troyanas.
Mejor Coreografía:
1. Anna Brianso - Boscos Endins.
2. Leo Quintana - Cómeme el coco, negro.
3. Teresa Nieto, Jesús Caramés, Daniel
Doña, Manuel Liñán, Olga Pericet, Vanessa
Medina - De Cabeza.
4. Teresa Nieto - La verdadera Historia de
los Hermanos Marx.
Mejor Director de Escena:
1. Àlex Rigola – 2666.
2. Alfredo Sanzol - Sí, pero no lo soy.
3. Andrés Lima - Argelino, servidor de dos
amos.
4. Carol López - Germanes.
Mejor Director Musical:
1. Carles Santos - Tirant lo Blanc.
2. Joan Vives - Boscos Endins.
3. Manu Guix - Grease, El musical de tu
vida.
Mejor Escenografía:
1. Alejandro Andújar - Sí, pero no lo soy.
2. Bibiana Puigdefabregas – Germanes.
3. Max Glaenzel, Estel Cristia – 2666.
Mejor Figurinista:
1. Angelina Adlagic – Barroco.
2. Mercé Paloma - Tirant lo Blanc.
3. Montse Amenós - El Llibertí.
Mejor Diseño de Iluminación:
1. Baltasar Patiño - Sí, pero no lo soy.
2. Juan Gómez Cornejo – Barroco.
3. Xavi Clot - Tirant lo Blanc.
Mejor Actriz Protagonista:
1. Blanca Portillo – Barroco.
2. Carmen Machi - La Tortuga de Darwin.
3. Vicky Peña - Après moi, le déluge (Después
de mi, el diluvio).
Mejor Actor Protagonista:
1. Alfredo Alcón - Rey Lear.
2. Asier Etxeandía - Barroco.
3. Javier Gutiérrez - Argelino, servidor de
dos amos.
Mejor Actriz de Reparto:
1. Noelia Noto – Carnaval.
2. Roser Camí - Tirant lo Blanc.
3. Victoria Pagés - Tirant lo Blanc.
Mejor Actor de Reparto:
1. Lluis Villanueva - Tirant lo Blanc.
2. Paul Berrondo – Germanes.
3. Ramón Pujol – Espectres.
Mejor Intérprete Femenina de Danza:
1. Aída Gómez - Permíteme bailarte.
2. Teresa Nieto - De Cabeza.
3. Vanessa Medina - De Cabeza.
Mejor Intérprete Masculino de Danza:
1. Damián Muñoz – Staff.
2. Jesús Caramés - De Cabeza.
3. Manuel Liñán - De Cabeza.
Mejor Espectáculo Infantil:
1. El somni d´una nit d´estiu”- María Agustina
Solé - Compañía La Trepa.
2. La vida de un piojo llamado Matías - El
Espejo Negro.
3. Piedra a piedra - El Teatre de L´Home
Dibuixat.
Mejor Empresario o Productor Privado de
Artes Escénicas:
1. Animalario - Argelino, servidor de dos
amos.
2. Focus - Enfermo Imaginario; Carnaval.
3. La Cubana - Cómeme el coco, negro.
Candidata Canaria al Mejor Espectáculo
Revelación:
Canarias, de Delirium Teatro
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TEATRO CUYÁS
MUCHO MÁS QUE ESCENARIO MAX
La celebración de la gala de entrega de los Premios Max en el Teatro
Cuyás de Las Palmas de Gran Canaria será, sin duda alguna, el acontecimiento
social y cultural más importante del año en Canarias. El
patio de butacas del recinto de la calle Viera y Clavijo se convertirá,
por un día, en el epicentro de la actividad escénica española culminando
así una de las más exitosas temporadas de un centro que se
confirma como el gran teatro del Archipiélago. El Cuyás no sólo será,
esa noche del 30 de marzo, escenario Max, sino serio candidato a llevarse
la manzana al mejor montaje del año gracias a la participación
del recinto gestionado por la Consejería de Cultura y Patrimonio
Histórico y Cultural del Cabildo de Gran Canaria en la producción
de la obra 2666 (y todos dicen que con muchas posibilidades de llevarse
la manzana a la boca).
La calidad de un escenario se mide por la enjundia de los espectáculos
que se representan sobre sus tablas. Los Max son el mejor espejo
para ver qué es lo que se está haciendo en España. La profesión es
la que otorga o quita y se puede decir, sin temor a equívoco, que los
finalistas son representantes de lo mejor de lo mucho y bueno que se
hace en todos los rincones del país. Y no hay más que echar un vistazo
a la lista de finalistas para darse cuenta de que una buena parte
de ellos han sido parte de la programación del teatro de la capital
grancanaria.
Por las tablas del Cuyás desfilaron Carmen Machi con La Tortuga de
Darwin o Blanca Portillo y su espectacular Barroco (también candidato
a Mejor Montaje), que optan a ser las mejores actrices del año. Y
en el lado masculino hay que señalar que el compañero de la Portillo
fue un espectacular Asier Etxeandía. Otro montaje que pasó por el
Cuyás fue De Cabeza que opta a ser el mejor espectáculo de Teatro
Musical y que puede encumbrar a Teresa Nieto y Vanessa Medina
como mejores bailarinas y a su grupo coreográfico como los mejores
del año. Pero es que en esta última categoría también compite y repite
Teresa Nieto por La verdadera Historia de los Hermanos Marx, que
también tuvo su hueco sobre la escena grancanaria.
Aquel Cerco de Leningrado, de 2RC producciones cuenta con José
Sanchís Sinisterra como posible mejor autor teatral en castellano y
otros dos bailarines de De Cabeza (Jesús Caramés y Manuel Liñán)
pueden coronarse como los mejores en el lugar donde actuaron hace
apenas unos meses. También Manu Guix, como director de Grease,
el musical de tu vida, volverá a Gran Canaria para soñar con una
manzana que también toca de lleno a la Sala Insular de Teatro, que
disfrutó con esa versión golfa y casi clown de Muerte Accidental de un
Anarquista de Suripanta Teatro que opta al mejor montaje revelación
de Extremadura.
Muy pocos escenarios de España pueden presumir de haber disfrutado
de los mejores en un año de muy buen teatro. Muchas felicidades
a todos por estas diez temporadas de magnífico Teatro y enhorabuena
por todo lo que está por llegar.
2666
La Tortuga de Darwin
El Cerco de Leningrado
Grease, el musical de tu vida
De Cabeza
Dos de los mejores actores de la escena en lengua hispana y un tema
de fondo que ha inspirado alguna de las páginas más brillantes de la
literatura de la humanidad son los ingredientes de Dos Menos. Héctor
Alterio, José Sacristán y la Muerte. Casi nada. La trama es, por
sí sola, todo un caramelo teatral para dos bestias de la escena y un
reclamo ineludible para todos los amantes del teatro con mayúsculas.
En la sala de un hospital ingresan a dos hombres mayores que están
inconscientes. No se conocen de nada. A los pocos minutos de volver
en sí, el equipo médico del hospital les comunica que sus respectivas
enfermedades están en fase terminal y que les queda muy poco tiempo
de vida.
Alterio, argentino de 79 años, y Sacristán, español de 71, nunca habían
coincidido sobre un escenario. Con Dos menos lograron arrancar
en el 2008 los elogios de la crítica en Argentina. Confiamos en que
el público español responda igual. Las variantes son más o menos las
mismas. No creemos que haya mayores diferencias, comentó Alterio.
Éste es el punto de partida de Dos Menos, una obra que, además, supone
el estreno de la pareja Sacristán-Alterio como dúo teatral. Este
duelo interpretativo entre dos de los actores más notables del mundo
de habla hispana cuenta con la dirección de Óscar Martínez, que ha
sabido, según comentan las crónicas, sacar partido al magnífico texto
firmado por el dramaturgo francés Samuel Benchetrit.
Ante la noticia de un óbito próximo caben dos opciones. O conformarse
con una muerte oscura y anodina o enfrentarse a los pocos
días que aún quedan por vivir y vivirlos con entereza y valentía. La
noticia es el desencadenante de un viaje en el que se hace examen
del sentido de la existencia y se valoran los pilares de este invento de
alguien o algo que se llama humanidad; amor, amistad, paternidad,
sentimientos. Los dos protagonistas hacen un examen exhaustivo a
sus vidas obligando al espectador a reflexionar sobre si, de verdad,
está sacando provecho a estos días que la providencia nos regala. Una
obra de muerte se convierte, así, en todo un canto a la vida.
Es un salto al vacío el que realiza el autor, pues su punto de partida
es la muerte y desde ahí, aborda el texto jugando con esa idea hasta
convertirla en una comedia dramática, divertida y a la vez conmovedora,
apunta Óscar Martínez, actor y dramaturgo argentino encargado
de la dirección del montaje que, durante un año, ha arrasado en los
escenarios argentinos. Alterio y Sacristán encarnan a dos personas
mayores que despiertan en una sala de un hospital para ser informados
de que les queda muy poco tiempo de vida. Pronto inician su
fuga que, tal y como ha indicado Martínez, es más un viaje interior,
un regreso a los sentimientos más preciados del ser humano como el
amor, la amistad, la paternidad así como al miedo a la soledad, a la
vida y a la muerte.
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DOS MENOS
LAS AMBIGÜEDADES DE LA MUERTE
Un trío con muchas posibilidades: Héctor Alterio,
José Sacristán y la muerte.
José Sacristán y Héctor Alterio tratan desde hace más de 200 funciones
(más de un año ininterrumpido de representaciones) con esa
extraña compañera de viajes que, según el actor español, es la muerte.
Cada uno cuenta con décadas de experiencia en el cine, la televisión
y el teatro y aunque han coincidido en multitud de ocasiones en la
pantalla, ahora inauguran su lista de colaboraciones sobre las tablas.
En esta exploración de la proximidad de lo finito, sin embargo, lo que
trasluce es la vigorosidad de la vida. Dos menos, según ha comentado
Alterio, es una muestra palpable de que la vida es algo importante
cuando uno se da cuenta de que se va.
La dimensión trágica de Dos menos queda patente desde las primeras
letras del texto; el médico entra en escena y ante la valentía de uno
de los protagonistas anuncia con poco tacto: Le queda a usted una
semana de vida. Estamos ante dos seres humanos que se enfrentan
a la muerte certera en pocas semanas, pero, aún así, destaca Alterio
la obra está muy bien, muy divertida, nada convencional en su tratamiento;
la pasamos muy bien mientras trabajamos, porque pese al
trasfondo de la situación, señala el veterano actor argentino, la obra
habla más de la vida que de la muerte. El montaje dirigido por Óscar
Martínez tiene, pese al peso inconfundible de la tragedia que se
desencadenará, un halo de comedia que hace la situación soportable:
Es muy interesante la mirada de esta obra, el enfoque puesto sobre una
historia de dos sujetos que van a morirse y sin embargo, confiamos que
lo que se va a provocar en la platea es un montón de risas, señaló José
Sacristán a la prensa argentina antes del estreno mundial de la obra.
La muerte se puede tratar con humor afortunadamente, afirmó Sacristán.
Es un ejercicio, el de reírnos, que hay que desarrollar al máximo,
sin faltar al respeto a nadie y sin ser provocador ni obsceno con la
muerte, la enfermedad y el dolor.
Es un viaje definitivo para los dos personajes, pero más allá de lo que
significa la muerte, los dos se encaminan a un viaje interior que es
mucho más importante que esa misma muerte, señala Alterio quien, a
pesar de lo truculento de la trama, señala que esta obra que arrasó en
Buenos Aires y en Madrid es muy optimista. Es una comedia dramática
cuyo alcance depende de la perceptibilidad del espectador, comenta
el veterano actor argentino. Es una irreverencia ante un estado terminal.
Uno tiende a hacer una tesis de este tema y el autor ha optado por
enfrentarse al tema a través del humor. Pero un humor tremendamente
respetuoso, señala Alterio cuando habla de la forma de afrontar el
tema del autor.
Y ternura, que es el otro gran pilar que une a dos pobres diablos, señala
Sacristán. La función da para que el espectador saque sus propias
conclusiones y por eso acometemos este viaje divertido hacia el interior
de nosotros mismos, añade. Un viaje que afronta que esto de la vida
siempre acaba de la misma manera. El humor es la mejor terapia para
todo y por eso tenemos esa capacidad para reírnos de nosotros mismos,
comentó en una entrevista realizada en una radio nacional.
“La vida es algo importante cuando uno se
da cuenta de que se va”
CONFESIONES DE
DOS CONDENADOS
Foto: Jean Pierre Ledos
Foto: Jean Pierre Ledos
El coreógrafo francés Philippe Decouflé trae hasta el Cuyás su
nuevo espectáculo de danza contemporánea Sombreros, un montaje
que, según ha explicado el propio Decouflé es un homenaje al
cine, un arte que el bailarín galo ha catalogado como Teatro Óptico.
Este espectáculo, que ha recorrido escenarios de París, Nueva
York, Berlín, Londres o Madrid, parte de la formación del propio
coreógrafo como mimo y su atracción por el mundo de la producción
audiovisual. Se trata, en palabras del creador, de un montaje
híbrido en el que los bailarines, provistos de cámaras, crean un
espectáculo paralelo al que los espectadores pueden ver sobre el
escenario. Sombreros es uno de los puntos culminantes de la temporada
08/09 del primer recinto escénico de Canarias, un lujo que
apuntala al Teatro de la calle Viera y Clavijo como el mejor escenario
de las islas y un espacio de danza de primer nivel. Será,
pues, una oportunidad única para disfrutar de las evoluciones de
la compañía DCA en Gran Canaria.
Sombreros es un juego de palabras ya que a parte de su significado
en español alude al término galo de héroe sombrío; sobre el escenario
se bailará, se creará y se leerán textos del escritor francés
Claude Ponti, un literato especializado en libros infantiles que da
al montaje, asegura Decouflé una dimensión ingenua, abierta y
sensible. La obra se estrenó en París en 2006, pero a lo largo de
este tiempo, el coreógrafo galo ha logrado pulir el espectáculo e
integrar nuevos elementos que han convertido a Sombreros en una
obra madura y consistente. La trama de este homenaje a las salas
cinematográficas parte del viaje de una pareja a México. Un elenco
de 11 integrantes son los encargados de dar vida a los movimientos
y sonidos ideados por una de las mentes privilegiadas de la
danza de los últimos años.
La música, de gran trascendencia en los trabajos de la compañía,
es creación de Brian Eno, a quien Decouflé conoció con motivo de
un encargo fallido para el Mundial que se celebró en Alemania en
2006 y que supuso la composición de abundante material sonoro
y coreográfico que ha sido la base de este Sombreros que se mueve
entre el cine y la danza contemporánea. Junto a la aportación de
Eno, el espectáculo cuenta además con fragmentos de Satie o Debussy,
entre otros compositores.
Una de las obsesiones del coreógrafo francés es intentar generar
material para los sueños, para escapar de lo cotidiano. Sus espectáculos,
todos muy visuales, se fundamentan en universos lúdicos y
fantasmagóricos que pretenden estar llenos de poesía al tiempo que
provocar felicidad y satisfacción, entretenimiento de calidad para
todos los públicos, ha manifestado con motivo de la presentación
de este espectáculo en tierras españolas. En este sentido, Decouflé
explicó que sus trabajos están inmersos en un proceso cambiante
y renovado que busca agradar al espectador y que le lleva a modificar
aquello que pudiera no ser completamente satisfactorio para
el público. Es como una alquimia entre los deseos de uno y otros y
los del público. Prácticamente son espectáculos a la carta, aseguró.
En su opinión, el problema de la danza contemporánea es que
el público está necesitado de comprender. Lo que yo quiero dar
a entender es que no hay nada que comprender. Sólo deseo que la
mirada sea totalmente libre, agregó. En opinión del director el resultado
es un espectáculo muy bonito, trabajado, gráfico, visual y
geográfico que hace reír al público. Sobre el escenario se mueven 7
bailarines, 2 actores y 2 músicos que han logrado traducir a emociones
todo el talento de Decouflé. Según la crítica gala, el coreógrafo
y su compañía han logrado el espectáculo total.
_12 13_
SOMBREROS
UN HOMENAJE AL ‘TEATRO ÓPTICO’
Un viaje onírico por México se convierte en
un buen pretexto para homenajear el universo
del cine.
Foto: Agathe Poupeney
Un espectáculo para mentes abiertas.
Se supone que yo debo alimentar al público pero es cierto que la relación
es más bien de intercambio. El público no debería esperar nada en
particular, simplemente acudir con la mente, la vista y el oído abiertos.
Es así de sencillo. No hago espectáculos para que el público deba preguntarse
cómo los debería entender, qué lección sacar de ellos. Que no
dude en relajarse, en reírse, o en llorar. Estamos aquí para disfrutar.
Creo que básicamente soy un saltimbanqui. No existe ningún mensaje
especial, salvo que tenemos la mente muy abierta. Espero que cuando el
público salga del teatro se lleve consigo un poco de la alegría y la poesía
que pretendemos comunicarle.
Belleza e improvisación.
Sombreros es la historia de François y Françoise y de su viaje a México,
que sirve como pretexto para mostrarnos una serie de frescos llenos
de poesía y de humor con un toque absurdo. Un viaje al mundo de
fantasía de Decouflé, plagado de proyecciones visuales de gran belleza,
que nos permiten ver cómo los bailarines se multiplican, en varios
planos, sobre el escenario. Las referencias al cine son constantes en este
espectáculo de danza que evoluciona día tras día gracias a su punto de
improvisación.
Imágenes extremas.
La magia de Sombreros parte de mi fascinación por las primeras y
últimas horas del día. Son momentos en los que las luces juegan con las
sombras, que se alargan y se convierten en imágenes irreales y de gran
belleza. Este espectáculo juega con ese concepto ofreciendo un marco
para el sueño. Es un juego onírico en el que entra el espectador.
SOMBREROS.
MANUAL DE
USO Y DISFRUTE
15_
Su nombre es uno de los más importantes de la danza contemporánea
internacional y la cima de esta disciplina escénica en Francia.
Sus montajes han recorrido los mejores escenarios del mundo y las
grandes cabeceras del periodismo mundial han publicado críticas
que alaban sus creaciones a lo largo y ancho de esta tierra nuestra.
Hablar de Philippe Decouflé es hablar de Danza. Sí, Danza que se
salta una de las más fundamentales reglas de la ortografía, porque
cuando se habla de los espectáculos de este insigne de las tablas hay
que emplear las mayúsculas aunque el sentido de la gramática diga lo
contrario. Pero la intrahistoria de este genio del movimiento guarda
uno de los secretos más tiernos de esta profesión de los escenarios,
porque, en su más tierna infancia, Decouflé soñaba con las luces y el
público, pero de una manera muy alejada a lo que, al final, ha llegado
a ser. El pequeño Philippe, en aquel París de agitación e ilusiones de
la década de los 60, quería ser payaso.
Con esta intención se alistó en la Escuela Nacional de Circo y se puso
bajo la tutela de uno de los grandes mitos del arte de la mímica: Marcel
Marceau. Pero el joven Decouflé fue despuntando en otra de las
disciplinas del mundo del espectáculo. Sus profesores vieron en él
una joya en bruto del baile y lo pusieron en contacto con el bailarín
Alwin Nikolaïs quien lo reclutó para su compañía cuando Philippe
contaba con 18 años. Para perfeccionar su talento innato para la
danza estudió a las órdenes del maestro neoyorquino Merce Cunningham
y se integró en los cuerpos coreográficos de varias compañías
estadounidenses. Fue el comienzo de una carrera fructífera que
se ha asentado a base de premios y éxitos que han culminado con
este sublime Sombreros que llega al escenario del Teatro Cuyás de Las
Palmas de Gran Canaria.
La carrera de Decouflé fue asentándose hasta eclosionar en la década
de los 80. En 1983 ganó el primer premio en el Concours de Bagnolet
con Vague Café, así como el premio del Ministerio de Cultura. El 2
de septiembre del mismo año fundó su propia compañía, la DCA
(Diversité, Camaraderie, Agilité). A partir de entonces, se consolidó
como uno de los grandes de la danza contemporánea francesa con hitos
de amplia resonancia internacional tales como el desfile del bicentenario
de la Revolución Francesa (1989) o la ceremonia inaugural de
los Juegos Olímpicos de Invierno de Albertville de 1992. En 1995 se
instaló definitivamente en Francia aprovechando el abandono de una
vieja fábrica del barrio parisiense de Saint Denis; en la actualidad, Le
Chaufferie es uno de los centros de danza más activos de Europa.
En el curso de sus producciones, Decouflé hace nacer mundos improbables,
poblados de personajes poéticos, de cuerpos elásticos,
acróbatas, etc. Este universo mágico, sin límites, tiene su origen en
la fascinación de Decouflé por el rock, los cómics, los ballets de O.
Schlemmer y los shows de The Nicholas Brothers. De Alwin Nikolaïs
aprendió la importancia tanto de luces como de vestuario. En los
ateliers de Merce Cunningham, dedicados al trabajo de vídeo, estudió
los problemas de la distancia y la geometría, así como las reglas
de la óptica y el movimiento. Las técnicas de circo proporcionan a
sus creaciones de danza una cualidad elástica e inalcanzable que las
caracteriza con un lenguaje propio de desarticulaciones y deslizamientos
sutiles. Sus movimientos se alargan, o por el contrario, se
contienen, según el humor de una imaginación nutrida por sus dotes
de dibujante y por las ideas de sus colaboradores, como Ph. Guillotel
en el vestuario o Jean Rabasse en los decorados. Impulsado por un
deseo de placer, se opone a enfrentar una puesta en escena espectacular
con la danza contemporánea, luchando por convertir a ésta en
un arte popular.
PHILIPPE DECOUFLÉ.
EL PAYASO SUBLIME
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Foto: Agathe Poupeney
Foto: Agathe Poupeney
Una pareja de enamorados vive en carne propia las estrecheces de la
dinámica del mercado inmobiliario. Paco León y Mari Paz Sayago se
meten en la piel de Fran y Ana, una parejita al uso que encuentra un
pequeño apartamento en el que empezar una vida en común. El dramaturgo
argentino Javier Daulte hace un recorrido por las contradicciones
de la vida en pareja con un texto sorprendente que bascula entre
la comedia más disparatada y el drama más atroz con guiños más
que patentes al terror o la ciencia ficción. Éstos son los ingredientes
de ¿Estás ahí?, una obra que arrasó en Argentina y que viene al Cuyás
con la vitola de haber agotado las localidades tres meses antes de su
representación. Los afortunados que han sido previsores se van a encontrar
un diminuto apartamento en plena mudanza donde los protagonistas
conviven con un caos de cajas sin abrir y muebles vacíos
en el que parece haber algo más. Un ente invisible habita también con
ellos ese espacio estrecho y agobiante. Más que nunca, se confirma el
dicho que asegura que tres son multitud. Encargo del Festival Fronteras
02, donde se estrenó, ¿Estás ahí?, concebida originariamente
como un monólogo en inglés, viene avalada por numerosos premios
en Argentina. Entre otros, el de Mejor Espectáculo del año, el GETEA
al Mejor Director del Año, el Clarín al Mejor Espectáculo del
Circuito Off, y el ACE a la Mejor Comedia, todos ellos otorgados con
motivo del estreno en Buenos Aires de la versión que se verá en Las
Palmas de Gran Canaria.
Fran es una especie de mago, al que suceden cosas bastante paranormales,
un hombre enamorado y superado por las circunstancias,
mientras que Ana trabaja como oftalmóloga y está entusiasmada con
la idea de tener en casa a un extraño, ya que le parece una oportunidad
inmejorable para convertirse en descubridora de algo. La obra,
que ha pasado ya por ciudades como Buenos Aires, Río de Janeiro
o Barcelona (de la mano de varios directores), representa una combinación
perfecta de géneros, entre los que destacan la comedia, el
drama e incluso el terror. La obra es un género bastante indefinible,
porque es una comedia pero también es una historia de amor y una
historia de fantasmas y como un poco de terror. Mi personaje es un tío
de mi edad, que está estrenando casa con su mujer y empiezan a pasar
cosas, porque en la casa nueva hay un fantasma. Y ahí empieza todo.
Él es un tío normal, pero le pasan cosas anormales, está enamorado y
superado por las circunstancias. También es un poco friki, señaló León
a un medio sevillano.
Pero, ante todo, estamos ante una obra hecha a la medida de Paco
León; un texto que le permite explotar hasta el extremo esa vertiente
clown que le ha aupado como uno de los cómicos de mayor proyección
de futuro del teatro español. Pero, en esta ocasión, Mari Paz
Sayago no le va a la zaga. La primera parte del texto enfrenta al actor
ante la presencia en una especie de monólogo en el que León explota
a la perfección su enorme vis cómica y su tremenda capacidad para la
interpretación dramática. El público viajará de la risa a la inquietud
en un vaivén de emociones a las que se suma Sayago.
En un punto exacto del texto, lo que muchos quisieron entender
como comedia a secas se transforma: los ojos se nublan y las sonrisas
se congelan. La actriz sevillana despliega artes de funambulista
sin red, entre el histrionismo y la sensibilidad más exquisita. El actor
sevillano muerde el polvo del drama con enormes resultados, dando
por su boca algunas de las sentencias más lapidarias sobre la condición
humana que se pueden escuchar hoy sobre las tablas. Cuando te
cuenten acerca de esta obra, oirás hablar de fantasmas y otras dimensiones.
No te creas nada, porque el éxito de Javier Daulte reside en
el uso de la metáfora para encararse con temas como la incapacidad
para la entrega o los estragos que la rutina provoca en las relaciones
de pareja. El juego de los equívocos, el manejo de los escasos elementos,
la multiplicación de seres en escena -aunque nunca sean más de
dos- y un texto redondo acoplado con lujo a sus actores hacen de esta
obra un producto teatral de muchos quilates.
Después del éxito arrollador de León en la televisión y el cine, el actor
que da vida a Luisma en Aída se reencuentra con el teatro. Me
apetecía mucho volver. Yo vengo del teatro y esto significa volver a mis
orígenes. El teatro tiene algo especial porque no hay nada que se entremezcle
entre el actor y el espectador. ¿Estás ahí? es una función por la
que merecía la pena regresar, señala el actor. Y es que León considera
que para ser, de verdad, un buen actor, hay que saber desenvolverse
ante el público en un escenario. Yo creo que hay actores que sólo hacen
cine o que sólo hacen televisión, y que no dejan de ser menos actores;
pero es verdad que para hacer teatro hace falta ser un buen actor.
de Luisma en Aída, recibió, como mejor actor de televisión, un TP de
Oro, un Fotograma de Plata, el premio de la Academia de Televisión
y el premio de la Unión de Actores.
La actriz.- En teatro la hemos podido ver en espectáculos como Las
Gracias Mohosas, Cum Laude y Norte Sur, y aterriza en ¿Estás Ahí?
Avalada por ser pareja artística del mismo Paco León en la divertida
y poco convencional miniserie Ácaros, producida por Cuatro.
La experiencia en la pequeña pantalla de esta actriz se completa con
apariciones en otras series como Cuatrocientos, Rompecorazones o
Acariziame.
La presencia.- Como la compañía no nos ha facilitado el curriculum
del tercer actor del montaje, nos hemos visto obligados a echar mano
del Diccionario de la Real Academia de la Lengua. Fantasma (Del gr.
fantasma, a través del lat. phantasma.) m. Visión quimérica, como
la que ofrecen los sueños o la imaginación calenturienta. 2. Imagen
de una persona muerta que, según algunos, se aparece a los vivos. 3.
Imagen de un objeto que queda impresa en la fantasía. 4. fig. Persona
entonada, grave y presuntuosa. 5. Como aposición, indica la inexistencia
o el carácter falso de algo. 6. f. Espantajo o persona disfrazada
que sale por la noche para asustar a la gente. Elijan ustedes la que
más les guste.
El director.- Javier Daulte nació en 1963 en Buenos Aires, donde
reside el tiempo que le dejan libre sus actividades. Desde controlar
los guiones televisivos que firma hasta desarrollar su personal labor
pedagógica en Barcelona, donde además es máximo responsable artístico
de la Sala Villarroel. O la puesta en escena de obras propias
-en estos días dirige Automáticos- y ajenas, como Baraka de María
Goos. En ambos casos, en su ciudad natal. Ahora regresa a Madrid,
donde su nombre resulta familiar desde que en 1999 presentase Criminal
y ¿Tocar a nuestro concepto del universo, por ese pedacito de
tiniebla griega?, que abrieron las puertas a posteriores títulos, como
Gore, Intimidad o La escala humana hasta llegar a Nunca estuviste tan
adorable.
El actor.- Francisco León Barrios, más conocido como Paco León,
nació en Sevilla en 1974 y se ha convertido en uno de los actores
cómicos más notables de España. Se dio a conocer por sus ácidas y
absurdas imitaciones en el programa Homo Zapping, que lo catapultó
a la fama y le abrió las puertas de Aída, una de las series de televisión
con mayores índices de audiencia de los últimos años que se ha convertido
ya en un producto televisivo de culto. En el cine, se estrenó
poniendo la voz en producciones de animación como Valiant y Madagascar,
a las que siguieron algunas producciones como Reinas o la
recientemente estrenada Dieta Mediterránea. En 2006, por su papel
_16 17_
¿ESTÁS AHÍ?
MI QUERIDO FANTASMA
Paco León se enfrenta a lo desconocido en
una comedia que promete desatar carcajadas.
SIMBIOSIS
DE TALENTO
Foto: Christian Shallert
Foto: Christian Shallert
En tiempos de choque de realidades culturales, un argentino que vive
en España ha tenido el valor suficiente para hacer la fusión más alucinante
de la danza que se ha realizado en los últimos tiempos. De la
mano de Dani Pannullo, hacemos un viaje sonoro que parte de las
calles de las grandes ciudades de Estados Unidos y las escuelas sufíes
del norte de África y Oriente Medio. De un plumazo, el coreógrafo
porteño mete los ritmos frenéticos del break dance y los giros rítmicos
de los derviches de las madrasas del humanismo musulmán. Nadie
duda a estas alturas de que la fusión manda en las artes, pero que
un argentino afincado en España presente en Egipto un espectáculo
de break dance estadounidense inspirado en los místicos sufíes bien
puede ser el paradigma de ese axioma que está marcando la creación
artística desde la segunda mitad del siglo XX.
Los profetas de la fusión pueden dividirse en dos grupos: quienes
mezclan todo en la batidora y nunca logran ligar los ingredientes, y
quienes saben encajar los elementos sin que chirríen. Pannullo pertenece
sin duda a este segundo tipo de mezcladores certeros. Con una
cuidada selección musical, los chicos de Pannullo han logrado sacar
el jugo a sus enseñanzas callejeras y ofrecer a los espectadores toda la
pasión de las calles junto a los giros interminables del derviche.
Pannullo considera que cada persona es un bailarín en potencia, por
lo que ha sacado a los artistas de su espectáculo de las calles de los
suburbios cairotas, donde los jóvenes se reúnen junto a un cassette
para dislocar sus caderas al ritmo sincopado del break dance.
El coreógrafo descubrió Egipto hace cuatro años, cuando viajó invitado
al VII Festival de Danza Contemporánea. Desde entonces ha
tejido una fuerte relación con la cultura egipcia que le ha llevado a
indagar en la danza mística sufí, en la que se inspiró para el show
estrenado con enorme éxito en la capital egipcia. Pannullo definió
Desordances como una confrontación de estilos que se funden en un
diálogo sobre el escenario. El espectáculo comienza lento, casi moroso,
de forma que el espectador entre poco a poco en la obra. Las
alegorías de la época faraónica, ejecutadas de forma magistral por el
b-boy cairota Almany, dan paso al trance del derviche, Mustafa Ayat,
que a su vez cede el testigo a las piruetas y equilibrios de los b-boys
españoles, Dani, Hize y Silvestre.
Pero es en el momento en que coinciden en escena todos los bailarines,
cuando el espectáculo adquiere una rara intensidad. Entonces, la
herencia árabe y los ritmos occidentales comienzan a diluirse, sin saber
muy bien dónde empieza uno y acaba el otro, y crean algo nuevo,
fresco, sugerente, estimulante. Eso que llaman fusión.
Para Panullo, la fusión va mucho más allá de la mera mezcla de estilos
es una invitación a bailarines de diferentes estilos a expresarse libremente,
señala Pannullo. Desordances es, básicamente, una invitacion
libre a la danza donde los bailarines son libres también, para expresar
todo lo que, tal vez en otras compañías, no podrían. Además se trata
de una invitación al caos, al orden, a la intuición y al método. La idea
es que a través de esta libertad puedan crear algo que no es posible en
otras compañías más encorsetadas, que pueda crearse una experiencia
intensa que es la unión de b-boys españoles y egipcios y la propia danza
derviche, que está intimamente unida al folclore de Egipto. Una fusión
que nace de la inquietud y del respeto, ya que, según el coreógrafo
argentino, no es posible hacer fusión si no se respetan profundamente
las tradiciones musicales que forman parte de esa fusión.
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DESORDANCES 3
LOS LÍMITES INSOSPECHADOS DE LA
FUSIÓN
Derviches sufíes y bailarines de break
dance se dan la mano en un diálogo de
estilos y formas de ver el mundo.
Foto: Crisol
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EL SUFISMO Y EL
BREAK DANCE.
DERVICHES EN
ARMONÍA JUNTO A
FURIA CALLEJERA
Derviches y danzarines callejeros unidos en el escenario. Más de uno
se echaría las manos a la cabeza ante tal posibilidad, pero lo cierto es
que la danza circular de los danzarines derviches es una de las fuentes
de expresión del sufismo, una corriente del Islam que se caracteriza
por la tolerancia y la creencia en que todos tenemos en nuestro interior
algo de esta divinidad que fue capaz de darnos la capacidad
de amar. El derviche entra en trance con su baile y contacta con la
esencia divina que tiene en su interior.
El sufismo es una de las corrientes humanistas del Islam; es menos
una doctrina o un sistema de creencias que una experiencia y una
forma de vida. Es una tradición de iluminación que lleva adelante la
verdad esencial a través del tiempo. Tradición que, sin embargo, debe
ser concebida en un sentido vital y dinámico. Su expresión no debe
permanecer limitada a las formas religiosas y culturales del pasado.
La verdad del sufismo requiere reformulación y expresión nueva en
cada época. Tal como lo conocemos, se desarrolló dentro de la matriz
cultural del Islam. La revelación islámica se presentó a sí misma
como la última expresión del mensaje esencial traído a la humanidad
por los profetas de todas las épocas. El Corán reconoce la validez de
120.000 profetas, o mensajeros, que han venido a despertarnos de
nuestro mezquino egoísmo y recordarnos nuestra naturaleza espiritual.
Confirmó la validez de revelaciones pasadas, al mismo tiempo
que aseveraba que el mensaje original fue a menudo distorsionado en
el transcurso de los siglos.
El llamado del sufismo a la universalidad se basa en el amplio reconocimiento
de la existencia de un solo Dios, el Dios de todas las
personas y de todas las verdaderas religiones. El sufismo entiende ser
la sabiduría hecha realidad por los grandes profetas- incluyendo explícitamente
a Jesús, Moisés, David, Salomón y Abraham, entre otros,
e incluyendo, implícitamente, a otros seres iluminados innominados
de cada cultura, lo que convierte a esta corriente en paradigma de
moderación, tolerancia y respeto por otras creencias.
Si hay una verdad central que el sufismo distingue, es la unidad de ser,
el hecho de que estamos integrados con lo Divino. Ésta es una verdad
que en nuestra era está en inmejorable posición de apreciar emocionalmente,
debido a la contracción del mundo gracias a las comunicaciones
y el transporte, e intelectualmente, debido a los desarrollos
de la física moderna. Somos Uno: una comunidad, una ecología, un
universo, un ser. Si es que hay una verdad digna de ese nombre, es
que formamos un todo con la Verdad, que no estamos separados de
ella. La comprensión de esta verdad tiene efectos en nuestro sentido
de quienes somos, en nuestra relación con los demás y con todos los
aspectos de la vida. El sufismo tiene que ver con la comprensión de
la corriente de amor que corre a través de toda forma de vida, con la
unidad detrás de las formas.
El sufismo es el atributo de aquellos que aman. Los amantes son personas
que son purificadas por el amor, libres de sí mismas y de sus
propias cualidades y completamente atentas al Amado. En otras palabras
los sufís no están inmersos en el servicio por alguna cualidad
propia, pues ellos ven todo lo que son y tienen como perteneciente
a la Fuente.
21_
Se ha atrevido con todo. Con la danza tradicional japonesa, con el hip
hop, con el break dance y las danzas sufíes y ahora, en su Desordances
4, con el flamenco en su estado más puro aunque siempre en fusión
con los ritmos más urbanos. Ésa es la seña de identidad más importante
de este hijo del mundo que, desde que tenía uso de razón, soñaba
con vivir diferentes realidades y aprender un poco de cada parte.
Uno de mis deseos desde que era pequeño fue viajar por el mundo y
he tenido la suerte de vivir en países con culturas diferentes y poder
utilizar sus tradiciones y mi propia experiencia a la hora de acometer
la creación de mis espectáculos, ha señalado el creador.
Nacido en la Patagonia Argentina, este coreógrafo, que prefirere verse
más como director o maestro de escena, ha desarrollado la mayor
parte de su carrera en Madrid. Inspirado, a veces, por la vida urbana
y los sentimientos contradictorios que experimenta el individuo en
las ciudades. Ha sido el primer artista que ha unido discursos estéticos
tan dispares, en apariencia como la danza butoh o el break dance
de las calles. Por lo cual Pannullo insiste en hablarnos de difusión
más que de fusión de estas nuevas formas de bailar en el siglo XXI.
Nací en medio de un desierto de nieve y he vivido en Brasil, EEUU y
durante ese tiempo he sido una persona muy apasionada por el teatro,
la danza y las cosas que tuvieran que ver con el espectáculo en general.
Me formé en grupos de cabaret, vodevil... No me interesa tanto el cine
como el teatro y me olvido fácilmente de las cosas que he hecho. Sólo
me ocupo del presente y hoy por hoy, se llama Yukkuri, que es una
mezcla de b-boys bailando en escena, butho, o simplemente el cuerpo
en movimiento.
Formado en danza y teatro en Buenos Aires, también ha vivido y
viajado por lugares tan diversos como Brasil, Japón, Egipto y EEUU,
buscando en la raíz el leitmotiv de su visión del teatro o lo que él
llama Pieces of today dance. La danza debería ser un vínculo transmisor
de emociones pues, según este director, el teatro del futuro será
mucho más físico, donde cada cuerpo, estilo, escuela o manifestación
encerrara un misterio que sólo será revelado en la escena.
Este coreógrafo, que prefiere verse más como director o maestro de escena,
ha inspirado la mayor parte de sus creaciones en la investigación
con danza y la vida urbana y en la reflexión en torno a los sentimientos
contradictorios del hombre en las ciudades, auténticos monstruos
contemporáneos. Por eso, el artista propone en sus espectáculos little
street pieces, pequeñas piezas de unos tres minutos que ayuden a despertar
emociones en el público y le aparten del bullicio en el que tiene
que vivir.
Por otro lado, Pannullo sostiene que el panorama de la danza en España
era muy aburrido hace unos años, aunque hoy está un poco
mejor. El coreógrafo vaticinó que el futuro de la danza está en la experimentación
y en la apertura de corrientes y movimientos artísticos de
todo el mundo. El problema de la danza actual en España es que sigue
encerrándose en sus propios lenguajes y está muy desinformada de lo
que emerge a su alrededor, comentó.
DANI PANNULLO.
DE LA PATAGONIA
AL MUNDO
Foto: Crisol
Foto: Crisol
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¿Sería capaz el hombre sobre el que descansan los destinos del país
más poderoso del mundo de renunciar a todo lo que cree por perpetuarse
en el poder? El dramaturgo norteamericano David Mamet
(Chicago 1947) reflexiona sobre las convicciones y conveniencias en
Noviembre, una obra que se sitúa en el mismísimo Despacho Oval
de la Casa Blanca en las semanas previas a la cita electoral que puede
acabar con el presidente de los Estados Unidos desalojado del cargo.
Mamet, con un manejo casi infalible del diálogo más simple y directo,
nos mete en la piel de un hombre derrotado por las encuestas que
debe elegir entre ser el mismo y volver a ser un ciudadano o traicionarse
para optar a seguir otros cuatro años controlando los resortes
del poder. El actor Santiago Ramos se pone en la piel del líder del
mundo libre en una obra que maravilla por la capacidad de tocarnos
a todos. En ningún momento se hace mención a la filiación política
del protagonista. Todos pueden quedar fielmente retratados.
La acción transcurre por completo en el Despacho Oval de la Casa
Blanca durante los días finales de una elección presidencial en los
Estados Unidos de América. El Presidente (del que nunca se dice si
es Republicano o Demócrata, y que se presenta a la reelección) está
tan detrás en las encuestas que hasta su propio partido ha renunciado
a apoyarle. Su abogado y consejero le anima a aceptar la derrota
y retirarse. Pero el Presidente está sin blanca y no quiere marcharse
del cargo sin dinero. Aprovechando la cercanía de la fiesta del día de
Acción de Gracias, el Presidente decide chantajear a la Asociación
Nacional del Pavo a cuenta de los beneficios que obtendrán en esa
celebración familiar.
Entretanto, la escritora de los discursos presidenciales acaba de llegar
de China, adonde ha ido a adoptar una niña. Leal al Presidente,
aunque opuesta a sus métodos, le ofrece a éste un discurso que le
permitirá conectar de nuevo con los ciudadanos y revertir los malos
pronósticos de las encuestas. A cambio del discurso quiere que
el Presidente la case con su pareja, otra mujer, ante las cámaras de
televisión. El Presidente ve la posibilidad de hacer realidad su sueño
de mantenerse en el cargo, pero para ello tendrá que renunciar a
sus ideas y saltarse la ley que impide los matrimonios homosexuales.
Mientras se enfrenta a la decisión, las presiones de su consejero, la
amenaza de un virus, la llegada de la televisión y la aparición de un
inesperado visitante convertirán la Casa Blanca en algo demasiado
difícil de manejar para él.
Sería fácil pensar que Mamet dirige sus flechas envenenadas contra
personas reales, contra los actuales dirigentes de su país, contra una
situación política que encuentra tan insoportable como para arremeter
contra ella sin sutilezas. Pero sería también un error que igualaría
a Mamet a una plétora de dramaturgos menores, comprometidos,
empeñados en llevar a escena todo aquello que ya sabemos, cuando
no directamente aquello que pensamos. La comedia, por feroz que
resulte, no es aquí el arma destructiva puesta al servicio de una causa
mayor. La comedia no es aquí el medio, sino el fin.
No el instrumento, sino el objetivo. Y la violencia de la sátira tiene
el paradójico efecto de humanizar a los personajes mediante uno de
los recursos favoritos de Mamet, uno de sus sencillos consejos para
adentrarse en una situación dramática: la reducción del conflicto a
simples necesidades humanas. Los dueños del mundo están más pendientes
de sus propias necesidades que de las altas tareas para las
que fueron elegidos, y es así como Mamet prepara el terreno para
contarnos lo que nos cuenta una y otra vez en tantas de sus obras y
películas: la vieja historia, casi un cuento de hadas, de dos hombres
que por un instante creen tener el destino en sus manos. El golpe
perfecto, el timo del siglo, la fórmula secreta para ganar en la bolsa,
ese giro de los acontecimientos que convertirá una crisis en el mayor
de los éxitos, el objeto mágico que hará realidad los deseos. Aquí: el
discurso que invertirá la tendencia negativa de las encuestas, las palabras
mágicas. Otro de los temas favoritos del autor: el lenguaje y su
inmensa capacidad de seducción.
Santiago Ramos da vida a este Presidente sin ningún tipo de vergüenza
en un reparto que completan Ana Labordeta, Cipriano Lodosa,
Jesús Alcaide y Rodrigo Poizón.
NOVIEMBRE
CUALQUIER COSA VALE PARA
CONSERVAR EL PODER
Santiago Ramos se mete en la piel del
hombre más poderoso de Occidente en una
sátira divertidísima sobre los ideales y
los escrúpulos.
Foto: David Ruano
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EL CARTERO SIEMPRE
LLAMA DOS VECES
Películas de la talla de Los intocables de Elliot Ness o El cartero siempre
llama dos veces han contado con el trabajo de David Mamet como
guionista. David Mamet nació en Chicago en 1947. Desde 1963 se dedicó
a la literatura y al teatro, ya en escuelas de prestigio reconocido
como la Neighborhood Playhouse School of Theatre de Nueva York,
donde Sanford Meisner, del Group Theater, enseñaba un método de
interpretación basado en Stanislavski. Trabajó después como actor y
profesor de interpretación, además de realizar trabajos ocasionales
como taxista o director de una inmobiliaria. En 1970 empieza a escribir
teatro (Lakeboat) como parte de su trabajo como profesor de
interpretación en el Malboro College de Vermont. Forma después
grupos teatrales con sus alumnos, y en 1974 gana su primer premio
(el Jefferson Award) con Sexual Perversity in Chicago. En 1975 estrena
en Chicago American Búfalo con gran éxito de crítica.
Se traslada a Nueva York. En los años siguientes las obras de Mamet
se representan con éxito y ganan más premios, hasta la consagración
definitiva en 1977, cuando American Búfalo pasa a un teatro de
Broadway y su autor recibe el Premio de la Crítica. En 1979 empieza
su brillante carrera de guionista cinematográfico, al realizar por encargo
del director Bob Rafelson el guión de El cartero siempre llama
dos veces, sobre la novela de James M. Cain. En 1982 escribe Veredicto
Final, película de Sydney Lumet que le vale una nominación al Oscar
y estrena la obra teatral Edmond en Chicago y Nueva York. En 1983
gana el Premio Pulitzer con Glengarry Glenn Ross, y el codiciado galardón
determina un ascenso en su carrera como dramaturgo.
En los años ochenta Mamet escribe ensayos, adaptaciones y piezas
cortas, y sigue impartiendo clases de teatro, además de continuar su
carrera de guionista cinematográfico con notable éxito. En 1985 escribe
y dirige su primera película, Casa de Juegos, iniciando con ella
su actividad como director de cine, que correrá paralela a su carrera
teatral. Además de firmar los guiones de películas de éxito como Los
Intocables, Cortina de humo o Hannibal, Mamet dirige Homicidio,
Las cosas cambian, El prisionero español, State and Main, The Heist
y Spartan.
Como autor teatral, sus estrenos se suceden: Speed the Plow, en
Broadway, protagonizada por Madonna, Oleanna, El Criptograma, El
viejo barrio, El matrimonio de Boston, Dr. Faustus. En el 2005 estrena
en Nueva York Romance, una comedia judicial de intención satírica
y gags delirantes que supone un inesperado giro en su carrera como
dramaturgo. Su última obra, Noviembre, estrenada en Broadway en
Enero del 2008, supone un paso más en esta misma línea de humor
salvaje.
SANTIAGO RAMOS.
UN PRESIDENTE
DELIRANTE
A nadie se le escapa el enorme talento de Santiago Ramos para la comedia.
En los últimos años ha sido uno de los rostros más conocidos
de la televisión gracias a la multipremiada y acaparadora de audiencias
Aquí no hay quien viva. Sus papeles centrados en tipos de baja
catadura moral y casi picarescos son ya una de las características de
este actor de raza que cuenta con uno de los curriculums más impresionantes
de la escena española. Asegura que el teatro de Mamet es
uno de los que más le gustan y que, de verdad, disfruta cuando tiene
que encarnar a alguno de los personajes que salen de la cabeza de uno
de los mejores dramaturgos de la escena actual. La obra se estrenó hace
poco más de un año en Broadway, ya con el asunto de las elecciones de
fondo. Su protagonista, el personaje que interpreto, es Charles Smith
(Chucky), Presidente de Estados Unidos. Está desesperado. Quiere a
toda costa ser reelegido, aunque las encuestas no le son propicias. Hasta
tal punto que ni su partido le apoya. Pero se empeña en continuar
como sea en el Despacho Oval, que es donde transcurre toda la obra.
Un Despacho Oval que es un símbolo, pues para todos es el centro del
poder mundial.
Sobre David Mamet, Ramos destaca su capacidad para hacer teatro
en el más estricto sentido de la palabra: Tiene algo que me gusta mucho:
sus obras no necesitan grandes decorados, grandes repartos. Es un
teatro muy desnudo, en el que prevalece la esencia pura del teatro: el
conflicto. Y ello a través de unos diálogos perfectamente conseguidos.
Mamet ha señalado que lo que más le ayudó en su carrera como escritor
es la época en la que trabajó en la radio. En la radio se necesita
despertar la atención y mantener la tensión por los diálogos. Y eso hace
Mamet en sus obras. No hay grandes descripciones de los personajes ni
físicas ni psicológicas. Cada uno va a lo suyo y sobre ese ir a lo suyo y
a sus intereses -el poder, la picardía de cómo conseguir dólares-, construye
sus piezas. Mamet es un autor desnudo. Y en sus obras es muy
significativo el empleo del teléfono.
En este sentido, Noviembre sería también una comedia de teléfono. Si
se necesita información se descuelga el teléfono, y eso hace incluso
que se produzca un nuevo planteamiento. Sin duda alguna, es una
comedia delirante que parece escrita a medias con Gila. El primer
acto recuerda esos números propios en los que hablaba por teléfono
con la Casa Blanca. Los personajes tienen cada uno sus intereses que
chocan entre sí. Podemos ver su gusto por la comedia dislocada con
pocos elementos, los giros que consigue con una simple frase o con
una intervención exterior que introduce una información en principio
inane pero que esconde unos hachazos terribles.
Sobre el personaje que interpreta en Noviembre, Ramos no tiene dudas
de que Mamet quiso parodiar al nefando George W. Bush: Es una
sátira de un hombre que necesita conseguir dinero como sea, y para ello
se precisa mucho ingenio. Este Presidente tiene muy pocas luces para
ocupar el puesto que tiene, sin embargo, lleva allí cuatro años destrozando
el país. Un presidente conservador muy bien retratado, en el que
todos vemos a George Bush.
Foto: David Ruano
Foto: David Ruano
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Dice María Pagés que con 15 años se plantó en Madrid para trabajar
y que, en aquellos años de adolescencia rebosante demostró un
sevillanismo militante que, ante sus nuevos amigos y compañeros de
la capital de España se convirtió en un sobrenombre: Sevilla. Este
apelativo ha acompañado a Pagés a lo largo de su trayectoria vital y
profesional y ha sido una de las claves para entender su forma de bailar
y de afrontar el difícil arte del Flamenco. Sevilla. Y es que la tierra
donde se nace, se crece y se descubre la naturaleza crea las bases fundamentales
de la persona que seremos y por ello cada vez que recurramos
a ella en nuestra vida, lo que estaremos buscando, en realidad, es el
equilibrio necesario que proporciona el volver a todas esas referencias.
En mi infancia en Sevilla, mi naturaleza estaba compuesta por su sol,
siempre deslumbrante contra las murallas de albero, la luna y su resplandor
sobre las cúpulas venadas de oriente, las estrellas, el cielo azul
surcado por gorriones y las oscuras golondrinas que siempre volvían, el
brillo de la poca lluvia pero la mucha agua en sus callejones, los escasos
pero impresionantes truenos (y Santa Bárbara Bendita); los ratoncillos
que en la academia de baile Adelita Domingo sacaba con maestría del
interior del piano; el azahar y los naranjos, la dama de noche, el jazmín
y los geranios... Sus aromas, señala la artista.
Este sevillanismo militante se ha traducido en un espectáculo hermoso
que va mucho más allá de un homenaje a la ciudad del Guadalquivir.
Porque uno, al final, no sabe si Pagés se está refiriendo a
Sevilla o a ella como Sevilla desde lo alto del escenario. La ciudad está
presente en todo momento, pero esta Sevilla que llega al Teatro Cuyás
es un repaso a su propia trayectoria como una de las profesionales
más solventes del panorama flamenco a nivel internacional. Para entender
esta relación de simbiosis amorosa entre las dos Sevillas, no
hay más que escuchar a la propia María Pagés cuando habla de las
claves que marcan este espectáculo.
Las coreografías van surgiendo en mi imaginación, sus dibujos y formas,
su movimiento, su luz, en un continuo proceso de evolución a partir
de la danza flamenca que me enseñaron mis antecesores y de una investigación
artística a la que me dedico desde hace muchos años. Creo
que el resultado de ese empeño es mi mayor aportación al Flamenco, a
través de una elaboración coreográfica que le convierte en algo vivo y le
permite ampliar sus enormes posibilidades expresivas y evolucionar.
Para ellas recurro también en el caso de Sevilla a la Escuela sevillana,
pasos y estilo que mis maestros en la infancia me enseñaron como un
tesoro, en los fragmentos de la Habanera de la Carmen, me inspiré
entre otros, en los pasos de la Escuela Bolera del siglo XVIII que se bailaron
en la época en la que la novela fue escrita.
En Sevilla hablo de mí, de la Sevilla que soy, los Solos son parte fundamental
e integrante a los que me dediqué como nunca, quizás también
por una necesidad por el momento personal en el que me encontraba,
aparte de por un requerimiento de la propia pieza.
Pero la otra parte de la balanza la integran las coreografías con mis
bailaores y aquí me encontré con la compañía en su mejor momento,
bailaores diversos, entusiasmados, colaboradores y sobre todo que bailan,
sencillamente porque les gusta bailar. Cuento con 16 bailaores, 8
bailaores que forman la base de la compañía y 8 más que se unen para
esta creación, todos disfrutamos enormemente en el montaje, para el
que conté con la asistencia de José Barrios y de María Morales.
SEVILLA
MARÍA PAGÉS ES SEVILLA
El alma de la ciudad del duende.
UN PASEO MUSICAL
A ORILLAS DEL
GUADALQUIVIR
Vals de Shostakovich y Bulerías de la rosa.- Esta coreografía en 2
partes representa 2 versiones, una clásica y otra adaptada a bulerías
de un tema tan popular que no se entiende donde empieza la partitura
y donde empieza la canción mil veces tatareada por el pueblo, a
esta última se le adaptan letras de García Lorca que nos hacen situarnos
en el bullicio y en los personajes de las calles de Sevilla. De un
vals a una hermosa y alegre bulería, así empieza el espectáculo.
Maestranza.- Basado en la composición para guitarra clásica de José
María Gallardo, Banderillas de tiniebla, que aquí se adapta para 2 guitarras
flamencas, éste solo combina la feminidad de Pagés y el mundo
del toreo, coto reservado, hasta hace poco, a los hombres. La inspiración
para montar esta pieza surgió de las charlas con el matador de
toros, José Tomás, y tuvo como consecuencia un proceso de investigación
y estudio y del montaje en sí, de cada paso y su simbología, y
de cada movimiento.
Alzo una rosa.- Basado en un poema de José Saramago, Pagés asegura
que la adaptación musical del texto del Nobel portugués es una de
las más grandes satisfacciones de su carrera profesional. Una Soleá
sirve de telón musical para una pieza que transporta al espectador
a los jardines del Alcázar de Sevilla. Este momento mágico cuenta
con la música de Luis Pastor y, al cante, de Ana Ramón e Ismael de
la Rosa.
Volver.- Sobre la inmortal canción de Carlos Gardel, Pagés ha creado
una coreografía para cuatro parejas que, la propia bailaora, ha reconocido
ardua en su idea y dificultosa en su ejecución aunque el resultado,
destaca, es sorprendente por la fluidez con la que se desarrolla
la pieza. Un momento para la nostalgia y, de su mano, volver a esos
rincones que se añoran.
Volar.- La traducción de la letra de Modugno del famoso Nel blu dipinto
di blu italiano al español de José María Sánchez es magistral y
decisiva para dar el verdadero sentido y emotividad a un tema que,
según la creadora de este espectáculo, hace pensar en el cielo de Sevilla
y en su azul infinito. La versión de Rubén Lebaniegos adaptada
primero por tangos muy lentos que interpreto como un solo y luego por
bulerías con toda la compañía es muy hermosa y nos ayudó a encontrar
un buen final para Sevilla.
Foto: Ouka Lele
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LA BAILAORA DE LOS
BRAZOS INFINITOS...
MI INFANCIA
SON RECUERDOS...
...DE UN PATIO DE
SEVILLA
En la cumbre de su madurez artística esta bailaora y coreógrafa sevillana
se encuentra en su mejor momento creativo. Con su personal
concepción del flamenco, María Pagés, bailaora de brazos infinitos,
que entiende el arte como algo ilimitado, ha conquistado un lugar
de gran relieve en el panorama de la danza mundial. Utilizando los
códigos fundamentales del lenguaje Flamenco e investigando dentro
y fuera del mismo, María Pagés, supera las diferencias culturales
convencida de que los intercambios artísticos favorecen una mayor
comprensión entre los seres humanos.
Es reconocida internacionalmente por su personal concepto estético
del Arte Flamenco. Utilizando las acentuaciones flamencas clásicas,
sus obras confrontan al Flamenco con otras artes, ampliando su horizonte
y abriendo un nuevo camino para el futuro de la danza flamenca.
Comienza su carrera profesional con la compañía de Antonio
Gades, interviniendo en Carmen y en Bodas de Sangre. Ha sido primera
bailarina de la Compañía de Mario Maya, del Ballet de Rafael
Aguilar y del Ballet de María Rosa.
De sus colaboraciones cinematográficas destaca su participación en:
Carmen, El Amor Brujo y Flamenco de Carlos Saura, así como en La
Bella Otero y Hemingway y Fiesta y Muerte, de José María Sánchez.
En 1995 María Pagés estrena Riverdance. The Show, como artista
invitada y coreógrafa, actuando en los teatros más importantes del
mundo, entre otros el Radio City Music Hall de Nueva York, Auditorium
de Chicago, Pantages Theatre de Los Ángeles, Wang Center de
Boston, Hummingbird Theatre de Toronto, Entertainment Center de
Sydney, The Point de Dublín, y Labatt’s Apolo en Londres.
María Pagés ha creado para el Ballet Nacional de España Ilusiones
FM con guión y dirección de José María Sánchez, que se estrenó el
20 de Diciembre de 2002 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Su
último proyecto viene de la mano de Mikhail Baryshnikov que invita
a María a bailar en el BAC (Baryshnicov Arts Center) de Nueva York.
Dicho proyecto se completa con un trabajo de creación de la coreógrafa
en residencia en el BAC. Es impulsado por el Teatro Español
de Madrid.
En Sevilla, el baile y la puesta en escena de todas sus ceremonias callejeras,
estaban puntualmente y siempre presentes. No había cumpleaños,
bautizo, primera comunión o celebración en los que no se acabara
bailando. En Sevilla se bailaba en un programa de radio, en el patio del
colegio, niñas y monjas bailaban; me contaban que hasta la censura
llegó a Sevilla, donde el Cardenal Segura prohibió el baile. Pero en la
tierra de María Santísima, también se le baila a la Virgen en su paso y
los Seises bailan ante el Santísimo.
Sevilla es la ciudad de los contrastes. En un mismo cartel anunciador
de las fiestas primaverales, se lloraba por la pasión de Cristo y se engalanaban
alegres las damas para ir a la Feria. Es la ciudad donde la
esencia más estricta y severa de sus símbolos, convive con la escenografía
en sus celebraciones de mil y un adornos superpuestos, todo ello
representado con un sentido artístico único, destilado de todas esas culturas
que convivieron en Sevilla a lo largo de su historia. Sevilla como
buena conservadora guardó algo de todas ellas. Por ello la Giralda es
mora y es cristiana, al lado de un barrio que se llama la Judería.
En Sevilla hablo de las academias de baile, de lo trágico y lo cómico, lo
irónico, de las ceremonias religiosas y paganas, de mi visión de la danza
flamenca como danza universal, de todos esos símbolos que configuraron
mi personalidad; sin renunciar a los adornos, sin renunciar a los
lunares, los abanicos, los farolillos, los pasos, sus otros símbolos, fundamentales
y cotidianos, serios y puntuales a las citas en el calendario de
sus costumbres y tradiciones, ni más ni menos, todos ellos conviven y
todos ellos están siempre. Como están sus monumentos huella de una
cultura milenaria, como están mis artistas preferidos, mis poetas, mis
cantaores, a los que recurro con orgullo, los conocidos y los anónimos
de un pueblo con un sentido estético rico y particular.
Foto: Gentileza Compañía María Pagés
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SEVILLA
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DESORDANCE 3
PRECIOS
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De Samuel Benchetrit / Con José Sacristán y Héctor Alterio
Dirección: Óscar Martínez
Viernes 6 y Sábado 7, 20.30 h. / Domingo 8, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 20 minutos sin pausa
De David Mamet / Con Santiago Ramos, Ana Labordeta, Cipriano Lodosa,
Jesús Alcalde y Rodrigo Poisón
Dirección: José Pascual
Viernes 10 y Sábado 11, 20.30 h. / Domingo 12, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 20 minutos sin pausa
Compañía María Pagés
Idea y Guión: María Pagés y José María Sánchez
Dirección: José María Sánchez / Coreografía: María Pagés
Viernes 17 y Sábado 18, 20.30 h. / Domingo 19, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 25 minutos sin pausa
De Philippe Decouflé / Compagnie DCA - Philippe Decouflé
Música: Brian Eno
Viernes 13 y Sábado 14, 20.30 h.
Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
De Javier Daulte / Con Paco León y Mari Paz Sayago
Viernes 20 y Sábado 21, 20.30 h. / Domingo 22, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 30 minutos sin pausa
De Dani Pannullo / Dance Theater
Dirección General: Dani Pannullo
Viernes 3 y Sábado 4, 20.30 h. / Domingo 5, 19.00 h.
Duración: 1 hora y 10 minutos sin pausa
PATIO BUTACAS
1 ANFITEATRO BAJO
1 ANFITEATRO ALTO
2º ANFITEATRO
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PATIO BUTACAS
1 ANFITEATRO BAJO
1 ANFITEATRO ALTO
2º ANFITEATRO
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PATIO BUTACAS
1 ANFITEATRO BAJO
1 ANFITEATRO ALTO
2º ANFITEATRO
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P. INICIAL B10 B20 B30 B50
P. INICIAL B10 B20 B30 B50
P. INICIAL B10 B20 B30 B50
P. INICIAL B10 B20 B30 B50
P. INICIAL B10 B20 B30 B50
PRECIO ÚNICO SIN DESCUENTO EXCEPTO GRUPOS
21.00 19.00 17.00 15.00 11.00
21.00 19.00 17.00 15.00 11.00
24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
21.00 19.00 17.00 15.00 11.00
15.00
18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
15.00
15.00 14.00 12.00 11.00 08.00
15.00 14.00 12.00 11.00 08.00
18.00 16.00 14.00 13.00 09.00
18.00 16.00 14.00 13.00 09.00
15.00 14.00 12.00 11.00 08.00
11.00
12.00 11.00 10.00 09.00 06.00
12.00 11.00 10.00 09.00 06.00
15.00 13.50 12.00 10.50 07.50
15.00 13.50 12.00 10.50 07.50
12.00 11.00 10.00 09.00 06.00
10.00
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2º ANFITEATRO
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